2022 - 2023
CULTURA
DEL
DISEÑO
ÍNDICE
MODERNO
ESTILO
03
11
ORNAMENTO
15
NATURALEZA
24
IDEOLOGÍA
CIENCIA
37
40
CULTURA POP
45
LO EFÍMERO 51
COMPROMISO
67
TRANSGRESIÓN
71
MENOS ES MÁS
81
MENOS ES ABURRIDO
85
POSMODERNIDAD
99
POSTINDUSTRIAL
102
ALTA TECNOLOGÍA
ECLECTICISMO
ERA DIGITAL
BIBLIOGRAFÍA
116
121
132
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MODERNO
También conocido como funcionalismo o racionalismo, se desarrolló en Europa durante los años
veinte y treinta como consecuencia de la necesidad de una reconstrucción de las ciudades tras la I
Guerra Mundial por el incremento de la población.
Fue un movimiento en donde se tuvo una gran oposición al historicismo y criticaban la
ornamentación en la arquitectura. Se basaban en el cuidado de las condiciones higiénicas, la
disposición de los edificios, la composición formal basada en la geometría, entre otros; y tenían
como finalidad la revitalización de la sociedad enfocándose sobre la arquitectura y el diseño de las
ciudades.
Dentro de sus orígenes se encuentra la Bauhaus, una escuela de arquitectura, diseño y arte enfocada
al funcionalismo, fundada por Walter Gropius en Alemania en donde tenían el objetivo de reformar
la enseñanza en todo lo artístico y democratizar el diseño.
De sus principales autores se encuentran: Adolf Loos, Le Corbusier, Mies van der Rohe, Josef Albers,
entre otros.
CASA STEINER
Ubicada en Viena en 1910, ésta casa colocó a Adolf Loos como uno de los más importantes
arquitectos modernos en el mundo, siendo un ejemplo muy influyente en el ámbito de la
arquitectura moderna y de referencia para los arquitectos entre los años veinte y treinta; en el
que muestran los principios de la arquitectura moderna: la geometría, funcionalidad, falta de
ornamentación y demás.
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NENDO
Nendo es un estudio de diseño con sede en Japón fundado por el arquitecto y diseñador Oki Sato en 2002.
Su enfoque se caracteriza por la simplicidad, la innovación y la funcionalidad. Es conocido por su estilo
minimalista y su atención meticulosa a los detalles. Sus diseños a menudo presentan líneas limpias, formas
geométricas simples y una paleta de colores neutros. El estudio se esfuerza por encontrar nuevas soluciones
a través de la simplicidad, creando diseños que son visualmente impactantes y al mismo tiempo prácticos.
Además de la arquitectura, Nendo también se dedica al diseño de interiores, muebles, productos y
exposiciones. Han colaborado con numerosas marcas reconocidas a nivel internacional y han ganado
múltiples premios por su trabajo innovador.
La estética moderna de Nendo se basa en la idea de que el diseño debe ser accesible y funcional, al tiempo
que incorpora elementos creativos y sorprendentes. Su enfoque minimalista y su capacidad para encontrar
belleza en la simplicidad los sitúan en el ámbito del diseño moderno. Su trabajo ha tenido un impacto
significativo en la industria y ha sido reconocido por su estilo distintivo y su enfoque innovador.
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primera mitad del siglo XX. Fue un movimiento que buscaba la innovación y la experimentación en
todas las áreas del arte y la cultura, desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura, la literatura
y la música.
La vanguardia se caracterizó por su rechazo a los estilos tradicionales y su deseo de romper con las
convenciones establecidas. Los artistas y escritores de la vanguardia buscaban crear un arte y una
cultura que reflejaran la nueva era moderna y el mundo en constante cambio.
Algunos de los movimientos más destacados de la vanguardia incluyen el cubismo, el futurismo, el
dadaísmo, el surrealismo y el expresionismo abstracto; estos movimientos se caracterizaron por su
enfoque en la experimentación y la innovación en la forma y el contenido de las obras de arte.
También tuvo un gran impacto en la arquitectura, con el surgimiento del modernismo y su enfoque
en la funcionalidad y la simplicidad en la construcción.
VANGUARDIA
Es un movimiento artístico y cultural que surgió a finales del siglo XIX y se desarrolló durante la
El CCTV Headquarters
Es un edificio vanguardista ubicado en Beijing, China; es conocido por su diseño único y
futurista, que lo convierte en uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad.
El edificio fue diseñado por la firma de arquitectos holandeses OMA y su socio Rem Koolhaas. Su
construcción comenzó en 2004 y fue completado en 2012. Es la sede de China Central Television
(CCTV) y cuenta con dos torres inclinadas de 234 y 194 metros de altura que se conectan en la
parte superior mediante un puente de 50 metros.
La forma del edificio es compleja y dinámica,
con ángulos y curvas que generan una
sensación de movimiento y tensión; su
estructura de acero y vidrio se compone de
distintas secciones en voladizo que dan al
edificio su apariencia única.
Además de su diseño vanguardista, el edificio
también es conocido por su eficiencia
energética
y
sostenibilidad,
cuenta
con
tecnologías avanzadas para la reducción de
emisiones de carbono y la gestión del agua y la
energía.
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MARTEN BAAS
Maarten Baas es un destacado diseñador y artista holandés reconocido por su enfoque experimental y
conceptual en el diseño de muebles y objetos. Nació en 1978 en Arnsberg, Países Bajos, y se graduó de la
Design Academy Eindhoven en el año 2002.
Baas ha alcanzado renombre a nivel internacional gracias a su serie "Smoke", la cual consiste en muebles
quemados y carbonizados. Esta serie surge como una respuesta a su deseo de crear objetos con una
apariencia única y emocional, alejados de la perfección y la producción en masa. Para lograr este efecto
distintivo, Baas emplea una técnica especial que implica quemar los muebles y posteriormente aplicar un
recubrimiento protector para asegurar su estabilidad.
Además de la serie "Smoke", Baas ha trabajado en otros proyectos innovadores. Por ejemplo, en la serie
"Clay", crea muebles con formas orgánicas utilizando arcilla y los recubre con un esmalte colorido. Estas
piezas suelen tener una apariencia táctil y artesanal, desafiando la noción de que el diseño debe ser
impecable y uniforme.
Baas ha colaborado con diversas marcas y ha participado en exposiciones y eventos de diseño alrededor del
mundo. Sus obras han sido exhibidas en reconocidos museos y galerías, formando parte de colecciones
permanentes en instituciones como el MoMA de Nueva York y el Victoria and Albert Museum de Londres.
Lo que distingue el trabajo de Maarten Baas es su enfoque único y su voluntad de cuestionar las normas
establecidas en el diseño. Su combinación de técnicas poco convencionales, materiales fuera de lo común y
un toque artístico distintivo le ha valido reconocimiento y admiración en el mundo del diseño. Su trabajo
desafía las expectativas y abre nuevos caminos, creando piezas que son provocativas y emocionales al
mismo tiempo.
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El Modernismo es un movimiento artístico y cultural que se desarrolló a finales del siglo XIX y
principios del siglo XX, que surgió como una reacción contra las formas tradicionales de arte y
diseño que habían dominado durante siglos.
Se caracterizó por su búsqueda de la originalidad, la innovación y la libertad creativa, y abarcó una
amplia variedad de disciplinas, incluyendo arquitectura, diseño de interiores, artes gráficas,
literatura, música y artes visuales.
En este movimiento se buscaron nuevas formas de expresión artística, y se rechazó la imitación de
estilos del pasado en favor de una estética más contemporánea y personal; en este contexto, los
artistas y diseñadores se esforzaron por crear obras que reflejaran la modernidad y la tecnología de
la época, y que rompieran con los moldes establecidos, dando lugar a un período de gran creatividad
y experimentación en el mundo del arte y el diseño.
