Kasimir
Gerhard
Larry
Malevich
Richter
Poons
LA CONTEMPORANEIDAD COMPARTIDA
P la nte a m ie nto s Fo r m a le s Y D e Co nte n id o E n Tre s Traye cto r ia s P ro m in e nte s
Kasimir Malevich
_ en resumen
Nació cerca de Kiev en Ucrania .
23 de febrero, 1879
Murió en Leningrado, Rusia.
15 de mayo, 1935
(56)
Trayectoria del artista
1890 – 1935
(45)
Su carrera coincide con la Revolución Bolchevique de 1917 y
con su desenlace social y cultural.
Su mayor contribución en la evolución del arte moderno
consiste en establecer que las formas geométricas básicas,
abstractas por definición, pueden ser constituyentes
independientes y significativamente válidas en la
composición pictórica.
Kasimir Malevich
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_ en resumen
Comienza desde los doce años y por cuenta propia su interés en el dibujo.
Se educó en las técnicas impresionistas y post-impresionistas. Influencias del
simbolismo y el art noveau también son significativas en sus primeras obras.
Se familiarizó con artistas como Kandisky, Burlyuk y Larionov. Participó de la
exhibición colectiva titulada “Jack of Diamonds” y junto con el grupo llamado
“Donkey’s Tail” enfocó su atención en las filosofías Primitivistas, Cubistas y
Futuristas.
Aunque el tema recurrente en sus obras en este período se basaba en escenas de
la vida campesina e incluía influencia de Cézanne y los Fauvistas sus trabajos
tenían una interpretación independiente: las figuras en sus trabajos de arte
estaban construidas por formas cónicas y cilíndricas saturadas de colores
primarios. Malevich adoptó este sistema de composición de la tradición de pintura
icónica Bizantina y Rusa.
Con la combinación de elementos esenciales del cubismo sintético y el futurismo
italiano trabajó un estilo que tuvo como resultado una dinámica deconstrucción
geométrica de figuras en el espacio. Llegando eventualmente al Suprematismo.
Kasimir Malevich
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_ ideas clave
Para el año 1915 abandona el elemento figurativo en su pintura hacia la
exploración de formas geométricas puras (cuadrados, triángulos y círculos) y su
relación entre ellos dentro del espacio pictórico libre de cualquier referencia
iconográfica.
Llamando al nuevo arte Suprematismo reclamaba literalmente un esfuerzo
supremo que se eleva por encima del significado tradicional y la compresión
racional de las formas pictóricas.
Su filosofía estaba puramente interesada en las emociones y no en un
razonamiento lógico.
La base conceptual de su teoría aparece en su publicación titulada “Del Cubismo y
Futurismo hacia el Suprematismo”. La distribución pública del texto coincidió con
la exhibición, por primera vez, de el ahora famoso e icónico “Cuadrado Negro”
(1915).
Kasimir Malevich
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_ ideas clave
Luego realizó las obras “Círculo Negro” y “Cruz Negra”. Malevich describía estas
pinturas como “íconos nuevos” o imágenes sagradas para la estética nueva del
arte abstracto. La serie negra fue seguida por pinturas de “Blanco sobre Blanco”
con las cuales exploraba la relación entre formas puras hacia espacios despejados,
sin el contraste extremo del blanco y el negro.
Revolución Bolchevique: Inicialmente se integró y promovió su filosofía en el
proceso revolucionario.
Durante este período se desempeñó como académico y director en varios centros
de eseñanza. Logró exportar sus ideas hacia occidente (Polonia y Alemania).
Para los años treinta el panorama político no le favoreció y le fue negada su
participación tanto en la enseñanza como en exhibiciones. Siendo considerado su
arte como degenerado y anti-soviet.
Kasimir Malevich
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_ citas
“Para el suprematista el fenómeno visual del mundo objetivo no tiene, en sí
mismo, importancia; lo importante es el sentimiento, tanto que se distancia del
entorno al cual pertenece.”
