Unsur Senicetak Sebagai Gandingan
Dalam Karya Choong Kam Kow
Printmaking Elements In Choong Kam Kow’s Art
Muhammad Juhari Muhammad Said
Penulis Tamu
Guest Writer
“Bila awak semua habis melukis, berus yang digunakan
mestilah dicuci dengan turpentine sehingga bersih.
Selepas itu dicuci dengan sabun. Kemudian direndam pula
dengan air panas lalu dikeringkan. Faham?”
“AFTER finish painting, you need to clean your brush
thoroughly using turpentine, then with soap. After that,
soak your brush in hot water, and then dry it. Do you get
it?”
Begitulah bunyi arahan yang saya terima 33 tahun yang
lalu dari Choong Kam Kow ketika beliau baru pulang
dari New York. Beliau sebagai pensyarah yang baru tiba
setelah menjalani Fullbright Research dan saya pula
adalah pelajar tahun tiga di Jabatan Seni Halus, Institut
Teknologi Mara, Shah Alam. Displin ini walaupun sudah
begitu lama diperdengarkan tetapi bukti kesungguhan itu
tetap dapat dilihat dari dua batang berus bersaiz 7sm yang
pernah digunakannya di tahun 60-an tetap lagi tersimpan
dengan begitu baik di studio beliau hingga kini.
That was a piece of valuable advice I received 33 years
ago from my lecturer, Choong Kam Kow. At that time, he
had just returned from his studies in New York under the
Fulbright Research programme, and I was in my third year
of Fine Art study at Institut Teknologi MARA, Shah Alam.
We often hear people talk about this sort of discipline
and attitude, but Choong seems to represent the perfect
example of how to put this into effective practice: two 7-cm
brushes that he has been using since the 60’s are still kept
in good condition in his studio.
Ada ketikanya pula sedang saya asyik melukis, seorang
pensyarah bernama Tang Tuck Kan akan datang merapati
saya. Dengan berbisik beliau memberitahu bahawa warna
di palet saya lebih baik dari catan landskap yang sedang
saya kerjakan. Terbakar? Tapi itulah suasana belajar ketika
itu dimana ada waktunya hati pelajar dibentuk dan dibina
sebaiknya. Disaat yang lain pula mereka boleh dipanggang
hidup-hidup atau direbus sahaja.
Asuhan disiplin bekerja dalam studio, peraturan-peraturan
yang mesti dipatuhi dan emosi yang sering tercabar
sudah menjadi rencah kehidupan harian. Semakin lama
ia menjadi darah daging, bersemadi bersama kerjaya
dan kehidupan harian saya sehingga ke hari ini. Ternyata
disiplin yang ketat dan emosi yang sering tercabar
merupakan sebahagian dari resipi untuk menjadi manusia
berhati kental dan bersemangat waja serta berjiwa besar.
Tetapi itu ditahun 80-an, sekarang mungkin sudah berbeza
132
Artist paint brushes from 1960’s
Berus lukisan dari tahun 1960-an
agaknya dan cerita-cerita di atas adalah sebahagian kecil
landskap kehidupan Choong Kam Kow di tahun 80-an yang
sempat saya rakamkan.
Selain akal dan fikiran, peralatan serta bahan merupakan
titik permula dalam sebuah pengkaryaan yang sejati.
Peralatan begitu dihormati dan dijagai oleh golongan
sebegini. Peralatan bagi mereka adalah ibarat bilah-bilah
senjata yang akan dibawa untuk ke kancah peperangan
yang mana hujungnya sebuah penyelesaian dan meraih
kejayaan yang berpanjangan. Pernah saya belajar dengan
seorang guru yang hanya membenarkan pelajar-pelajarnya
menggunakan alat-alat yang dibuat sendiri. Untuk membeli
sama sekali tidak diizinkan. Bayangkan ditahun 60-an
dan 70-an seorang pelajar fotografi diwajibkan membuat
kamera sendiri supaya mereka betul-betul faham tentang
peranan cahaya pada sebuah kamera . Choong Kam Kow
adalah merupakan salah seorang karyawan muda yang
saban hari duduk dan berdiri dalam ruang lingkup dunia
sebegini. Mungkin bagi generasi sekarang, cerita ini adalah
sebuah keanehan. Boleh juga ditafsir sebagai satu situasi
baru yang begitu asing. Atau bagi mereka barangkali ia
perlu dijauhi sahaja kerana itu lebih menyenangkan.
Ketika berusia 29 tahun, Choong Kam Kow sudah pun
menghasilkan karya–karya yang berupa media campuran.
Ini adalah petanda-petanda awal dimana media campuran
telah dijadikan satu sumber dalam pengkaryaan beliau.
Bukan itu sahaja, malahan jika kita perhatikan ia sudah
melarat menjadi satu ‘tabiat’ dalam sepanjang beliau
berkarya. Karya- karya media campuran yang terawal
dapat dilihat dalam siri-siri Kinta yang dihasilkannya pada
tahun 50-an dan 60-an. Dua buah karya yang bertajuk
“Village by Water” (1963) dan “Beautiful River Side 4”
(1964) merupakan titik tolak yang penting dalam sejarah
seni lukis Choong Kam Kow.
Kegemaran beliau dengan teknik media campuran telah
mendasari kerja-kerjanya. Media campuran seperti
menawarkan satu perluasan daerah dan juga sempadan
dalam pengkaryaan serta mampu meningkatkan
kreativitinya. Teknik media campuran berupa seperti
penjanaan dan mekanisma dalam karya-karya beliau
seterusnya. Baginya teknik serta proses yang pelbagai
akan membina martabat sesebuah karya dan tidak
disangkal lagi ini adalah sebagai mercu tanda dalam
banyak karya-karya beliau. Unsur-unsur seni cetak paling
jelas diperlihatkan sebagai gandingan mantap dalam
eksploitasi media campuran dan teknik yang pelbagai
dalam karya-karya beliau seterusnya.
Sometimes when I was deeply engrossed in painting,
a lecturer by the name of Tang Tuck Kan would stand
behind me, whispering into my ears that the colours on my
palette looked much better than those on the landscape
I was working on. Wouldn’t that upset you? But that is
the learning situation every student has to go through.