Fue un movimiento complejo y diverso, que dio lugar a numerosas corrientes y estilos, como el Art
Nouveau, el Secesionismo, el Jugendstil, el Modern Style y el Stile Liberty, entre otros.
CASA MILÁ
También conocida como La Pedrera, es un edificio ubicado en el centro de Barcelona, España. Fue
construido entre 1906 y 1910 por el arquitecto Antoni Gaudí, y es considerado uno de los edificios
más emblemáticos del modernismo catalán.
MODERNISMO
La Casa Milà fue diseñada como un edificio de apartamentos para la familia Milà, pero hoy en día
se utiliza como un espacio cultural, con exposiciones y eventos relacionados con la arquitectura y el
arte. El edificio tiene una fachada ondulante y orgánica, con balcones de hierro forjado que
parecen estar en constante movimiento.
En el interior, el edificio cuenta con una serie
de patios y espacios interiores con techos
abovedados y detalles decorativos elaborados,
como mosaicos y esculturas. La azotea de La
Pedrera es también una atracción popular,
con vistas panorámicas de Barcelona y una
serie de chimeneas escultóricas diseñadas
por Gaudí.
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PARQUE GÜELL
El Parque Güell es uno de los lugares más emblemáticos de Barcelona, España, y uno de los principales
atractivos turísticos de la ciudad. Diseñado por el reconocido arquitecto Antoni Gaudí, el parque es una
muestra impresionante de su estilo distintivo y su visión vanguardista. Fue encargado por el empresario
Eusebi Güell y se construyó entre 1900 y 1914. Originalmente concebido como un conjunto residencial, el
proyecto no tuvo el éxito esperado y solo se construyeron dos casas en el sitio. Sin embargo, el área restante
se convirtió en un parque público en 1926 y ha sido un hito icónico desde entonces.
El diseño del parque combina elementos naturales con la creatividad y la imaginación de Gaudí. Utilizando
técnicas y materiales innovadores, Gaudí creó un espacio lleno de formas orgánicas, colores vibrantes y
detalles decorativos intrincados. La presencia de la naturaleza es fundamental en el parque, con terrazas
ondulantes, columnas que imitan árboles y senderos serpenteantes que se integran armoniosamente con el
entorno. Uno de los puntos destacados del Parque Güell es la Terraza de la Serpiente, que ofrece una vista
panorámica de Barcelona y está decorada con un banco serpenteante cubierto de coloridos mosaicos de
cerámica. Otro elemento icónico es la famosa Escalinata del Dragón, una escalera flanqueada por una
serpiente de mosaico gigante que conduce a la entrada principal del parque.
El parque también alberga la Casa-Museo Gaudí, donde Gaudí vivió durante casi 20 años y que ahora
muestra una colección de objetos y documentos relacionados con el arquitecto.
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También conocido como aerodinamismo, surgió como un movimiento en Estados Unidos a
principios de los años 30, con la finalidad de lograr formas aerodinámicas que limitaran la
resistencia del aire o el agua y aumentar la velocidad de coches, trenes, aviones y barcos. Este estilo,
influenciado por el futurismo italiano y la arquitectura expresionista, se destacó por una imagen que
se derivaba de la conformación del objeto en lugar de la aplicación de motivos decorativos y se
convirtió en una unidad estilística fácilmente reconocible en objetos de distintos tamaños y usos.
Además de optimizar la eficiencia y la velocidad, el streamlining también buscaba transmitir una
sensación de modernidad y futurismo. La forma suave y elegante de los objetos se consideraba un
símbolo del progreso tecnológico y del avance hacia un futuro mejor.
Por otro lado, también tenía una función comercial, ya que los objetos con esta estética eran
percibidos como más atractivos y deseables por los consumidores. En la década de 1930, cuando el
streamlining era muy popular, las empresas utilizaban esta técnica para dar a sus productos una
imagen moderna y futurista, y para diferenciarlos de la competencia.
VENTILADOR VORNADO
Fue creado en 1945 por la empresa O.A. Sutton Corporation en Wichita, Kansas, Estados Unidos y
diseñado por Ralph K. Odor y Ottis A., siendo los fundadores de la empresa. Su nombre es un
acrónimo de dos palabras: Vortex y Tornado.
Es un ventilador de forma cilíndrica y con una hélice que impulsaba el aire a través de un sistema de
ranuras, lo que mejoraba la circulación del aire y reducía la necesidad de una gran cantidad de
convencionales de la época, y su forma aerodinámica le permitía generar un flujo de aire concentrado
y de gran alcance.
El diseño del ventilador Vornado también fue
influenciado por el futurismo y la arquitectura
expresionista, con su forma elegante y curvilínea. El
objetivo era transmitir una imagen de modernidad y
progreso, y diferenciarlo de los ventiladores más
tradicionales.
También, fue un éxito comercial y se convirtió en un
objeto icónico de la cultura popular estadounidense.
A día de hoy, la empresa sigue produciendo y
comercializando distintos modelos de ventiladores,
manteniendo
caracteriza.
el
estilo
streamlining
que
les
STREAMLINING
energía para hacerlo funcionar. Fue diseñado para ser más eficiente y silencioso que los ventiladores
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REFLEXIÓN
Cada vez que uno viaja puede tener la posibilidad de observar y absorber distintas culturas y costumbres
que existen en las distintas partes del mundo. En mi caso al haber podido tener la oportunidad de viajar a
diferentes países me he dado cuenta que a pesar de que el mundo de hoy se está actualizando y avanzando,
siguen de alguna manera conectados a sus orígenes y culturas. Un ejemplo de ello es China.
Recuerdo la primera vez que viaje a China, era la primera vez que viajaba al extranjero, tenía 10 años y fue
un poco extraño para mí, ya que a pesar de tener familia naciente de allá, era muy distinto a lo que estaba
acostumbrada desde que nací, pero esto hizo que pudiera entender un poco más al mundo y a que me
interese mucho más la cultura. Cuando estuve allá tuve la oportunidad de conocer distintas islas y ciudades
como por ejemplo Hong Kong, Guangzhou (una ciudad ubicada en la provincia de Cantón, de donde
proviene mi familia), Macao, entre otros. Lo más extraordinario, además de conocer templos, palacios y
otros edificios antiguos, fue conocer edificios de grandes alturas, con grandes ventanales y un juego de luces
que en las noches hacían que las ciudades estuvieran llenas de energía.
Uno de los edificios que recuerdo perfectamente fue la torre de Macao, tenía una altura impresionante de
338 metros y contaba con varias plataformas en donde se podía observar las vistas panorámicas de la
ciudad y los alrededores. Recuerdo que también tenía un bungee jumping en donde los visitantes podían
realizar saltos desde la cima de la torre, que lamentablemente debido a la edad que tenía no pude
experimentar, pero sé que en un futuro lo podré hacer.
En mi opinión, poder observar y estar presente en ciudades con arquitecturas muy impresionantes me
recuerda a la “necesidad” del ser humano de crear cosas grandes y buscar superarse, y con la historia se
observa esa característica que va desde la antigüedad hasta hoy en día. También me da una sensación de
que todo está cambiando y no solo eso, sino que también me da una sensación agridulce, ya que aunque me
parece atrayente las construcciones vanguardistas y modernas de hoy en día, siempre tendré una
fascinación por la estética arquitectónica especialmente de ciudades y pueblos europeos (es por ello que me
anime a venir aquí y enriquecer mis experiencias) y temo que esto se pierda, ya sea en europa u otros países
en el mundo.
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ESTILO
Es un concepto fundamental en diversas áreas de expresión como la arquitectura, el arte, la moda y
la decoración, entre otros. Se refiere a las características o rasgos que definen la manera en que se
presentan los elementos dentro de una obra; estos rasgos pueden ser visuales como la forma, el
color, la textura, la proporción, la simetría y la asimetría, o conceptuales como la temática, la
narrativa, el simbolismo y la filosofía. La combinación y organización de los elementos visuales
como la forma, la línea, el color, la textura y la luz en una obra, también son características del
estilo.