“El Naturalismo académico, el naturalismo de los Impresionistas, el cezaneismo, el
cubismo etc., todo esto de alguna manera son nada más que métodos dialécticos
los cuales, como tal, de ninguna manera determinan la importancia genuina de
una obra de arte.”
“El Suprematismo es el redescubrimiento del arte puro, el cual con el transcurso
de el tiempo, se ha obscurecido por la acumulación de cosas.”
“El cuadrado negro sobre el campo blanco fue la primera forma por la que la
emoción no figurativa fue expresada. El cuadrado igual a la emoción, el campo
blanco igual al vacio más allá de la emoción.”
Kasimir Malevich
_ obras
Title: The Reaper
Description: In The Reaper Malevich explored the human
figure through a pictorial vocabulary reminiscent of Fernand
Léger. The body and the dress of the peasant are rendered
in conical and cylindrical forms adopted by Malevich from
the Cubist school. The vibrant palette of the painting is
unabashedly Futuristic, indicating Malevich's exposure to
the dominating artistic styles of his time. The peasant theme
is reinterpreted from the traditional folk motif, known as
Lubok, which was in vogue with the Russian avant-garde
milieu. While still clearly figurative, this composition
anticipates the move toward abstraction by the employment
of abbreviated and stylized forms.
Year: 1912-1913
Materials: Oil on canvas
Collection: The Fine Arts Museum, Nizhnij Novgorod, Russia.
Kasimir Malevich
_ obras
Title: Woman With Pails: Dynamic Arrangement
Description: In this composition Malevich moved decisively
toward abstraction by dissecting the figure and picture
plane into a variety of interlocking geometric shapes. The
figure is still identifiable, as are the pails that she carries;
Malevich has not yet abandoned representation entirely.
The general palette is comprised of cool colors dominated
by blues and grays, though the accents of red, yellow, and
ochre add to the visual dynamic of the composition. The few
identifiably figurative elements, such as the figure's hand,
seem to be lost inside the whirlpool of completely
abstracted forms that structure the canvas.
Year:1912-1913
Materials: Oil on canvas
Collection: The Museum of Modern Art, New York
Kasimir Malevich
_ obras
Title: Black Square
Descrition: The iconic Black Square was shown by Malevich
in the 0.10 exhibition in Petrograd in 1915. This piece
epitomized the theoretical principles of Suprematism
developed by Malevich in From Cubism and Futurism to
Suprematism: The New Realism in Painting. The purely
abstract shape of the square is the single pictorial element
in the composition. According to Malevich, the perception of
such forms should always be free of logic and reason, for the
absolute truth can only be realized through pure feeling.
Black Square was to become the new holy image for nonrepresentational art. Even at the exhibition it was hung in
the corner where an Orthodox icon would be traditionally
placed.
Year: 1915
Materials: Oil on canvas
Collection: The Russian Museum, Saint Petersburg, Russia.
Kasimir Malevich
_ obras
Title: Airplane Flying
Description: In Airplane Flying Malevich further explored
the pictorial potential of pure abstraction. The rectangular
and cubic shapes are arranged in a solid, archtectonic
composition. The yellow contrasts starkly with the black,
while the red and blue lines add dynamic visual accents to
the canvas. The whiteness of the background remains
unobtrusive to the interplay of shapes. Malevich believed
that emotional engagement is required from the viewer in
order to appreciate the composition, which constituted one
of the key principles of his theory of Suprematism.
Year: 1915
Materials: Oil on Canvas
Collection: The Museum of Modern Art, New York.
Kasimir Malevich
_ obras
Title: White on White
Description: In the White on White series, Malevich took his
experiments with abstraction to a previously unexplored
level. By minimizing coloristic effects, the artist put
additional emphasis on abstract geometric formation and
compositional structure. The slight change in tonality,
however, distinguishes the abstract shape from the
background of the canvas, and encourages close viewing.