At one time, they are given all kinds of motivation and
encouragement, and at another time, they are subject to
various kinds of intimidation and pestering.
Maintaining good discipline in studio practice, abiding to
certain rules and regulations, and coping with stressful
emotions are part of the normal life of an artist. After
being involved in art for so many years, these things
have become so ingrained in my personal life and artistic
career. Keeping tight discipline and knowing how to deal
with emotional outbursts are evidently two elements key to
becoming a strong-willed, spirited and principled individual.
But that was in the 80’s, and things have probably changed
a lot since then. What I have managed to sketch above
is only a glimpse of the scenario that had partly coloured
Choong’s life in the 80’s.
Besides possessing a mind with creative power and
critical acumen, an artist also should have a set of proper
equipment and materials that can serve as a basis for
him to achieve excellence in his art-making. For seriousminded artists, tools should be respected and handled
with care. They are like weapons that can be used in the
battle to resolve technical issues and, eventually, to gain
long-term success. One of my art teachers only allowed
his students to use equipment that they made themselves,
and they were totally prohibited from buying any art tools.
Just imagine how a student of photography in the 60’s and
70’s was required to fabricate his own camera as a way to
make him really understand the role of light in photography.
When he was a young artist, Choong also went through
a similar kind of experience. For young generation artists
of today, this story might sound utterly ridiculous, and the
situation I describe might seem absurd. They perhaps think
that it would be better for them to just avoid being in such a
situation.
When he was 29, Choong had already produced a
number of works in mixed media. This was the beginning
of his employment of mixed media as one of the main
approaches in his artistic practice. Over the years, we
observe that mixed media has become the signature
medium of his art. His earlier mixed media works can
133
Seperti yang dibincangkan pada peringkat awal tadi
pendekatan Choong Kam Kow adalah begitu teknikal,
teliti dan rapi sejak dari mula lagi. Dari peralatan yang
digunakan sehinggalah kepada bahan-bahan dan teknik
untuk berkarya, beliau amat berhati-hati kerana ini adalah
begitu penting baginya. Dengan pendekatan tersebut
secara tidak langsung beliau akan melalui proses-proses
yang akan menerbitkan tatabahasa visual yang baru,
menarik dan segar untuk dihayati. Dalam karya-karya
awal siri Kinta, beliau cuba menerapkan unsur-unsur serta
teknik yang agak maskulin dengan bantuan cat air Eropah
diatas sapuan lembut cat air Cina dipermukaan kertas nipis
tradisi. Sememangnya unsur-unsur Ying dan Yang sentiasa
berada dalam lukisan-lukisan tradisi Cina tetapi ia lebih
kepada falsafah yang digambarkan dengan simbol gunung
dan awan atau batu-batu dan air sungai yang mengalir.
Tetapi dalam konteks karya-karya dari siri Kinta pengertian
serta falsafah Ying dan Yang itu lebih berupa pendekatan
yang berciri dan berunsur teknik. Ini adalah sebuah
lonjakan terawal yang penuh makna dan cukup menarik
dalam sejarah permulaan kerjaya senilukis Choong Kam
Kow. Bermula dari sini kegemarannya meneroka media
campuran terus berkembang subur dan membuka ruangruang kemungkinan yang lebih besar, jauh lagi bermakna
baginya.
Pengalaman di New York dari 1965 hingga 1969 memang
tidak dapat dinafikan telah banyak membawa pengaruh
besar kepada karyawan Choong Kam Kow. Mengikut
cerita dari beliau bahawa diawal 60-an lagi ibukota New
York adalah seperti ‘syurga pendatang’ yang mampu
menawarkan segala kemungkinan, bantuan dan kepakaran
dalam apa saja bidang yang kita ceburi. Cuma, tepuklah
dada tanyalah selera.
Semasa diperantauan, beliau mendapat pendedahan
yang begitu meluas dalam bidang dan teknik seni cetak.
Sememangnya gelojak dan rangkaian seni cetak begitu
memberangsangkan di New York di tahun 60-an dengan
terdirinya begitu banyak studio senicetak dan penerbitan.
Beliau mula berjinak-jinak dengan teknik cetakan seperti
gurisan asid, litografi, sutera saring dan sebagainya. Ini
dapat kita lihat dalam karya cetakan gurisan asid yang
bertajuk “Conflict” (1967) dan lithografi yang bertajuk
“Reclining Figure” (1968).
Secara peribadi beliau melihat kaedah menghasilkan seni
cetak begitu berbeza dari bekerja untuk sebuah lukisan
tradisional yang sering dihasilkannya. Walaupun teknik seni
cetak pada asasnya menuntut ketelitian dan ketepatan,
134
be found in the Kinta Series that he created throughout
the 50’s and 60’s. Village by Water (1963) and Beautiful
River Side 4 (1964) are regarded as incredibly vital in the
historical development of Choong’s art.
(Detail) Village By The Water 1 1963 Water colour 38 x 57 cm
Private Collection
(Detail) Beautiful River Side 4 1964 Ink & water colour on rice paper
24 x 35 cm Artist Collection
His interest in mixed media is fundamental to his
artistic endeavours. Working in mixed media provides
him opportunities to broaden the reach of his artistic
practice and to enhance his creativity. The artworks he
subsequently produces mostly rely on this approach.
He believes that employing a variety of methods and
processes can significantly affect the quality of an artwork,
as undoubtedly evident in the majority of his art. His
application of printmaking elements certainly signals his
keen exploitation of mixed media and diverse techniques in
his artworks.
As mentioned previously, Choong’s art-making approach
has always been highly technical, meticulous and wellorganised. He pays close attention not only to tools
but also to materials and techniques he is using, which
he considers very essential for his artistic practice.
Additionally, this approach leads him to undergo various
processes that can result in novel, fresh and fascinating
visual language. In the Kinta Series, he tried to combine
the ‘masculine’ elements of the European watercolour
ini tidak bermakna ia sebagai sesuatu yang agak menyisih
kepada keperibadian dan perwatakan Choong Kam Kow. Di
sini beliau telah mula menggunakan eksperimentasi dengan
alat cetakan iaitu roller sebagai berperanan seperti berus.