En términos generales, el estilo se relaciona con la cultura y la época en que se crean las obras, y se
considera una forma de expresión y comunicación visual que transmite ideas, emociones y
conceptos estéticos. En el ámbito del arte, el diseño y la arquitectura, el estilo se refiere a un
conjunto de rasgos estilísticos que son típicos de una determinada época, movimiento o región
geográfica.
ESTILISMO
El estilismo es una técnica utilizada en varios campos creativos, como la moda, la fotografía, la
decoración, el cine y la televisión, con el objetivo de crear una imagen estética y visualmente
atractiva. Los profesionales del estilismo trabajan en la combinación de elementos y detalles para
lograr una imagen coherente y armoniosa que cumpla con los objetivos de la producción.
En la moda, el estilismo se refiere al proceso de seleccionar la ropa, los accesorios y el maquillaje
adecuados para una sesión de fotos, un desfile o una producción de cine o televisión. Los estilistas
de moda son los encargados de crear un look completo que se adapte al estilo y objetivo de la
producción. En la fotografía, el estilismo se refiere a la composición visual de la imagen. Los
estilistas trabajan en colaboración con los fotógrafos para crear una imagen con una estética
específica y un mensaje visual claro. En la decoración, el estilismo implica la elección y disposición
de los elementos decorativos para crear una atmósfera armoniosa y acogedora. Los estilistas de
decoración trabajan en la selección de los elementos adecuados para el espacio y en la disposición
de los mismos para crear una imagen coherente.
En conclusión, el estilismo se refiere a la
creación
de
una
imagen
coherente
y
estéticamente atractiva en diferentes campos
creativos; es un trabajo muy creativo que
requiere
conocimiento
de
las
tendencias,
habilidades para combinar diferentes elementos
y detalles, y una buena comprensión de los
objetivos de la producción.
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REFLEXIÓN
Como ya había mencionado en el anterior reflexión sobre la suerte que he tenido de viajar, he encontrado
con que cada lugar tiene un estilo muy marcado de acuerdo a su cultura; no es lo mismo si nos referimos a
un estilo arquitectónico con Estados Unidos que con un estilo arquitectónico en China, si bien, hoy en día,
China está modernizando sus ciudades, sigue muy unida a su cultura y eso se puede observar en sus
provincias y hasta en sus ciudades.
Si hablamos en el ámbito de la moda, siempre me ha encantado la moda y al haber estudiado de ello,
siempre observo y analizo, casi detalladamente, por las calles e incluso en las redes sociales la forma en que
cada individuo se viste. Podemos observar distintos estilos que pueden ser influenciados por las culturas
que tienen o simplemente por las redes sociales y esto hace que me generen preguntas sobre: ¿Por qué
decidió utilizar esas prendas? ¿Qué tipo de estilo será? ¿Estará cómodo con el estilo que tiene?...
Todo esto hace que me genere una sensación de intriga, ya que como se sabe, nuestra forma de vestir es un
reflejo de lo queremos plasmar sobre nuestra forma de ser; y ver que cada una de las personas es
totalmente diferente hace que todo esto sea mucho más interesante.
Mi proyecto de fotografía sobre estilos en Bilbao - 2022/2023
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GRANDES FAMILIAS ARTÍSTICO/ESTILÍSTICAS
CHINO
ABORIGEN
AUSTRALIANO
ROCOCÓ
ARTS & CRAFTS
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desarrollar esta capacidad se requiere una combinación de entendimiento y sensibilidad. Según el
sociólogo francés Pierre Bourdie, es "la facultad de juzgar los valores estéticos de manera inmediata
e intuitiva".
El gusto de una persona refleja en cierta medida su posición social, ya que está influenciado por sus
experiencias y vivencias personales. Las preferencias artísticas, por ejemplo, están influenciadas por
la formación cultural adquirida a lo largo de la vida, que permite establecer relaciones entre las
distintas áreas del saber; esto es lo que permite emitir juicios más profundos y justificados sobre las
obras de arte, más allá de una simple apreciación superficial.
EL GUSTO
El gusto es una capacidad humana que nos permite apreciar la belleza y lo que no lo es; para
REFLEXIÓN
ESi hablamos del gusto en general, en mi opinión, es muy complicado, ya que cada uno de
nosotros tenemos opiniones y gustos diferentes que pueden provenir de influencias distintas
como nuestras experiencias, pero no solo eso, sino también de influencias en nuestro entorno. El
gusto lo podemos evolucionar con el paso del tiempo y que algo nos guste no significa que sea
algo correcto o incorrecto; todos somos libres de apreciar lo que nos parece bello y lo que no es,
a pesar de que existan personas que nos juzguen, y debemos entender que eso no está mal.
Pero si hablamos de las preferencias artísticas, decir que algo te gusta o no te gusta acerca de
alguna obra no tiene mucha coherencia y eso hace que refleje un falta de conocimiento sobre el
mundo del arte. Considero que para entender una obra de arte debemos por lo menos tener
conocimiento de ello, y analizar y entender el impacto que el autor quiere transmitir en el mundo
del arte y la cultura. Todo esto lo podemos obtener absorbiendo informaciones acerca de la obra,
pero hoy en día, cultivar el gusto por el arte es muy complejo, ya que no hay mucho interés en
ello; y es por ello que se generan los llamados incultos, pero como dije al inicio todos somos
distintos y lo que algo nos gusta o no nos gusta dependerá de nosotros.
Una serie de bodegones sobre
platos que evocan el sentido del
gusto de Joaquín Pañeda.
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ORNAMENTO
Según la RAE (Real Academia Española): un ornamento es un elemento o composición que sirve
para embellecer personas o cosas. Es un adorno, compostura o atavío que hace vistosa una cosa.
En la arquitectura y el arte decorativo, el ornamento se utiliza para embellecer partes de un edificio
u objeto. Este término se refiere a la decoración que no incluye grandes elementos figurativos como
la escultura monumental y sus equivalentes en el arte decorativo.
El ornamento implica que el objeto ornamentado tiene una función que un equivalente no
ornamentado también podría cumplir. Donde el objeto no tiene tal función, pero existe solo para ser
una obra de arte, como una escultura o pintura, es menos probable que se use el término, excepto
por elementos periféricos.
La historia de estilo del ornamento trata del desarrollo temporal de motivos ornamentales y su
diseño, y fue fundada por Alois Riegl a finales del siglo XIX. Los ornamentos se examinan no sólo
como un género de arte, sino también en su desarrollo estilístico y en el contexto de la percepción
humana. El último enfoque intenta basar el estudio de la ornamentación en los hallazgos de la
psicología, y la fascinación del hombre por formas elementales geométricas simples se explica por
la necesidad de elegir entre la multitud de estímulos de imagen caóticos.
El escrito “Ornamento y Delito” de Adolf Loos fue un ensayo que ha sido muy influyente en la
arquitectura y el diseño moderno, y fue precursor del movimiento modernista que surgió en la
primera mitad del siglo XX, en donde lanza un duro ataque contra el ornamento en donde
argumenta que la ornamentación en el diseño y la arquitectura es una forma de barbie y que debe
ser eliminada a favor de un enfoque más funcional y minimalista.
Según Loos, la ornamentación en el diseño es un remanente de las sociedades primitivas y tribales,
y su uso en la arquitectura y el diseño moderno es una regresión hacia una etapa más primitiva de
la cultura. Él afirma que la ornamentación es un signo de decadencia, una pérdida de tiempo y
recursos, y una muestra de falta de habilidad y sofisticación en el diseño. En lugar de la
ornamentación, Loos aboga por la pureza y la simplicidad del diseño, y considera que la
funcionalidad es más importante que la estética.
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artistas franceses que buscaban crear un movimiento orientado a la innovación del diseño artístico.