Once again, the artist is striving to portray the absolute by
eliminating any unnecessary details that may hinder true
feeling.
Year: 1918,
Materials: Oil on canvas
Collection: The Museum of Modern Art, New York.
Kasimir Malevich
_ obras
Title: Complex Presentiment: Half-Figure in a Yellow Shirt
Description: In the late years of his life Malevich returned to
exploring motifs prominent in his early work. This late
painting could be compared to The Reaper (c.1912). The
earlier example was obviously based on borrowed pictorial
techniques (Fernand Léger, Pablo Picasso). In the later
example, however, it is clear that Malevich has arrived at his
own unique style. The primary colors are luminously
juxtaposed and are reminiscent of Suprematist rectangles
and cubes floating on the canvas surface. The figure is
constructed from cylindrical shapes, abstracted and
abbreviated, yet clearly indicating body parts. By returning
to an old subject at a time of oppression from the Soviet
state, Malevich seems to be nostalgic for an earlier time
when his career was on the rise.
Year: 1928-1932
Materials: Oil on canvas
Collection: The Russian Museum, Saint-Petersburg, Russia.
Gerhard Richter
_ en resumen
Nació cerca de Dresde, Alemania .
9 de febrero, 1932
Vive al presente Colonia, Alemania
15 de febrero, 2012
(80)
Trayectoria del artista
1951 – 2012
(61)
Nació durante la época de dominio del Partido
Nacionalsocialista Obrero Alemán. Vivió el desenlace de la
Segunda Guerra Mundial y la división de Alemania entre este
y oeste .
Ha producido simultáneamente pinturas abstractas y
fotorealistas como también fotografía y piezas en cristal
erosionando así el concepto del artista obligado a mantener
un estilo individual coherente.
Gerhard Richter
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_ en resumen
Es un pintor alemán que en su inicio se entrenó en un estilo realista y
posteriormente desarrolló interés por los trabajos más progresivos de sus pares
contemporáneos americanos y europeos.
En su pintura ha explorado continuamente como las imágenes que aparentan
capturar la verdad a menudo prueban , en una mirada amplia , que son mucho
menos objetivas o con un significado inseguro, que como originalmente se asumió.
El otro tema común en su trabajo es el de la casualidad o lo espontáneo y su juego
entre lo realista y lo abstracto.
Su trabajo se ha desarrollado paralelo a las últimas tendencias en el arte del siglo
XX tales como el Expresionismo abstracto, ArtePop, Minimalismo, Conceptualismo
pero sin abrazar a ninguna de ellas. Absorbiendo muchas de sus ideas mientras se
mantiene exéptico a cualquier postura artística y filosófica.
Gerhard Richter
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_ ideas claves
Richter ha conservado una fascinación sobre el poder de las imágenes y sobre la
larga y recelosa relación entre la pintura y la fotografía: mientras cada medio
reclama reflejar o expresar fielmente la realidad, en última instancia cada uno sólo
pueden sugerir una visión parcial o incompleta de un tema.
Richter toma prestada la imaginería de su pintura de los periódicos o hasta de su
propio albúm familiar. A menudo comienza por mecánicamente proyectar una de
esas imágenes al lienzo, con esta técnica nos hace pensar acerca de como las
imágenes frecuentemente parecen tener vida propia. Este acto de comprensión
visual, en donde la fotografía, la proyección y la pintura se fusionan para
completar una obra de arte, sugiere que toda visión es un tipo de conversión entre
lo “real” hacia lo “imaginario”.
Richter frecuentemente nubla sus temas y adopta en su proceso de pintar la
casualidad. Con el propósito para demostrar la imposibilidad de cualquier artista
para transmitir la verdad completa de un tema en su condición original. Tales
recursos dan a entender entonces que algo esencial para el modelo se ha “perdido
en la traducción” guiando a menudo al espectador hacia la naturaleza del intenso
pigmento aceitoso, por lo tanto demostrando ambas expresiones, las fortalezas y
las deficiencias.