Dengan bantuan roller beliau cuba untuk membuat teknik
stensilan kepada rupa-rupa geometrik yang agak baru dan
asing baginya ketika itu.
Ini dapat dilihat dalam karya media campuran yang bertajuk
“Sea Beach” (1967) yang mana begitu jelas Choong Kam
Kow tetap teringat jauh akan pemandangan serta suasana
lembah Kinta yang begitu banyak menyumbang kepada
pembesaran nilai-nilai sosio budaya dan alam semulajadi
dalam dirinya.
Cuma apabila beliau berada disebuah kota metropolitan
yang serba maju, ia sering tersentak dan dihimpit oleh
persekitaran dan sosio budaya asing setempat. Ini
menyebabkan berlaku refleksi semulajadi pada jiwa
dan sanubarinya. Choong Kam Kow lalu menebarkan
manifestasi itu dengan rupa-rupa geometrik yang berwarnawarni diatas permukaan jalinan kasar impasto di kanvas
sebagai bayangan resah diri dan gundah hati ketika berada
diperantauan.
Paling menarik sekali rupa-rupa geometrik ini dihasilkan
oleh teknik stensilan dengan menggunakan roller cetakan
dan bukannya dengan alat berus yang sudah sekian lama
digunakannya. Sedangkan beliau boleh menggunakan
berus dengan mudah, tetapi mengapa teknik stensilan?
Stensilan pula adalah merupakan kaedah menghasilkan
teknik cetakan paling asas dan paling senang sehinggalah
diangkat dan dimajukan kepada teknik yang paling canggih
iaitu teknik sutera saring. Secara peribadi saya melihat
karya di atas sangat penting dan menjadi petanda dan titik
tolak Choong Kam Kow menggembleng medium seni cetak
sebagai eksploitasi teknik yang pelbagai ke dalam karyakarya beliau. Stensilan yang nampak mudah itu sudah
mula menjadi teknik yang akrab dalam karya-karyanya.
Rupa-rupa geometrik yang pada awalnya menyesak jiwa
semasa beliau berada di New York lama- kelamaan sudah
mula difahami dan dihayati sebagai ciri-ciri keindahan
dalam kemodenan dan bentuk-bentuk yang melambangkan
perkembangan pesat industri di Amerika. Tak kenal maka tak
cinta! Begitulah pesanan orang tua-tua.
Disini beliau meneroka teknik-teknik stensilan dengan
lebih rapat, tepat dan lagi mencabar. Kalau dalam karyakarya “Sea Beach”, 1967 stensilan itu berupa luahan dan
manifestasi jiwa tapi dalam karya siri “Shaped Canvas”
,1968 hingga 1972 ia adalah sebuah ‘stensilan mandotori’.
painting with the ‘feminine’ aspects of the traditional
Chinese watercolour painting on the surface of thin rice
paper. In traditional Chinese paintings, the elements, or
most probably the philosophical dimensions, of Yin and
Yang are represented by images of mountains, clouds,
rocks, and flowing rivers. However, in his Kinta paintings,
the meaning and philosophy of Yin and Yang is essentially
echoed in the technical approach taken up by the artist.
This series marked an amazing and historic development
in the formative period of Choong’s artistic career. It was
this series that prompted him to further expand his interest
in exploring mixed media technique, causing him to
discover more opportunities and possibilities that can have
more profound, meaningful implications on his art.
His stay in New York from 1965 to 1969 has greatly
influenced him. According to him, New York in the early
60’s was a haven for immigrants as it offered a vast range
of possibilities, assistance and expertise in whatever fields
they wished to participate. It was entirely up to them to
decide on which one to go for.
His stay in the city gave him a wide exposure to the genre
of printmaking. In the 60’s, printmaking activities were
being pursued actively in New York with the mushrooming
of many printmaking studios and publishing houses. He
started exploring various kinds of printing techniques,
including acid etching, lithography and silkscreen, as can
be seen in Conflict (1967; acid etching) and Reclining
Figure (1968; lithography).
(Detail) The Conflict 2/3 1967 Etching & collograph 45 x 45 cm
Artist Collection
135
Kerana itu adalah ciri-ciri karya ‘hard edge’ atau catan
tepat. Ia mesti kemas terancang rapi, warna mesti jelas
dan menggetarkan deria mata! Tidak ada kompromi. Dalam
karya sebegini warna-warna dipisahkan oleh garisangarisan ‘implied’ dan diperkukuhkan oleh teknik stensilan
yang mana merupakan satu kaedah bekerja dalam seni
cetak. Ini dapat dilihat dalam beberapa karya bertajuk
“Vibration” (1970) dan “Illusion” (1969)
Karya-karya ini mengingatkan saya kepada beberapa
karyawan negara seperti Tang Tuck Kan dan Kok Yiew
Puah yang pernah menghasilkan catan tepat dan juga
Lim Eng Hooi yang pernah saya lawati beberapa tahun
yang lalu di Pulau Pinang. Jelas sekali penghijrahan begitu
banyak membuka kemungkinan serta ruang-ruang yang
membawa kebaikan kepada yang peka dan bijaksana.
Setelah menghasilkan karya-karya catan tepat, Chong
Kam Kow sekali lagi meneroka penggunaan teknik
stensilan dalam beberapa karya dalam “The SEA-THRU”
Series. Cuma kali ini beliau bukan sahaja menggunakan
papan lapis sebagai bahan, dia juga menggunakan
kepingan-kepingan plastik akrilik yang distensil berbagai
warna seolah-olah membentuk ruang-ruang baru bila
digabungkan. Karya-karya ini tampil seperti arca-arca
dinding. Dengan penggunaan cermin dan bantuan cahaya
karya-karya ini menular kepada ciri-ciri interaktif pada
zamannya. Tanpa disedari jalur-jalur stensilan yang
berwarna-warni itu adalah bibit-bibit permulaan rupa-rupa
yang membawanya ke siri Festival, dimana bungkusan
kuih tradisi serta anyaman kelarai menjadi rujukan-rujukan
penting dalam siri ini.