La Exposición Universal de París de 1900 impresionó a este grupo de artistas, y en 1925 se dieron a
conocer formalmente a través de la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas de
París.
El Art Decó se caracteriza por presentar una estética de estilo clásico, simétrico y rectilíneo, que se
mantuvo hasta el final del período de entreguerras. El término "Art Decó" no fue acuñado hasta 1966
en un evento conmemorativo de la exposición de 1925 llamado Les Annés 25.
El movimiento recibió influencias directas de otros movimientos que lo precedieron, como el
ART DECÓ
Es una corriente artística que surge en los inicios del siglo XX en París, gracias a un grupo de
cubismo y el futurismo, y adoptó elementos de culturas antiguas como la mesopotámica, egipcia,
asiática y prehispánica, ampliando el alcance internacional del movimiento.
Fue durante años el símbolo del glamour y el punto álgido fue en el periodo entre las dos guerras
mundiales. Unió todas las artes (decorativas, gráficas, arquitectura, joyería, escultura, pintura, cine…)
en un amalgama de difícil definición que engloba desde gigantescos rascacielos a pequeños objetos,
incluyendo iconos tas reconocibles como el Oscar de Hollywood o el robot de Metrópolis (1927) de
Fritz Lang.
El Art Decó es un estilo con un marcado eclecticismo que refleja la época de grandes cambios
tecnológicos, políticos y sociales. Es burgués y casi puramente decorativo, hablando del progreso, la
elegancia, lo opulento y lo exagerado, casi como una reacción contra la austeridad forzada a causa
de la Primera Guerra Mundial. También es hedonista y era una vía de escape ideal para fiestas con
jazz y cocaína; si bien entró en decadencia con la II Guerra, nunca dejó de existir desde entonces y
aún hoy se pueden encontrar objetos y diseños inspirados en este estilo.
EDIFICIO EL MORO
De acero, concreto y cristal es la sede
de la Lotería Nacional de México,
además, fue el primer rascacielos de
la capital y en 1946 fue el edificio
más alto de la Ciudad de México.
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EDIFICIO CHRYSLER
REl Edificio Chrysler es un icónico rascacielos de la ciudad de Nueva York, diseñado por el arquitecto
William Van Alen en el estilo Art Deco y construido en 1930. Se encuentra en la calle 42 en Manhattan, y en
su momento fue el edificio más alto del mundo, con una altura de 319 metros y 77 pisos.
El diseño del edificio es un ejemplo sobresaliente del estilo Art Deco, con su ornamentación geométrica y
su distintiva corona de acero inoxidable en la parte superior. La fachada está decorada con motivos
automotrices y esculturas de águilas, así como con detalles en ladrillo y terracota.
En su interior, el edificio cuenta con un vestíbulo de doble altura, también decorado en estilo Art Deco, con
paredes de mármol, suelos de mosaico y elevadores de bronce y acero inoxidable. Actualmente es un
edificio de oficinas y su observatorio en el piso 86 sigue siendo una de las atracciones turísticas más
populares de la ciudad de Nueva York.
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REFLEXIÓN
Si hablamos del diseño moderno o diseño con ornamentos, sabemos que cada estilo tiene sus partes buenas
y sus partes malas. En el diseño moderno o minimalista, lo bueno puede referirse a que nos puede generar
una sensación de limpieza y calma, pero lo malo, y en parte bueno para el diseño con ornamentos, es que
podríamos perdernos de diversos detalles y maneras de darle un toque personal, o con cosas que nos
recuerden a algo personal, en el interior.
En mi opinión, al analizar las dos estéticas he llegado a la conclusión de que estoy en un punto intermedio,
ya que cuando uno habla sobre el ornamento me genera una sensación contradictoria, por un lado pienso
en lo atrayente que es la estética moderna en donde hay lo escaso o casi nulo de ornamentación, y por el
otro lado lo atrayente que también puede ser la estética de un interior con distintos ornamentos. Es un poco
complicado a mi parecer el poder escoger entre los dos; cuando veo interiores modernos, sin casi nada de
ornamento, que aún no han sido utilizados, me da la sensación de frialdad y vacío, pero sé que con algún
ornamento puede generar que la estancia se vea única.
Sin embargo, si hablamos del art decó, aunque es una estética muy interesante siento que es recargado y
exagerado visualmente; es por ello que, desde mi punto de vista, aunque tengan ornamentos no se debería
abarrotar con muchos elementos en espacios interiores para no generar una saturación visual.
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A lo largo del tiempo, el concepto de lujo ha evolucionado significativamente. Anteriormente, se
relacionaba principalmente con la calidad y el confort, pero también se consideraba como algo
asociado al exceso y el despilfarro. Hoy en día, la evolución de definición y percepción del lujo son
mucho más subjetivas y relativas, y pueden variar considerablemente según distintos factores como
la cultura, las aspiraciones, las experiencias personales de cada individuo, la revolución digital, las
nuevas generaciones de consumidores y la globalización; y se le asocia más con términos de
exclusividad, calidad, excelencia y diferenciación de la marca.
Además, el lujo puede trascender en lo material y se relaciona con experiencias únicas y emociones,
lo que lo hace difícil de definir de forma absoluta. Como dijo Coco Chanel, "el lujo es una necesidad
que empieza cuando acaba la necesidad". Por lo tanto, la percepción del lujo ha cambiado más que
el concepto en sí mismo.
HERMÈS
Hermès es una reconocida marca de lujo francesa que se ha destacado a lo largo de los años por su
artesanía de alta calidad y su atención meticulosa a los detalles. La marca es famosa por sus
productos de lujo, especialmente sus artículos de cuero, como bolsos, carteras, cinturones y
accesorios.
La calidad de los productos de Hermès es excepcional y se refleja en los materiales utilizados, la
artesanía experta y la atención al diseño. Muchos de los artículos de cuero de Hermès están hechos a
mano por artesanos altamente capacitados, lo que agrega un elemento adicional de exclusividad y
lujo.
Además de sus productos de cuero, Hermès también es conocido por sus colecciones de moda,
perfumes, relojes y artículos para el hogar, todos los cuales mantienen los estándares de calidad y
lujo característicos de la marca.
La exclusividad y el prestigio de Hermès
también se reflejan en su estrategia de
LUJO
marketing y distribución. Los productos
de la marca suelen ser limitados y
difíciles de obtener, lo que crea una
sensación de exclusividad y deseo entre
los consumidores.
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PATEK PHILIPPE
Es una marca de relojes de lujo de alta calidad, elegancia y precisión, y es considerada como una de las
marcas más prestigiosas y reconocidas en el mundo de la relojería. Fue fundada en Ginebra, Suiza, en 1839
y es la única manufactura independiente en manos de una sola familia que sigue apostando por el arte
relojero tradicional y la innovación.
Su excepcionalidad radica en su autonomía en la creación y diseño, producción integrada vertical, y la
constante aplicación de una filosofía y valores desde su fundación. La marca se caracteriza por su enfoque
en la tradición y artesanía, y la producción de relojes de alta calidad y complicación, con modelos famosos
como el "Nautilus", el "Calatrava" y el "Aquanaut". Sus relojes son conocidos por su elegancia, sofisticación y
atemporalidad, y han sido llevados por personalidades como Albert Einstein, Pablo Picasso y Paul
McCartney.
Los relojes Patek Philippe se revalorizan con el tiempo y son parte de un legado familiar que se pasa de
generación en generación. Son increíblemente caros, el valor de un reloj Patek Philippe puede variar desde
unos pocos miles de dólares hasta varios millones de dólares, dependiendo del modelo, la rareza y el estado
de conservación. En resumen, Patek Philippe es una marca de relojes de lujo altamente respetada y
codiciada, y sus relojes son considerados por muchos como verdaderas obras de arte.