Gerhard Richter
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_ ideas claves
En las pinturas totalmente abstractas de Richter, están ausentes cualquier rastro
autobiográfico así como también sus emociones personales. En su pintura las numerosas
capas, trazos y raspes de color llegan a considerarse tan “bellas”, como cualquier cosa
encontrada en la naturaleza que existe conforme a una estructura predeterminada, (como lo
es el DNA), así también por la via de momentos impredecibles de pura casualidad y por la
acción de fuerzas externas.
En un momento donde la “muerte de la pintura” era la proclama en ascenso entre una nueva
generación más interesada en el potencial del arte conceptual que en dominar longevas
tradiciones artesanales. Richter demostró que el medio de la pintura todavía puede
vigorosamente cuestionar toda imagen por su verdadero potencial, sin importar que su
origen sea en los medios noticiosos, el cinema, el Internet, el omnipresente dominio de la
publicidad comercial o inclusive del albúm fotográfico familiar.
También le ha dado nuevo vigor a la idea de que desear “belleza” en un trabajo propio es una
ambición perfectamente aceptable. Particularmente en el tiempo donde muchos de su
generación presumen que cualquier deseo por placer estético es algo de que avergonzarse o
ciertamente aplicado solo en la distancia y presumiblemente a gente menos sofisticada en la
historia.
Gerhard Richter
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_ citas
“La fotografía alteró la manera de ver y pensar. Las fotografías fueron consideradas
como reales mientras que las pinturas como artificiales. La imagen pintada ya no
era creíble; su representación congelada a la inmobilidad, por que ya no era
auténtica sino inventada”.
“Lo que intento hacer en cada una de las imagénes no es otra cosa más que… unir
de una manera viva y viable, los elementos más contradictorios y diferentes con la
mayor libertad posible.”
“Deseo dejar todas las cosas como son. Por consiguiente yo ni planifico ni invento;
Yo no añado nada ni omito nada. De igual manera sé que inevitablemente
planificaré, inventaré, haré y manipularé. Pero eso no lo sé”.
“Todavía estoy muy convencido que la pintura es una de la más básicas
capacidades humanas, igual que bailar y cantar”.
Gerhard Richter
_ obras
Title: Mund(Mouth)(Brigitte Bardot's Lips)
Description: Mund is one of Richter's first paintings
completed from a photograph. The painting is
sexually suggestive, depicting Brigitte Bardot's open
mouth adorned with red lipstick. Blurred flesh tones
hint at Richter's painting process, beginning with a
realist rendering and incorporating rollers,
squeegees, and dry brush techniques to mask the
surface. The work suggests the artist viewing reality
from a detached perspective, as he resists any
moment of clear focus on the overall image.
Year: 1963
Materials: Oil on canvas
Collection: Private collection
Gerhard Richter
_ obras
Title: Farbschlieren (Colour Streaks)
Description: In this example of one of his early grey
paintings, Richter allows structure and color to
compose the "picture." The painting is void of
figuration and recognizable imagery, revealing
Richter's indifference toward any "model" as serving
as his subject matter. Richter employs thick
brushstrokes and monochromatic color, thus
sweeping across the canvas in a fluid, entirely fused
motion. This powerful gesture suggests a
consideration of how abstract forms may well serve
as a painter's subject just as effectively, for their
visual or optical interest, as any photographic or
"realistic" scene derived from nature, or the
"everyday world" around us.
Year: 1968
Materials: Oil on canvas
Gerhard Richter
_ obras
Title: 1024 Farben(1024 Colours)
Description: Richter employs a systematic approach
to the canvas in his color-chart-based painting 1024
Farben (1024 Colours). Superficially reminiscent of
the neo-Dadaist, 1950s "Hard Edge" abstraction of
Ellsworth Kelly, Richter chooses here to
systematically paint squares of colors based on the
predetermined structure of the color wheel. The only
intervention of the artist in an otherwise mechanical
process seems to be his control of the scale of the
canvas itself, the artist's having arranged the color
combinations via reference to an apparently logical,
Predetermined schema.