Pada 1977, Choong Kam Kow telah menghasilkan sebuah
cetakan foto suterasaring yang telah menjadi koleksi
Metropolitan Museum of Art di New York. Karya ini bertajuk
“5th Month Festival II” (1977).
Gambar anak beliau dan kuih chang dengan berlatarkan
tulisan Cina menjadi ciri-ciri utama dalam karya ini. Ini
juga merupakan sebuah karya cetakan penting dalam siri
Festival, dimana beliau sudah mula mencari dan menggali
unsur-unsur persamaan dalam konteks budaya majmuk di
Malaysia. Cetakan ini menjadi satu tanda bermulanya siri
Festival yang begitu menarik, menyuarakan bukan sahaja
pandangan peribadi karyawan tetapi mengajukan satu
pemikiran, pendapat yang positif dan konstruktif. Karya ini
merupakan sebuah karya cetakan tanpa teknik campuran,
dan apabila Choong Kam Kow mahu meneruskan siri
Festival ini, beliau sudah semestinya menggunakan
‘formula peribadi’ beliau iaitu media serta teknik
136
(Detail) Reclaining Figure 4/7 1968 Lithograph
34 x 44 cm Artist Collection
For him, the process of producing prints is markedly
different from that of creating traditional paintings, which
was his only passion then. Printmaking practice basically
requires attention to detail and accuracy, but this does not
mean that it totally disregards Choong’s personality and
behaviour. Here, he began experimenting with roller as a
stenciling tool to generate geometric forms that were fairly
new and unusual for him at that time.
The outcome of this new approach can be detected in
the mixed media work titled Sea Beach (1967). This
work clearly shows Choong’s endless nostalgia for the
picturesque landscape of the Kinta Valley, his birthplace
that largely helped shape his socio-cultural values and his
respect for Nature.
(Detail)
Sea Beach 1
1967
Oil & mixed media on canvas
178 x 138 cm
Artist Collection
campuran. Baginya cukup jelas dan yakin bahawa formula
tersebut akan membawanya meneroka bagai sebuah
kenderaan ke destinasi baru yang lebih meyakinkan dan
menyeronokannya tatkala berkarya.
Dalam sejarah pendidikan awal kanak-kanak sebelum
dan selepas merdeka kita perlu memahami bahawa
perkembangan teknologi dan komunikasi tidaklah berada
dalam situasi seperti kita yang ada sekarang ini. Oleh
kerana yang demikian setiap generasi sebelum merdeka
kebanyakannya terlatih dan sudah biasa dengan aktivitiaktiviti kraf dan kerja-kerja tangan yang halus. Dari
kecil kanak-kanak sudah diajar menganyam, mengukir,
mengikat, bertenun, menjahit dan sebagainya. Kerja-kerja
tangan sangatlah diperlukan ketika itu kerana zaman
tersebut ‘masa’ susah dan untuk membeli adalah’ jauh’
sekali. Segalanya terpaksa dibuat sendiri termasuklah
segala persediaan dan keperluan untuk menyambut
sebuah jamuan atau perayaan dihari-hari yang dianggap
istimewa bagi setiap bangsa di Malaysia.
Choong Kam Kow adalah karyawan yang lahir dari zaman
tersebut. Beliau terlatih dengan kemahiran tangan yang
bukan sahaja boleh membuat serta memelihara budaya
tetapi juga mengembangkanya menjadi karya kesenian
yang menarik dan penting dalam masyarakat Malaysia
yang berbilang kaum. Sebagai seorang yang sudah sekian
lama terlibat dalam pembuatan kerja-kerja tangan, dia
mempunyai daya sensitiviti, kemahiran membuat dan
kefahaman yang begitu tinggi terhadap bahan. Kemahiran
itu terbukti apabila beliau banyak menggunakan bahan
dari pulpa kertas dalam siri Festival dan ini adalah berupa
keistimewaan untuk siri-siri tersebut. Bukan sahaja
penggunaan pulpa kertas malahan juga bahan logam
industri lain begitu berjaya dimanipulasi untuk meniru
bentuk tiga dimensi objek-objek simbol dalam perayaan
yang disatukan diatas permukaan karya-karya beliau. Ini
dapat dilihat dalam karya beliau yang bertajuk Festive
Mood 2 (1987).
Peniruan dan eksploitasi bahan campuran ini agak
berbeza dengan pendapat seniman-seniman minimalis
dan konseptual ditahun 60-an, kerana mereka percaya
bahawa penerokaan idea lebih penting dari bahan, dan
bahan itu pula tidak semestinya kekal serta perlu bertahan
lama. Maka secara tidak langsung pemikiran sebegini telah
memperluaskan proses pengkaryaan aliran dan fahaman
tersebut. Tetapi dengan sejarah dan latar belakang yang
mantap dalam siri Festival, Choong Kam Kaw berupaya
menjana bahan-bahan yang diolah sebagai simbol, identiti
Nevertheless, living in a highly developed metropolitan
city forced him to face different and alien socio-cultural
realities. This naturally led Choong to reflect upon himself
and his identity. Colourful geometric motifs on richly
textured and impastoed canvases manifest his constant
restlessness and agony living in a foreign land.
One interesting aspect of this work is that the geometric
forms were made by means of stenciling using printing
roller instead of brush, a tool he had been using
extensively all this while. Since he could use brush
with great ease and complexity, why did he employ the
technique of stencilling? Stencilling is the easiest and the
most basic method of producing prints, while silkscreening
is the most complicated one. In my opinion, this work
is extremely important as it indicates the beginning of
Choong’s practice of using the medium of printmaking in
his art, which falls in line with his tendency towards eclectic
approaches. The seemingly easy technique of stencilling
has come to be widely used for the creation of many of
his artworks. When he first came to New York, geometric
shapes and forms in the surrounding environment really
irritated him. However, he gradually came to appreciate
the beauty in modern design and in the forms symbolising
rapid industrial developments in the U.S. In this regard, we
should take heed of the advice from our ancestors: You will
never fall in love with something until you know it well!