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REFLEXIÓN
El concepto del lujo, desde la antigüedad hasta hoy en día, es muy amplio y ha cambiado de distintas
maneras. Cuando uno habla del lujo, cada individuo puede tener distintas opiniones, puede referirse a tener
una vida cómoda sin preocupaciones económicas como por ejemplo: poder tener una educación de calidad,
alimentos de buena calidad, entre otros. Sin embargo, para otras personas, puede referirse a esos objetos o
experiencias de un alto valor económico en donde no cualquiera puede acceder a ellos como por ejemplo:
disfrutar de viajes, objetos de marcas muy costosas como coches, bolsos, prendas, entre otros.
Debo decir que al tener una vida “privilegiada” y poder disfrutar de distintas experiencias en relación al lujo,
puedo decir desde mi punto de vista que el lujo es un concepto más de deseo, de aparentar y diferenciarse
del resto, ya que no es algo totalmente necesario. Si nos ponemos a pensar, sabemos o tenemos conciencia
de que algún objeto de lujo es de muy buena calidad, pero si analizamos bien en el mercado podemos
encontrar la misma calidad, pero a un precio muchísimo más bajo; y esto podría reflejar que los objetos no
son costosos solamente por la calidad, sino también por el nombre de la marca, y es por ello que hago
énfasis sobre el concepto de aparentar; también de alguna manera puede ser un referente a la clase social
en la que perteneces, ya que como he mencionado anteriormente estos objetos o experiencias de lujo sólo
pueden acceder las clases más altas.
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El término "glamour" tiene su origen etimológico en la palabra francesa y, a su vez, en la escocesa
"Glamour/Glamor", cuyo significado literal es "hechizo". Originalmente, se utilizaba para referirse a
personas que tenían la habilidad de hechizar a otros con un encantamiento, pero con el tiempo se
asoció a aquellos que irradiaban cierta atracción y eran capaces de seducir y fascinar a través de su
personalidad, por lo que el término empezó a ser utilizado como sinónimo de palabras como
seducción, elegancia, estilo, encanto o atractivo.
En la actualidad, el término se utiliza comúnmente para referirse a artistas de cine, cantantes,
miembros de la alta sociedad y todo lo que tiene que ver con el buen gusto y el lujo. Aunque la
definición de glamour puede variar debido a su uso en algunos programas televisivos que lo han
desprestigiado, en general se trata de una expresión norteamericana para designar un atractivo
irresistible que se empezó a utilizar en los años veinte y treinta, y que las revistas de moda europeas
empezaron a divulgar en los años ochenta.
El glamour es un estilo de vida que se caracteriza por la elegancia, sofisticación y encanto que crean
una sensación de fascinación, atractivo y lujo. Este estilo se puede lograr a través de la ropa, el
maquillaje, el peinado, el comportamiento y la actitud, y se trata de una combinación de elementos
que juntos crean una imagen deslumbrante.
El concepto de glamour se asocia a menudo con ciudades como París, Nueva York o Hollywood,
donde la moda y el estilo de vida son un aspecto importante de la cultura. También se relaciona con
la moda vintage, que evoca la elegancia y el encanto de décadas pasadas.
En la actualidad, el glamour puede ser una parte importante de la marca personal de alguien y es
común en la industria de la moda, la música y el entretenimiento. Las celebridades y los influencers
utilizan el glamour como una herramienta para atraer la atención y construir una imagen de éxito y
sofisticación.
GLAMOUR
Blake Lively en la Met Gala del 2022
22
REFLEXIÓN
Uno de los personajes más icónicos, desde mi punto de vista fue, sin duda, Audrey Hepburn. La película en
donde fue la primera vez que supe sobre ella fue en Breakfast at Tiffany’s, una película de 1961 en donde
habla acerca de la vida de una mujer llamada Holly Golightly de la ciudad de Nueva York durante los años
40 y que lleva una vida superficial y glamurosa, pero que se siente sola y busca amor, y estabilidad. Este
personaje es interpretado por Audrey Hepburn, pero fue inspirada principalmente por Marilyn Monroe.
Es una película en la que se observa mucho la estética del glamour. El vestuario emblematico que usó fue un
vestido negro de Givenchy que con el tiempo se volvió uno de los vestidos mas famosos e icónicos en la
moda y en la historia del cine. Así mismo, los distintos escenarios glamurosos y sofisticados, entre ellas las
tiendas de alta gama, los lujosos apartamentos, entre otros; y también, no olvidar, los objetos lujosos como
los diamantes. En pocas palabras fue una película en donde el lujo y el glamour estaba muy presente, y que
al interpretarla Audrey Hepburn le daba un toque único generando diversas sensaciones transmitidas al
público que lo veía.
No solamente el glamour se observaba en la película, sino también fuera de ella. Hepburn cautivaba al
público con su belleza y su presencia que era lo que más destacaba. Personificaba la elegancia y la
sofisticación llevándolo con facilidad y naturalidad, haciéndola brillar en cualquier ocasión. Incluso hasta su
muerte y hoy en día, sigue siendo uno de los personajes que influyen en el mundo de la moda y del glamour
siendo una fuente de inspiración para muchas personas, y en ocasiones incluyéndome.
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ORGANICISMO
NATURALEZ
El organicismo es una corriente que surge como una crítica a la utilidad y excesiva formalización
que se da en el racionalismo y el funcionalismo. Los diseñadores organicistas proyectaban sus
diseños basándose más en las leyes de desarrollo de los organismos naturales que en la pura
inspiración en las formas abstractas, y toman al hombre como centro, pero no en un sentido
matemático proporcional como los racionalistas, sino de un modo más lírico y poético.
Se desarrolló durante el siglo XX y fue promovida fundamentalmente por los arquitectos
escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright. A pesar
de que el organicismo acepta muchas de las premisas del racionalismo, como la planta libre y el
predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, también busca evitar algunos de los errores
en los que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura. La filosofía del
organicismo va más allá de los principios arquitectónicos, ya que busca atender las necesidades del
hombre desde una perspectiva psicológica.
ARQUITECTURA ORGANICA
En la arquitectura orgánica se busca la armonía total entre la arquitectura y su entorno natural.
A diferencia de un movimiento estilístico concreto, esta corriente presta atención a
consideraciones espaciales, materiales y de elementos arquitectónicos.
La filosofía arquitectónica del organicismo busca crear espacios que se integren armoniosamente
en su entorno natural, sin invadirlo con bloques pesados y poco integrados. En lugar de ello, se
busca que las estructuras arquitectónicas formen parte de la naturaleza sin modificarla,
generando una composición integral y homogénea. El objetivo principal del organicismo es que
el hombre encuentre armonía con la naturaleza, manteniendo un contacto directo y sin
destruirla. Es por eso que las construcciones que se crean a partir de esta filosofía no desafían
los elementos naturales, sino que los integran en el edificio de manera sutil y equilibrada.
Entre los principales autores de este movimiento también se encuentran Erik Gunnar Asplund en
Suecia y Alvar Aalto en Finlandia, quienes compartían la idea de que la arquitectura debía
centrarse en las necesidades y preocupaciones del hombre y tener una mayor conciencia de los
espacios internos.
Si bien este movimiento sigue una serie de volúmenes en función de la planta, estos volúmenes
son dominados por un estilo cubista, logrando la simplicidad estructural y constructiva necesaria
para cumplir con las necesidades humanas.
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ARQUITECTURA ORGÁNICA SEGÚN FRANK LLOYD WRIGHT
Lloyd Wright plantea en su artículo “Manifiesto por la Arquitectura Orgánica” diversos principios de la
arquitectura orgánica:
“Significa no solo lo “exterior”, nubes, árboles, tormentas, terreno, la vida animal, sino que se refiere a
su naturaleza también de los materiales, o un plan, o una herramienta. Un hombre o cualquier cosa que
le concierne, desde adentro. Naturaleza interior con N mayúscula.”