Year: 1973
Materials: Enamel on canvas
Collection: Daros Collection, Zurich, Switzerland
Gerhard Richter
_ obras
Title: Abstraktes Bild(Abstract Painting)
Description: In 1976, Richter first employed the term
"Abstract Painting" as a formal title for many of his
works, such as this example. Cool tones of purple
and blue create a hazy, shallow atmospheric
perspective. The composition is structured with
geometric shapes and lines that might at first appear
as fractured icebergs emerging from the painted
surface, only to settle down, as it were, into pure
abstraction. Richter did not want to offer a definitive
explanation for his abstract work, stating only that he
was "letting a thing come, rather than creating it.“
Standing in relation to such work, a viewer begins to
question whether what he/she perceives is fact or
fiction, the real or the artificial, as though slowly
being trained in a new school of visual philosophy.
Year: 1976
Materials: Oil on canvas
Collection:
Gerhard Richter
_ obras
Title: Clouds
Description: Clouds is an example of how Richter
frequently alternates between realist and abstract
styles in various series of work, as well as on a single
canvas. In this instance, even the title bears an
ambiguous relation to the entire composition. In the
lower region of the canvas, for instance, Richter
suggests that the viewer is having a perceptual
experience of looking through a window;
nevertheless, the bold tracks, scrapes, smudges, and
layerings of paint above playfully cancel that optical
illusion. Thus Richter is frequently fascinated by how
a viewer's desire to extract "meaning" from a given
work of art often proves utterly futile. He suggests
that we might instead relish a simple experience of
visual pleasure, or the discovery of "beauty" by way
of studying abstract forms for their own sake.
Year: 1982
Materials: Oil on canvas (two panels)
Collection: Museum of Modern Art
Gerhard Richter
_ obras
Title: Erschossener 1 (Man Shot Down 1)
Description: For most of his career, Richter avoided
political motifs in his work. A notable exception is the
series October 18, 1977, in which he depicts radical
Baader-Meinhof terrorists who inexplicably died in
jail (it remains unclear to this day whether these
young radicals committed suicide or were murdered
by the police). In Erschossener 1 (Man Shot Down 1),
Richter has used a photographic reference to create
a blurred, monochromatic painting of a dead inmate.
The morbid scene might be said to exemplify the
vanity behind the terrorists' actions; at the same
time, the persistent obscurity of the image replicates
the eternal mystery behind the inmates' deaths, as
well as the impossibility of securely capturing truth
in any one canvas.
Year: 1988
Materials: Oil on canvas
Collection: The Museum of Modern Art
Gerhard Richter
_ obras
Title: Moritz (2000)
Description: Ostensibly a painting of his young son,
Mortiz exemplifies Richter's affinity for striking a
tense balance between abstraction and figuration.
This painting is a hybrid, seemingly fluctuating
between two contrasting, unfinished areas, one
section realistically rendered (in part harking back to
Richter's Social Realist education), the other fading
off into ethereal "white noise." Mortiz is reminiscent
of Andy Warhol's combination of appropriated
imagery and painted silkscreen techniques; a hazy
glow seemingly emanates from the young boy, thus
providing a powerful contrast to the material reality
of the painted surface.
Year: 2000
Materials: Oil on canvas
Collection: De Pont Museum voor hedendaagse
kunst, Tilburg, The Netherlands
Gerhard Richter
_ obras
Title: Abstraktes Bild (Abstract Picture)
Description: In a series of completely abstract works
of the early 1990s, Richter challenges the eye of the
viewer to detect anything in the field of vision other
than the pure elements of his art: color, gesture, the
layering of pasty materials, and the artist's
impersonal raking of these concoctions in various
ways that allow chance combinations to emerge
from the surface. Richter suggests only a shallow
space akin to that of a mirror. The viewer is finally
coaxed to set aside all searches for "content" that
might originate from outside these narrow
parameters and find satisfaction in the object's
beauty in and of itself, as though one were relishing
a fine textile. One thus appreciates the numerous
colors and transitions that occur in this painting,
many having been created outside the complete
control of the artist much as nature often creates
wondrous optical pleasures partly by design, and
partly by accident.