He started experimenting with the technique of stencilling
with more accuracy, meticulousness and complexity. If
stencilling in the Sea Beach Series (1967) was employed
as a way to express the condition of his soul, stencilling in
the Shaped Canvas Series (1968 until 1972) purely served
as a ‘mandatory’ approach to achieve aesthetic goals. That
is why this later series mostly features paintings in the style
of hard-edge abstraction. The configurations must be sharp
and clearly defined, and the colours must be bright and
eye-catching! There is no compromise in these matters.
In hard-edge paintings, colour areas must be sharply
delineated by implied lines that can be accomplished by
means of stencilling, one of the techniques of printmaking.
Choong’s achievement in this is evident particularly in the
works titled Vibration (1970) and Illusion (1969).
137
dan kemahiran kaum di Malaysia diatas satu platfom
besar yang mampu mewarnai pemikiran, kewibawaan dan
merungkai pandangan serta pendapat. Ia bukan sahaja
karya yang membangun lagi menyegarkan tetapi sebagai
wadah untuk kita semua dan wajar untuk dijadikan
renungan bersama.
Dalam masa yang sama, objek-objek yang tertera sebagai
sebuah karya seni itu seolah-olah menganjurkan kita
agar merenung bahawa seni cetak itu bukanlah hanya
di atas kertas dua dimensi sahaja malahan ia juga boleh
dihasilkan dalam bentuk objek tiga dimensi seperti yang
sering diajar oleh nenek moyang kita semasa berada di
dapur sejak dahulu lagi. Perlu difahami bahawa seni cetak
dihasilkan dari sebuah proses pembuatan yang diulangulang dengan bantuan acuan atau blok. Kadangkala juga
ia boleh disebut sebagai matrik. Ini adalah kerana kaedah
seni cetak tradisi sudah memang begitu. Penggunaan
blok atau matrik dalam berkarya itu bertujuan untuk
menghasilkan karya yang serupa serta dapat dicetak
berulang-ulang. Dengan cara yang demikian karya yang
sama dapat dikongsi dan dimiliki oleh ramai orang dan
dibeli dengan harga yang berpatutan. Juga kita perlu
menyedari bahawa setiap karya dari seniman kreatif dan
bijaksana akan berkembang lalu berubah mengikut zaman
seperti yang berlaku dalam seni arca dan seni catan.
Pentakrifan akan berubah mengikut masa apatah lagi
pula bila kita berbicara tentang rupa serta gaya sesebuah
karya. Begitu sering takrif seni cetak itu dilihat dari sudut
teknikal yang begitu sempit dan kaku kerana definasi atau
kategorinya selalu ditentukan oleh golongan peniaga dan
ilmuan yang tidak berpengalaman dan bukan dari kearifan
pemikiran seorang seniman. Maka secara tidak langsung
perkembangan seni cetak itu menjadi mundur, jumud dan
sering terencat kemajuannya kerana ia dilihat dengan
penuh dengan syak wasangka walaupun karya itu penting,
benar dan layak diketengahkan seperti seni catan dan seni
arca.
Ekspedisi ke Endau Rompin pada tahun 1985 yang
merupakan satu kembara menyahut kempen pemuliharaan
hutan tanpa disedari pula telah mendatangkan perasaan
keinsafan, tanggungjawab dan kesedaran terhadap alam
semulajadi. Beliau terjumpa begitu banyak tumbuhan
berupa cendawan atau lingzhi yang hidup liar di atas
tunggul dan batang kayu yang sedang melalui proses
mereput, hancur untuk kembali ke tanah. Choong Kam
Kow merasakan bahawa cendawan itu seolah-olah satu
penjelmaan kembali yang sering diceritakan, dipelajari
dan dihayati dalam pemikiran serta falsafah ajaran-ajaran
138
(Detail) Vibration 1969 Emulsion on canvas 213 x 152 cm
National Visual Arts Collection
(Detail)
Illusion
1969
Emulsion on canvas
122 x 122 cm
Artist Collection
These paintings remind me of hard-edge compositions
produced by several local artists, such as Tang Tuck Kan
and Kok Yew Puah, as well as Lim Eng Hooi whom I
visited in Penang a few years ago. What we can deduce
from this is that an artist’s sojourn in a foreign country can
open him up to an entirely new world full of possibilities
and opportunities - provided he is sensitive and perceptive
enough to draw benefits from these. After this series of
hard-edge paintings, Choong once again applied the
technique of stencilling in several works in the SEATHRU Series. However, in this series, he did not only use
plywood boards but also acrylic sheets. Stenciled in an
assortment of colours, these materials appear to generate
new spaces when combined toether. These works are
presented in the form resembling wall sculptures. Mirrors
and the play of light lend an interactive character to these
pieces. Without the artist realising it, the application of
Buddha. Kesyahduan inilah yang mendorong beliau lalu
memberi satu sumber inspirasi untuk melahirkan karyakarya dari siri Rhythm of Growth IX (1990).
Sekali lagi Choong Kam Kow menggunakan kemahirannya
mengeksploitasi bahan pulpa kertas untuk membentuk
objek-objek yang berupa seperti cendawan tumbuh.
Beliau menggunakan teknik semburan cat akrilik untuk
mewarnai kepingan-kepingan pulpa dalam siri-siri ini.
Warna-warnanya pula adalah sehampir warna semulajadi
tumbuhan cendawan tersebut. Tetapi secara halus juga
beliau menambah penggunaan teknik cetakan dan ukiran
diatas permukaan cendawan-cendawan buatannya itu.
multicoloured stencilled lines in this series served as a
starting point for the construction of motifs and forms in
the subsequent Festival Series that took the packaging
elements of traditional cakes and the kelarai patterns of
traditional weaving as its main reference points.