Orgánico. “Se refiere a la entidad, quizás por ello sería mejor emplear la palabra integral. Así como el
esqueleto no es una finalidad de la forma humana, así es la función respecto a la forma arquitectónica.
La forma es predicada por la función, pero trasciende.”
“Como la palabra belleza, se refiere a una cualidad. La arquitectura orgánica ve la realidad como un
romance intrínseco de la creación humana. En el reino de la arquitectura orgánica, la imaginación
humana debe trasladar el lenguaje áspero de la estructura a adecuadas expresiones humanas de forma,
en lugar de idear fachadas inanimadas. Hasta que la mecanización del edificio esté al servicio de la
arquitectura creadora, y no la arquitectura creadora al servicio de la mecanización no tendremos gran
arquitectura.
Tradición. Aquí Wright se asocia el término de la “verdad”, en el sentido de que esa tradición debe ser
específica del momento, no genérica y auténtica. “Las imitaciones de la imitación destruyen una
tradición original.”
“Elemento integral de la arquitectura, el ornamento es a ello lo que la florescencia de un árbol o una
planta es a su estructura. De la cosa, no sobre ella. Emocional en su naturaleza, el ornamento es menos
si está bien concebido, pero no solo la poesía sino el carácter de la estructura realzado.”
Espíritu. “El espíritu crece hacia arriba y afuera desde dentro. El espíritu no baja desde arriba para ser
suspendido de ganchos o apoyado sobre pilares.”
Tercera dimensión. “La tercera dimensión no es el grosor sino la profundidad. El término se utiliza en
arquitectura orgánica para indicar el sentido de profundidad que surge de la cosa y no sobre ella.”
“La continua transformación, fuente invisible de donde surgen todos los ritmos a los que deben
someterse. Más allá del tiempo infinito. La nueva realidad que la arquitectura orgánica sirve para
emplear en el edificio. El aliento de una obra de arte.”
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CASA DE LA CASCADA
El diseño de la casa es una clara muestra de la arquitectura naturalista, ya que todas las decisiones tomadas
para su construcción van encaminadas a integrar la edificación con el paisaje y hacer que la obra se
convierta en un elemento natural más del entorno, en plena armonía con el mismo y el paso del tiempo.
El edificio guarda una relación con el entorno que llega a ser de respeto o adaptación al medio. Gran parte
de la casa está en voladizo, situado encima del arroyo. A pesar de las preocupaciones de los ingenieros de
Wright, el orgullo del arquitecto lo llevó a colocar solo unas piezas metálicas para sostener el voladizo, el
cual ha resistido incluso los efectos de un tornado.
La casa cuenta con dos plantas que se extienden horizontalmente con voladizos y terrazas prominentes,
pero también tiene un núcleo vertical que alberga la chimenea y presenta ventanas que atraviesan ambas
plantas para mostrar los forjados. Este núcleo vertical se convierte en el corazón de la Casa de la Cascada.
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ROSS LOVEGROVE
Ross Lovegrove es considerado un diseñador vanguardista. Es reconocido por su enfoque innovador y
experimental en el diseño industrial. Lovegrove combina la estética futurista con una fuerte influencia
biomórfica, creando diseños que se inspiran en la naturaleza y en las formas orgánicas. Sus creaciones
suelen ser audaces y rompen con las convenciones establecidas, utilizando materiales y tecnologías
avanzadas.
Lovegrove ha trabajado en una amplia gama de proyectos, desde muebles y productos hasta transporte y
arquitectura, y su trabajo ha sido exhibido y reconocido internacionalmente. Su enfoque vanguardista y su
capacidad para fusionar la ciencia, la tecnología y el diseño lo convierten en una figura destacada en el
mundo del diseño contemporáneo.
Go stacking chair
Formula 1 fragrance
Mesa Ginko
Ilabo Shoes
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REFLEXIÓN
A pesar de haber vivido una gran parte de mi vida, casi toda, en la ciudad, siempre me ha atraído y
encantado el campo, ya que me generaba calma y tranquilidad, pero de una manera distinta; explicarlo con
palabras es muy complicado, pero era algo que no podía conseguirlo o no era igual que en la ciudad.
En mi opinión, el organicismo es una de las tendencias que me parece muy interesante, ya que le dan un
enfoque muy importante a la naturaleza y a las distintas formas que se pueden encontrar en ella. Al
observar objetos que imiten o evoquen las formas, texturas y procesos orgánicos que se encuentran en la
naturaleza y que vayan generando formas curvas, suaves y fluidas, me da una sensación de fascinación,
armonía y movimiento, especialmente si son colocados en espacios interiores. También, me parece curioso
e importante que, por ejemplo, en el mobiliario orgánico no solo se centren en la apariencia visual, sino
también en la funcionalidad, es decir, que buscan que se ajusten de manera natural al cuerpo humano
haciendo que esto sea más cómodo.
Si hablamos de la arquitectura orgánica, me llama la atención que se busque una conexión mucho más
estrecha y armónica con el entorno en donde se vaya a encontrar el edificio. Debe ser mucho más
interesante poder probar esa experiencia de estar en un edificio que cumpla con los estándares del
organicismo, pero en mi caso espero poder probarlo alguna vez.
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El Metabolismo es una corriente arquitectónica y filosófica originaria de Japón, surgida en 1960 con
la presentación del manifiesto METABOLISM/1960 - Toshi He No Teian en la Conferencia Mundial
del Diseño de Tokio. Esta propuesta defendía la idea de una ciudad y una arquitectura que se
desarrolla orgánicamente con el crecimiento social y demográfico, tomando como modelo el
metabolismo de las células en biología. El movimiento se caracterizó por concebir las ciudades y las
formas arquitectónicas como seres vivos capaces de crecer y evolucionar en respuesta a las
necesidades de sus habitantes.
El Metabolismo se convirtió en el movimiento urbano, arquitectónico, artístico y filosófico más
importante que ha producido Japón en el siglo XX, con influencias a nivel global. Los proyectos y
propuestas metabolistas se materializaron en obras que aún hoy genera controversia desde un
punto de vista arquitectónico y teórico tanto dentro como fuera del país asiático. Los arquitectos y
diseñadores del movimiento consideraban que las ciudades deberían crecer de manera orgánica y
METABOLISMO
"Se dice que el movimiento metabolista derivó en lo que hoy se llama arquitectura orgánica.”
responder a las nuevas necesidades de la sociedad.
Kenzo Tange, uno de los principales exponentes del Metabolismo, propuso en su "Plan Tokyo 1960"
una nueva forma de urbanismo que ofrecía una alternativa al crecimiento descontrolado de las
grandes ciudades japonesas. Este plan revelaba la radicalidad del urbanismo metabolista al
combinar consideraciones económicas, sociales, políticas y tecnológicas con el idealismo académico.
Como resultado, las propuestas y proyectos metabolistas se caracterizaron por ser utópicos y
visionarios, pero también por ser altamente pragmáticos en su aplicación.
Muchos de los proyectos nunca llegaron a ser construidos, pero sí fueron concebidos como
ejercicios intelectuales.
Kenzo Tange frente a su Plan
para Tokio en 1960
29
NAGAKIN CAPSULE TOWER
Fue construida en 1972 y es considerada el primer edificio en implementar la idea de habitáculos cápsulas.
Su arquitecto, Kisho Kurokawa, concebía la estructura como una megaestructura en la que se insertan
módulos habitables prefabricados, mostrando a través de su diseño las ideas de intercambiabilidad,
reciclabilidad y sostenibilidad en las obras arquitectónicas.
La ubicación del edificio se encuentra en uno de los barrios más activos de Tokio, Japón, estaba pensada
para aquellos que trabajaban en el centro de la ciudad pero vivían en los suburbios o incluso en otras
ciudades, y necesitaban un lugar para quedarse durante sus viajes de negocios.