Year: 1994
Materials: Oil on canvas
Collection: Tate, London and National Galleries of
Scotland, Edinburgh
Larry Poons
_ en resumen
Nació en Tokio, Japón.
1 de octubre, 1937
Vive en Nueva York, E.U.
20 de febrero, 2012
(75)
Trayectoria del artista
1959 – 2012
(53)
Adquirió prestigio en los años 1960 con
pinturas de círculos y óvalos sobre fondos
sólidos y frecuentemente de colores brillantes.
Estas pinturas transmiten una sensación de
movimiento y fueron catalogadas como Arte
Optico.
Larry Poons
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_ en resumen
Pintor estadounidense, se interesa primero por la música. Luego estudia pintura
en la Boston Museum School
Tuvo su primera exposición individual en 1963 a la edad de 26 años en la “Green
Gallery” de Richard Bellamy en Nueva York. En este período se le asocia a la
escuela de “Color field painting”
Sus pinturas de puntos geométricos fueron reconocidas por el MoMA en 1965 en
su exhibición de Arte Op, “The Responsive eye”. Aquí se le ubica por un breve
período.
En el 1967 exhibió en la galería Leo Castelli junto a Dan Flavin, Andy Warhol y Roy
Lichtenstein.
A finales de los años sesenta, pierde interés en los puntos. Cambió los aspectos
ópticos y científicos de su trabajo por una dirección más poética. El color, más
áustero y diluído, le hace ganar en profundidad y en efectos atmósfericos, lo que
afirma su interés por la experiencia visual del color.
Se le considera famoso por haber sido famoso joven. Actualmente enseña en Art
Students League, Nueva York.
Larry Poons
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_ ideas claves
La obra de Poons es una pendiente de revisión. Condenado al olvido por un sector
de la crítica que desde muy joven le había encumbrado, Poons ha avanzado en
solitario, silenciosamente, durante tres décadas. Su obra es, ante todo, una pintura
contundente, de extraordinario impacto visual, acentuada por el gigantesco
formato de algunas de las obras.
Se le ubica por un breve periodo en el Arte Op, en razón de los efectos ópticos
producidos por sus obras: pequeños puntos circulares y ovoidales, repartidos
sobre toda la superficie de una tela, a menudo monocroma, de acuerdo a un
orden difícil de adivinar y que destacan violentamente sobre el fondo, mientras
parecen agitarse, dejando una imagen persistente en la retina.
Luego abandona estos violentos contrastes así como la nítidez de los contornos, y
sus puntos se agrandan o bien se vuelven más vagos- como paramecios vistos en
un microscopio- interesándose por los efectos atmosféricos de un color más
resbaladizo y diluído.
Larry Poons
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_ ideas claves
Actualmente presenta en sus obras más recientes una amalgama de color, ya sea
en capas planas, drippings o rotundos empastes. También incorpora elementos
ajenos a la pintura creando líneas y grafismos de gesto enérgico.
Proyecta la pintura sobre el lienzo vertical para controlar sus deslizamientos y
acumulaciones, pegando sobre el soporte materiales diversos que multiplican los
accidentes superficiales: así el color que cae produce, paradójicamente, superficies
en suspenso.
Larry Poons
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_ citas
“La pintura es color, y el color es luz… la luz manipula al pintor”.