Dipermukaan cendawan tersebut didapati kesan-kesan
tekan yang biasa digunakan dalam teknik cetakan timbul
dalam siri-siri Perayaan. Kesan timbul atau tekan ini
secara tidak langsung telah melahirkan kesan-kesan
semulajadi yang indah sekali. Apalagi dengan ukuranukuran kepingan cendawan yang agak besar dari segi saiz
asalnya seperti dalam karya “Rhythm of Growth IX” (1990)
karya-karya tersebut begitu memberangsangkan dan
memerangkap pemerhatian kita apabila memandangnya.
Amalan menggunakan teknik sutera saring di atas kanvas
sebenarnya sudah bermula semasa Choong Kam Kow
melahirkan karya-karya dalam siri Festival, terutama di
bahagian penghujung siri-siri tersebut. Dalam karya-karya
yang bertajuk “Imej & Identiti” (1996) dari siri Festival
gambaran-gambaran anyaman seperti ketupat dan kelarai
banyak digunakan dengan menggunakan teknik sutera
saring.
Ia seolah-olah memberi kesan seperti menebar identiti
lokal bila kita menghayati karya tersebut. Warna-warna
dari teknik sutera saring yang digunakan bertindan-tindan
seperti kelarai menerbitkan lapisan-lapisan warna yang
hidup dan begitu menarik sekali. Warna tersebut dicetak
berlapis-lapis serta berulang-ulang sehingga menimbulkan
struktur rupa dan kiasan-kiasan bungkusan kuih-kuih
tradisi itu. Secara tidak langsung warna-warna tersebut
bagai irama indah dalam seni lipatan dan anyaman
tradisi. Dengan sentuhan yang minima bentuk-bentuk
ketupat, kuih chang serta angku ditonjolkan melalui teknik
sapuan berus berwarna gelap yang ringkas dan berkesan
bertujuan untuk memberi gambaran yang agak objektif
kepada tema siri-siri Festival itu.
Begitu juga dengan siri Naga yang dihasilkan oleh Choong
Kam Kow sejak tahun 2000. Siri-siri ini diselimuti oleh
warna-warna yang garang serta dinamik melalui teknik
Stencilling process on plywood
board
Stencilling process on acrylic
sheet - before
Stencilling process on acrylic
sheet - after
In 1977, Choong produced a photo-silkscreen titled
5th Month Festival. It is now in the collection of the
Metropolitan Museum of Art in New York City.
(Detail) 5th Month Festival II 1977 Artist Collection
139
sutera saring dan campuran tulisan tangan yang berlapislapis. Tulisan-tulisan Cina yang diambil dari buku-buku
I-Ching klasik ini digunakan sebagai struktur dan latar
permukaan karya. Secara simbolismanya warna-warna
tersebut memancarkan kiasan-kiasan tenaga luar biasa,
tangkas dan kembara. Ia seolah-olah disuntik nafas
baru oleh warna-warna pada wajah naga-naga tersebut
berbanding dengan warna-warna tradisi melukis naga
dalam lukisan tradisi Cina. Gambar naga dan tulisan-tulisan
Cina yang saling bertindan juga mencipta ruang-ruang
kabur seperti menggambarkan suasana yang terapungapung, melayang dan terbang diawangan tetapi dalam
situasi yang terkawal oleh garisan-garisan lurus yang
dicipta dengan warna-warna yang berbeda nuansanya.
Dipertengahan tahun 2005, Choong Kam Kow telah
dikesan menghidap penyakit barah usus. Beliau mengalami
tanda-tanda awal penyakit barah tersebut semasa berada
di Sri Lanka. Dia bergesa-gesa pulang ke Kuala Lumpur
dan menjalani pembedahan moden disebuah hospital di
Subang Jaya sehinggalah dirawat sembuh sepenuhnya.
Dengan sisa tenaga yang masih ada beliau tetap mahu
terus berkarya. Tetapi pengkaryaannya kali ini adalah yang
cukup luar biasa. Beliau bukan sahaja perlu berkarya dan
‘berhujah’ dengan gambar di atas kanvas, tetapi perlu
mempelajari, mendalami dan merawat diri berterusan
dalam masa yang sama. Dia harus memikirkan bahawa
berkarya dan merawat adalah dua perkara yang sama
penting. Dengan itu beliau telah memilih kaedah Taiji
dan Qigong sebagai senaman yang memulihkan serta
mengembalikan tenaga supaya terus sihat dan terpelihara
untuk berkarya.
Dalam siri Kung Fu, Choong Kam Kow hidup serentak
merawat diri dan meneroka kreativiti seninya. Pergerakanpergerakan figura dalam Taiji dan Qigong telah dijadikan
sebagai satu tema baru dan perkara pokok dalam catancatan mutahirnya. Amalan senaman serta praktik dalam
seni Kung Fu adalah satu pengalaman yang benar-benar
dialaminya saban minggu dan ditafsir serta diterjemahkan
dalam karya dari siri-siri tersebut.
Sekali lagi Choong Kam Kow menggunakan persembahan
yang agak sama seperti dalam siri Naga. Beliau
menggunakan teknik cetakan sutera saring sebagai latar
belakang. Teks yang berupa cara, peraturan dan amalan
dalam Taiji dan Qigong dicetak bertindan–tindan dengan
warna-warna monokromatik dan adakalanya teks tersebut
ditulis dengan tangan di atas cetakan sutera saring. Ini
membuat latar belakang itu tidak nampak begitu terlalu
140
This work features an image of one of his children and a
motif of kuih chang against the background of Chinese
characters. A seminal print work in the Festival Series, it
reveals the artist’s search for cultural similarities between
different ethnic groups in Malaysia. The first piece to be
created in the remarkably interesting Festival Series, it
does not only express the artist’s personal concern but
also conveys a profoundly positive and constructive idea.
This print work does not include any elements of mixed
media. However, when Choong wanted to expand this
Festival Series, he of course turned to his ‘signature
formula’, i.e. applying mixed media and techniques. He
was very sure and confident that by applying this formula
he would reach a more exciting and convincing new
direction in his art-making.