A diferencia de la arquitectura tradicional japonesa, la Nagakin Capsule Tower no se concibe como una
arquitectura acabada o completa, sino como un edificio en constante evolución. Pese a ello, no se aleja de la
tradición, ya que en la pequeña escala del diseño de las cápsulas se encuentra la proporción del tatami
japonés.
La idea de megaestructura surge en los años cincuenta en respuesta al crecimiento desmesurado de la
población de las ciudades, y se da en la arquitectura de varios países simultáneamente. Según Fumihiko
Maki, miembro del grupo Metabolista japonés, la megaestructura se define como una gran estructura que
alberga todas las funciones de una ciudad o parte de ella. El desarrollo de la tecnología actual ha hecho
posible su existencia, y aunque es un rasgo artificial del paisaje, su implementación permite solucionar
problemas relacionados con el territorio de las ciudades.
(Fumihiko Maki, “Investigations in Collective Form”, St. Louis, 1964, p. 8)
30
La psicodelia es un neologismo creado en 1953 por el psicólogo británico Humphry Osmond y el
escritor Aldous Huxley, a partir del término inglés "psychedelia". Derivado de las palabras griegas
"alma" y "manifestar", este término se refiere a "lo que manifiesta la mente" o "lo que manifiesta el
espíritu". Osmond presentó este término y su teoría en la Academia de Ciencias de Nueva York en
1957.
El movimiento psicodélico se desarrolló en los años 60 y se vinculó con la contracultura y el
movimiento hippie, extendiéndose por todo el mundo en un contexto de revoluciones culturales y
sociopolíticas. En los Estados Unidos, este movimiento se popularizó gracias a la promoción del LSD
como una herramienta para transformar la sociedad por parte del escritor Timothy Leary. El
impacto del movimiento psicodélico se extendió más allá de la música, a todas las disciplinas
artísticas.
En el mundo de la música, la cultura psicodélica y el rock se fusionaron gracias a Ken Kesey y su
colectivo artístico The Merry Pranksters, quienes popularizaron las "pruebas de ácido". A partir de
1966, se publicaron varias obras musicales que sentaron las bases del rock psicodélico en ambos
lados del Atlántico, como “Revolver” de The Beatles y "Eight Miles High" de The Byrds.
En cuanto al arte, la psicodelia se caracteriza por el uso de colores brillantes y patrones complejos,
siendo común en carteles, portadas de discos y ropa. Los artistas más destacados del movimiento
incluyen a Peter Max, Victor Moscoso, Rick Griffin y Wes Wilson.
El movimiento psicodélico tuvo un impacto significativo en la cultura popular en general,
influenciando en la moda, el diseño gráfico, la literatura, el cine y la filosofía. Aunque el movimiento
alcanzó su apogeo en la década de 1960, su legado sigue siendo relevante en la cultura actual.
Muchos de los temas y valores asociados con la psicodelia, como el individualismo, la
experimentación, la espiritualidad y la exploración de la conciencia, siguen siendo relevantes en la
PSICODELIA
cultura popular contemporánea.
31
ALEX GREY
Alex Grey es un destacado artista psicodélico que se enfoca en la metafísica y la contemplación espiritual.
Estudió en el Columbus College of Art and Design, pero sus obras se caracterizan por su fluidez y relajación,
lo que le permite expresar el equilibrio y la armonía entre la mente, el cuerpo y el espíritu. Su obra destaca
por su enfoque en la muerte y su búsqueda del yo y del conocimiento propio para entender nuestro lugar en
el mundo. Grey es considerado uno de los portavoces más importantes del arte visionario y ha exhibido sus
obras en todo el mundo.
El arte de Grey es una geografía de la energía, que oscila entre lo místico y lo médico, la psiconáutica y la
sanación. Es un arte-objeto espejo que refleja la belleza del alma y sirve como un aparato de biofeedback
transdimensional, que permite al observador resonar con la obra y reforzar una experiencia previa que
tiene mucho significado. Su obra se caracteriza por las redes, filamentos luminosos, filigranas, auras,
espirales, axis mundi, túneles y vórtices que siempre se interconectan y fractalizan en una caleidoscópica
pantalla holográfica.
Alex Grey forma parte de la tradición del arte visionario de pintores como El Bosco, Peter Bruegel, William
Blake, Dali, Pavel Tchelitchew, Roberto Venosa y escritores y místicos occidentales como Swedenborg,
Erkhart, Boheme, San Juan de la Cruz, Aleister Crowley, Teilhard de Chardin, etc. Es especialmente popular
entre las personas que han tenido experiencias psicodélicas o visiones del cuerpo energético, ya que estas
personas reconocen en las pinturas lo que han visto y forman una relación de complicidad (y fidelidad
resonante) con el arte de Grey. Es parte de la "realeza psicodélica", que incluye a Terence Mckenna, al Dr.
Rick Strassman, a Pablo Amaringo, a Douglas Rushkoff, etc. Y a precursores de la conciencia contracultural
como Robert Anton Wilson, Tim Leary, Gordon Wasson, Aldous Huxley. Todos ellos tienen en común la
apertura de las puertas de la percepción, siguiendo la frase de William Blake: "Si las puertas de la
percepción fueran depuradas, todo aparecería al hombre como realmente es: infinito".
32
El movimiento hippie tuvo su origen en la década de los 60 y surgió gracias a la popularización de
los valores de la previa generación beat o beatnick. Los beatnicks eran críticos del sistema y su
postura fue heredada por los hippies, aunque estos últimos prefirieron una visión más positiva y
colorida de los mismos reclamos. No obstante, la palabra "hippie" proviene de "hipster", que era el
apodo para los beatnicks, como el poeta Allen Ginsberg.
San Francisco fue una ciudad meca para los hippies, ya que allí convergían ambos movimientos. Allí
recibieron la influencia de la música folk contestataria y de Ken Kesey y los Merry Pranksters,
célebres por su estilo de vida comunal y uso frecuente de drogas. Paralelamente surgió la psicodelia
y en 1967 el llamado "verano del amor", en donde convergieron las distintas tendencias del
movimiento, desde productos contraculturales y alternativos, poesía beat y mantras hindúes, íconos
aborígenes norteamericanos y casi 20.000 personas reunidas en esta ciudad. La atención de los
medios popularizó el movimiento; se habían creado comunas oficiales y ya había una reacción
trayectoria criminal del famoso homicida Charles Manson, cuyo cabello largo y barba desaliñada lo
hacían ver como un hippie más.
Los hippies surgieron como respuesta a las políticas keynesianas aplicadas en los Estados Unidos
luego de la Segunda Guerra Mundial. Estas políticas tenían efectos influyentes sobre la vida de la
población e incentivaban el consumo constante como mecanismo de crecimiento social y
económico. Esto produjo un adormecimiento de las luchas sociales reivindicativas en los Estados
Unidos, fomentando la comodidad y el aburguesamiento. La familia pasó a ser así el núcleo de la
sociedad, controlada fuertemente por valores conservadores, sexistas, racistas, religiosos y
profundamente anticomunistas, promovidos por el macartismo gubernamental, en plena Guerra
Fría contra el comunismo (Corea, Vietnam, etc.).
Los hippies se caracterizaban por su búsqueda de la libertad individual y la igualdad social, y por su
defensa de la paz y la no violencia como formas de solucionar los conflictos. Estos valores se
reflejaban en su estilo de vida, que promovía la convivencia comunitaria y la cooperación entre los
miembros de la comunidad. Estas creencias y valores se manifestaban en la forma de vestir, la
música y el estilo de vida de los hippies, que buscaban una vida más natural y espiritual, alejada de
los valores tradicionales y materialistas de la sociedad de la época. Uno de los aspectos más
importantes del movimiento era su crítica al sistema capitalista y al consumismo desenfrenado que
caracterizaba a la sociedad de la época.