Larry Poons
_ obras
Title: Untitled #1
Description: 40 x 40 inches
Signed, dated, and inscribed verso:
"Larry Poons / December 1960 / #1
Year: 1960
Materials: Oil on canvas
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: Sunnyside Switch
Description: Larry Poons painted the
deceptively ingenious and visually afferent Sunnyside
Switch in 1963. By introducing an illusion of
movement, Poons reconsiders the tradition of
colorfield painting, one of the dominant styles in
American art since the mid 1940s. Thus, Poons’ work
is an early example of “Op Art.”
Sunnyside Switch is a clear example of a
work that uses both color and patterns to play with
human perception and produce the illusion of
movement within a painting.
Year: 1963
Materials:
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: Orange Crush
Description: The painting is spotted all over for
impact. In Op Art paintings, artists often put colors
next to each other in order to make the eyes of the
viewer jump around, from one color to the next. It
made the painting look like it was vibrating. Op Art
artists invented all sorts of tricks for the eye...wavy
lines, cris cross patterns, bright colors. Their goal was
to make a design that felt like it was moving and
shifting all the time.
Year: 1963
Materials:
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: English fields
Description: Size 110.4 x 87 in. / 280.5 x 221 cm
Sale Of
Sotheby's New York: Wednesday, May 9, 1990
[Lot 201]
CONTEMPORARY ART, PART II
Estimate
150,000 - 200,000 USD
Year: 1968
Materials: Acrylic on Canvas
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: Wiseman
Description: 108 x 61 inches
In the early 1970s, Poons began experimenting with
various techniques including the pouring and
throwing of paint.
Year: 1975
Materials: Acrylic on canvas
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: The What Sonata,
Description: 87 x 118 inches
Year: 1989
Materials: Acrylic on canvas
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: Could You Love me One More Time
Description: In his new body of work, Mr. Poons
seems to enjoy some measure of equilibrium. There
is thickly churned swirls of paint, but there is also a
new-found lyricism that recalls the seductive charm
of his early flat abstraction. The title of one of the
works, “Could You Love Me One More Time,” (2005)
almost seems an appeal to early formalist
enthusiasts to forgive the romantic excesses of the
intervening years.
The palette and brushstroke are consistent through
this exhibition of generally large, busy
canvases. There is an underlying range of organic
hues – browns and greens – accentuated by
generous dolops of contrastive pink and blue.
68 x 68-1/2 inches
Year: 2005
Materials: Acrylic on canvas
Collection:
Larry Poons
_ obras
Title: Calling You
Description: Poon's latest show is rooted in the
tradition of Abstract Expressionism . The works are
all large, all-over, tactile, almost scultped, and best
viewed from that sweet spot where the painting just
fills your field of view. Stand there and the world of
the painter opens up to you. It's a world, in this case,
filled with tentative marks, mostly right-handed dabs
and strokes, mostly low chroma, fleshy colors. The
texture varies from mere stains on the canvas all the
way up to thick oozing strokes, from grainy crumbles
of nearly pure pigment to gluey translucent strands
of almost pure acrylic gel. Every so often Larry dips
into the brighter hues, whipping out a pink close to
fluorescence or a deep sapphire blue.
67.25x114 inches
Year: 2009
Materials: Acrylic on canvas
Collection:
LA CONTEMPORANEIDAD COMPARTIDA
P la nte a m ie nto s Fo r m a le s Y D e Co nte n id o E n Tre s Traye cto r ia s P ro m in e nte s
“Everything in the current world of art and design seems to want to be what is not, or at least not what it used to be.”
Glen Gordon
El presente trabajo investigativo reseña brevemente la trayectoria de tres prominentes artistas contemporáneos: el ruso Kasimir
Malevich, el alemán Gerhard Richter y el estadounidense Larry Poons. Partiendo desde Malevich hasta continuar con Richter y
Poons, el período de tiempo comprendido, entre los tres, se extiende desde finales del siglo XIX, atravesando el siglo XX, hasta
nuestro recién estrenado siglo XXI . Aún viviendo en momentos y circunstancias distintas todos ellos ofrecen planteamientos
e ideas vigentes en la actualidad.