We need to realise that the situation of children’s early
education in the period before and after Independence
was very much different from that in our present time,
especially in view of today’s advancement in technology
and communications. In general, pre-Independence
generations were mostly trained in handicraft making and
handmade art. Since young, they were taught the art of
weaving, carving, basketry, sewing, and so on. Learning
skills in handicraft was crucial because during the period
most people lived in poverty and could not afford basic
needs. They had to make everything by themselves,
including preparations to celebrate all kinds of festivals
and events considered special for each ethnic group in
Malaysia.
Arranging objects made from paper
pulp on an artwork.
Menyusun objek yang dibuat
daripada kertas pulpa pada pada
karya.
Burning the end part of a replica
of pulut panggang before
incorporating it into one of his
works.
Membakar hujung replika pulut
panggang sebelum dipasang
pada karya.
keras dan kaku. Selain itu warna-warna monokromatik
tersebut nampak samar dan tidak ketara membuatkan
karya ini bersepadu antara subjek dan latar belakang.
Warna-warna seperti dianyam dalam lipatan-lipatan tikar
mengkuang atau kelarai yang mana gambaran ini bukan
lagi asing kepadanya.
Jika diteliti dalam keseluruhan pengkaryaan Choong Kam
Kow, beliau seorang yang berjaya meletakkan susunan
dan pilihan yang tepat terhadap segala kaedah dan teknik
yang diperlukannya untuk berkarya. Walaupun bahan yang
digunakan amatlah berbeza daripada asal-usulnya tetapi
kemahiran mengadun dan menyatupadukan media adalah
cukup istimewa.
Keupayaan dan keahlian itu begitu menarik sekali, kerana
dengan kepakaran yang tinggi dia boleh merentas satu
perjalanan berkarya dan membentuk fahaman serta gaya
yang menuju ke puncak baru. Perjalanan-perjalanan ini
adalah sebuah pengembaraan dan ia melalui prosesproses minda yang terbuka lagi bijaksana dari penitian
paparan pengalaman yang luas terbentang. Ini proses
penuh berisi ilmu dan padat dengan harta-harta spiritual
yang dikumpul setelah sekian lama. Proses yang
pelbagai dalam berkarya serta penggunaan tegar bahan
dan media campuran merupakan satu mercu dalam
karya-karya beliau. Ternyata Choong Kam Kow percaya
bahawa penggunaan media pelbagai yang luas serta
kehalusan proses menentukan tunggak rupa serta nilai
tinggi sesebuah karya yang dihasilkannya. Dia melihat
kaedah serta teknik seni cetak sebagai seorang seniman
yang berilmu dan berpengalaman, mampu mengekploitasi
teknik serta proses secara serius, tepat dan bermanfaat.
Bukan sahaja untuk dirinya malahan untuk perkembangan
pensejarahan Seni lukis Malaysia amnya.
Choong Kam Kow is an artist who was born during the
era. Well-trained in handicraft, he is equipped with the
skills that can be used not only to preserve local culture
but also to create attractive works of art important to
our multiracial Malaysian nation. After so many years of
exposure to craft-making, he has attained a high level of
creative skills, and a high degree of sensitivity towards and
insight into materials. This can be observed particularly
in his skilful use of paper pulp and industrial metals in the
Festival series to fabricate three-dimensional models of
objects and artefacts related to traditional festivals, which
he then arranged on the surface of his works. Festive
Mood 2 (1987) presents a good example of his creative
manipulation and treatment of materials.
(Detail) Festive Mood 87-2 1987 Mixed media 148 x 118 cm
Artist Collection
Juhari Said, Akal Diulu
Jun 2014.
(Detail) Festival III 1980 Emboss & paper cast 58 x 78 cm
Artist Collection
141
His idea of employing mixed media clashed somewhat
with the notion of art-making espoused by minimalist and
conceptual artists of the 60’s with their greater emphasis
on the exploration of ideas rather than of materials.
Moreover, they believed that materials used in art do not
necessarily have to be permanent and long lasting. By
upholding such a belief, these artists had widened the
scope and depth of their artistic practice. However, in
the Festival series, with its deep reference to historical
and cultural contexts, Choong managed to produce
objects representing the symbols, identities and skills of
the various races in Malaysia, and incorporate them into
large artworks able to manifest the thought, integrity and
worldview of the peoples. This series is overwhelmingly
uplifting and inspiring, and we also can use it as a
springboard for contemplating ourselves.
Three pictures showing the use of ceramics and industrial metals as
mixed media materials for the making of works in the Festival Series.
Tiga foto yang menggambarkan kegunaan seramik dan logam industri
sebagai media campuran dalam pembuatan karya Siri Festival
At the same time, objects created here as works of art
appear to provoke us into thinking that printmaking could
be made not only on two-dimensional items like paper but
also on three-dimensional things, as our ancestors have
often demonstrated to us through their food creation in the
kitchen. We need to understand that printmaking is the
process of duplicating an object using blocks or moulds,
sometimes referred to as matrices. This is the conventional
notion of printmaking. The use of blocks or matrices is
meant to create repeated duplicates of an artwork. By
doing that, the same work can be sold at affordable prices
to many people. We also need to realise that every form of
art always changes with the progress of time, as commonly
happen to the genres of sculpture and painting. As a result,
artistic terms and definitions, particularly those related to
the styles and forms of art, must also evolve accordingly.
Nevertheless, we often see that printmaking is always
defined in a narrow and limited sense, and frequently in
relation only to its technical aspect. This happens because
its definition is strictly determined by art dealers and
scholars who lack knowledge in this field, and not by artists
who have vast experience in this area. This indirectly
hampers the progress of printmaking. Furthermore, it is
often viewed with suspicion and distaste by many even
though some print works are of excellent quality and thus
should be highlighted like some paintings and sculptures.
Choong’s participation in an expedition to Endau Rompin
in 1985 was in response to an environmental conservation
campaign. The experience he gained from this expedition
made him more conscious of his responsibility towards
Nature. He discovered numerous fungi, or lingzhi, living
on dead wood trunks in the process of decaying. He felt
142
that these fungi reflected the concept of reincarnation as
outlined in the philosophy and teachings of Buddhism. This
new awareness of Nature became a source of inspiration
for him to produce the works in the Rhythm of Growth IX
Series (1990).
Once again Choong applied his expertise in exploiting
paper pulp to compose objects in the shape of fungi. He
used spraying gun to spray acrylic colours on handmade
paper compositions. The colours look fairly similar to the
natural colours of fungi. He then subtly added printed
and carved elements on the surface of these fungus-like
objects.
(Detail) Rhythm Of Growth IX 1990, a fungus-like composition made
from paper pulp which largely employs the techniques of carving and
pressing.
Komposisi berbentuk cendawan buatan kertas pulpa yang dibuat secara
ukiran dan tekanan.
In addition, the surface of these fungi reveals the effects
of pressing like those made using the technique of relief
printing in the Festival series. These low relief or pressing
textures produce beautiful visual effects. With their
dimensions slightly larger than the size of actual fungi,
the fungus-like compositions in the Rhythm of Growth IX
Series (1990) appear so attractive that they immediately
grab our attention when we look at them.
Choong has been using silkscreen printing technique on
canvas since the Festival Series, especially in the works
he created towards the end of this series. In the work titled
Imej & Identiti (1996) from the Festival series, the patterns
resembling ketupat and kelarai were composed mainly
using silkscreen technique.
(Detail) Floating Lotus 1997, also made from paper pulp and uses
acrylic paint and casting technique.
Juga dibuat dari kertas pulpa dari teknik kastaneda serta dicat akrilik.
This work seems to present a discourse concerning local
identity. Overlapping colours printed using silkscreen
technique form dynamic and appealing patterns akin to
kelarai. These colours are printed repeatedly and in a
layered fashion until they develop into shapes and images
suggestive of the packaging of local traditional cakes.
They also evoke the beautiful rhythms and patterns of the
traditional weaving art. Rendered in a minimal manner with
brief brushstrokes and in dark colours, forms of ketupat,
kuih chang and angku aptly capture the theme underlying
this Festival series.
Similarly with the Dragon Series that Choong has been
producing since 2000. Works in this series are done
in bright and vibrant colours applied using silkscreen
technique. They also feature multiple layers of handwriting.
Chinese phrases culled from the classical text of I-Ching
function as structural and background elements of these
works. The range of colours applied here is meant
to symbolise dynamic force as well as the notion of
143
journeying. This series presents something new, whereby
the colours used to paint the dragons’ faces are immensely
different from those typically found in traditional Chinese
paintings of dragons. Furthermore, the interweaving
of the dragon images and Chinese characters entails
ambiguous spaces, thus conveying a sense of floating in
air. However, the whole ambiance in these paintings is
superbly controlled by a network of straight lines in colours
of different nuances.
(Detail) Image and Identity III 1996 Acrylic with mixed technique on
canvas 96 x 135 cm Artist Collection
(Detail) Image and Identity IV 1996 Acrylic with mixed
technique on canvas 107 x 137 cm Artist Collection
In the middle of 2005, Choong was diagnosed with colon
cancer. After detecting early symptoms of the cancer when
he was in Sri Lanka, he immediately returned to Kuala
Lumpur. He had an operation in a hospital in Subang Jaya,
and underwent a period of treatment until he was fully
recovered. Despite his illness and weak physical condition,
he was still determined to continue producing art. His
works during this period are exceptionally remarkable
and truly fantastic. He has to not only create art and deal
with images on his canvas, but also, at the same time,
learn how to improve his health. He saw that making art
and healing his body were equally important. He then
decided to take up Taiji and Qigong exercises to restore
his physical well-being so that he could continue his artistic
pursuits.
The Kung Fu series underscores Choong’s attempt at
healing himself and expanding his creativity. Postures and
movements of Taiji and Qigong have now been adopted as
a new theme and key elements in his latest compositions.
He translated his experience with Kung Fu, which he
practiced diligently on a weekly basis, into interesting
works of art.
(Detail) Layer of Dargon Tradition 7 2007 Acrylic on canvas
152 x 122 cm Artist Collection
(Detail) Cruising Dragons 2012 Acrylic on canvas
107 x 122 cm Artist Collection
144
Once again Choong adopted the approach rather similar
to the one he applied in the Dragon Series. He used
silkscreen printing technique to create the background.
Texts derived from Taiji and Qigong manuals were printed
in an overlapping manner and in monochromatic colours.
Some texts were manually written on top of the printed
ones. By doing that, the background looks more fluid and
less stiff. Moreover, due to the vague rendering of the
monochromatic colours, the images and subjects seem to
blend seamlessly with the background. Swathes of colour
were delicately interwoven to form patterns resembling
kelarai like those on mengkuang mats, which the artist
knows very well.
By analysing the whole body of Choong’s work we come to
realise that he is an artist who has managed to choose and
apply proper techniques and methods in making his art.
Although the materials he uses are normally taken out of
their original contexts, the artist has shown a high level of
skill in incorporating and integrating them into his artworks.
(Detail) Fit for Life 6 (Taiji Series no 3) 2008 Acrylic on canvas
122 x 152 cm Artist Collection
(Detail) Fit for Life 16 (Taiji Series no 13) 2010 Acrylic on canvas
152 x 122 cm Artist Collection
Interestingly, due to his outstanding expertise and talent
he has managed to embark on a series of unique artistic
journeys, and to arrive at new insights into art which allow
him to reach a new height of stylistic accomplishment. He
approaches these journeys and the experiences he has
gained through them with an open and critical thinking
process. Surely, this process is founded on his large
corpus of knowledge and reservoir of spiritual strength
that he has attained over the years. His constant use of
diverse artistic methods, media and materials stands as
a landmark, a high point, in his artistic career. Choong
believes that the use of a broad range of media and the
application of highly polished art-making techniques and
processes are two factors that can crucially affect the
overall quality of both the appearance and content of
an artwork. As a vastly knowledgeable and experienced
artist, he has the capability to exploit various techniques
and processes in a serious, thorough and constructive
manner. This is important not only for him but also for the
development of Malaysian Art in general.
Juhari Said, Akal Diulu
June 2014.
(Detail) Fit for Life 19 (Taiji Series no 16) 2010
Acrylic on canvas 94 x 74 cm Artist Collection
145