Marcha de
LA CONTRACULTURA HIPPIE
conservadora e intensa, que intentaba asociar el movimiento con crímenes raciales e incluso con la
Hippies en los
60s
33
REFLEXIÓN
En un principio, cuando no estaba informada acerca de cómo surgieron los hippies, solo pensaba y veía lo
superficial por medio de las vestimentas y los típicos gráficos acerca del amor y de la paz; y creía que era
solo un tipo de estilo de moda. Con el tiempo, al informarme de todos estos acontecimientos, me di cuenta
de lo ignorante que era y de lo importante que era este movimiento, ya que es impresionante que desde la
década de los 60 ya existían grupos en donde criticaban al gobierno y abogaban por la igualdad, la libertad,
la no violencia, entre otros, y que de alguna manera todo este pensamiento lo podemos observar hasta el día
de hoy.
Desde mi punto de vista, es bueno e interesante que este movimiento nos invite a reflexionar sobre lo que
pasa en nuestro entorno, ya sea directa o indirectamente, y a cuestionarnos y buscar alternativas; y no solo
eso, sino también a concientizarnos sobre el medio ecológico que, hoy en día, es un tema muy importante
por los cambios que suceden en el mundo.
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Ambos términos están estrechamente relacionados y comparten la misma preocupación por el
medio ambiente, los problemas sociales y culturales que afectan a la industria textil.
El término moda orgánica o ropa ecológica se refiere a prendas fabricadas con fibras cultivadas
según los estándares de producción ecológica. La Norma Textil Orgánica Global (GOTS) define los
requerimientos globales para asegurar la condición orgánica de los productos textiles. Estos
productos son comercializados de manera justa, lo que implica mejores condiciones para los
trabajadores del sector y una menor exposición a productos químicos peligrosos.
La moda sostenible se enfoca en satisfacer las necesidades del presente sin comprometer la
habilidad de generaciones futuras para satisfacer sus propias necesidades; se refiere no sólo al
producto en sí, sino a todo su ciclo de vida, incluyendo las materias primas, fabricación,
manufactura, terminado, transporte, venta y uso.
Es importante destacar que la industria de la moda es la segunda industria más contaminante en el
mundo, y cerca de 80 billones de nuevas prendas son compradas al año. Comprar ropa sostenible,
ecológica y de calidad es una forma de contribuir a la conservación del planeta.
ECOALF
MODA ECOLÓGICA
La moda ecológica y sostenible son términos cada vez más relevantes en el mundo de la moda.
Es una marca de moda sostenible que fue fundada en el año 2009 por su actual CEO, Javier
Goyeneche. La idea detrás de la marca surgió a raíz del nacimiento de sus hijos, Alfredo y Álvaro, y
la preocupación por el futuro del planeta que les iba a tocar vivir. El objetivo principal de Ecoalf era
crear una marca de moda verdaderamente sostenible que no siguiera utilizando los recursos
naturales del planeta de manera indiscriminada, para asegurar las necesidades de las futuras
generaciones.
La empresa se enfocó en el reciclaje como una solución viable para reducir la cantidad de residuos
que se producen, y para ello, se esforzó por crear productos reciclados con la misma calidad y
diseño que los mejores productos no reciclados. Doce años después, la visión y la misión de Ecoalf
continúan siendo fuertes y transparentes. La empresa reconoce que el planeta está enviando señales
inequívocas de la necesidad de actuar y que la responsabilidad de la moda es una de las más
grandes del mundo, y la segunda que más contamina.
La empresa reconoce que su responsabilidad va más allá de los negocios y cree que tienen la
oportunidad y la responsabilidad de repensar el modelo económico que queremos para el futuro.
Ecoalf cree que la sostenibilidad debe ser la base de cualquier negocio exitoso en el futuro y está
comprometida en seguir liderando el camino hacia un futuro más sostenible en la industria de la
moda. La empresa se enorgullece de su enfoque ético y sostenible y cree que es importante para el
futuro de nuestro planeta.
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REFLEXIÓN
En la actualidad, podemos darnos cuenta que somos una sociedad muy consumista. Algunos comentan que
el consumismo es positivo ya que puede generar empleos, fomentar el progreso y estimular la economía.
Sin embargo, hay otros que simplemente creen que el consumismo genera impactos negativos como la
generación de residuos, el cambio climático, entre otros.
Sabemos que la industria de la moda vende, pero lo que no todo el mundo sabe, o no es consciente, es que
es la segunda industria más contaminante del mundo, no solo por los desechos de toneladas de ropa que se
pueden encontrar en la basura, sino también por el tema de materiales y químicos que se necesitan para
crear todas estas prendas.
Desde mi punto de vista, es un tema un poco triste, ya que lamentablemente a pesar de que hoy en día haya
más conciencia sobre la industria de la moda, muchas personas van a seguir consumiendo de una manera
inconsciente, pero creo que solo nosotros, los que en realidad nos preocupa, vamos a poder poner, por lo
menos, un granito de arena para poder enfrentar toda esta problemática.
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IDEOLOGÍAS
A lo largo de la historia, el arte ha sido utilizado como una herramienta para promover ideologías y
servir a regímenes políticos y religiosos. En muchos casos, se ha creído que el arte debía llevar un
mensaje específico y, cuando una ideología busca imponer su presencia totalitaria en la cultura,
tiende a crear una estética uniforme y restrictiva para garantizar la seguridad.
Durante el siglo XX, regímenes como el comunismo y el fascismo rechazaron el arte moderno y
buscaron una imposición total que dejaba poco margen de libertad para los artistas. Desarrollaron
programas culturales para poner el arte al servicio de sus intereses, y aunque no existía un
programa específico del arte, había preferencias claras que negaban la libertad creativa y la
diversidad en el arte.
El comunismo consideró al arte como una herramienta de lucha científica contra la ideología
burguesa y reaccionaría del imperialismo. Cualquier obra que no cumpliera con los criterios del
régimen era considerada "patológica". El régimen soviético adoptó una estética académica que había
sido propugnada por la misma burguesía capitalista que supuestamente era su enemiga de clase. El
uso de murales y carteles políticos fue un medio propagandístico efectivo para ambos regímenes
totalitarios, tanto el soviético como los fascismos europeos.
El realismo socialista que se desarrolló en regímenes como el comunismo y el fascismo no era un
arte que reflejara la realidad de manera fiel, sino más bien una distorsión ideológica al servicio de
la propaganda política. Aunque se presentaba como una oposición al idealismo, el realismo
socialista no dejaba de ser otra idealización, una representación falsa y manipulada de la realidad.
En el caso particular del fascismo, se ausentaban temas muy reales como la explotación, el
imperialismo o el terrorismo de Estado.
En el caso de España durante la dictadura franquista, el régimen utilizó la estrategia de imagen de la
alegría andaluza, representada por castañuelas y panderetas, para establecer una imagen positiva de
la dictadura en el imaginario colectivo de la época. Además, el régimen utilizó recursos
iconográficos vinculados al tema religioso, en los que se presentaba al líder como figura próxima a
la composición de la iconografía cristiana, al igual que la madre. De este modo, el jefe era
presentado como el conductor del sagrado destino del Estado, al igual que Cristo de su religión.
La propaganda también hacía uso de comparaciones históricas, como la equiparación de Hitler con
Enrique el León, Stalin con Alexander Nevsky, Mussolini con Augusto, y Franco con los Reyes
Católicos o Don Pelayo, líder de la Reconquista. Estas figuras históricas eran presentadas como
modelos a seguir y como símbolos de grandeza y heroísmo, lo que permitía al régimen justificar su
propia existencia y su papel en la historia. También se utilizaban imágenes que asociaban al
régimen con la modernidad y el progreso, como la construcción de infraestructuras y edificios
públicos.
En resumen, tanto el comunismo como el fascismo utilizaron el arte como una herramienta de
propaganda política al servicio de sus intereses ideológicos y políticos. En lugar de permitir la
libertad creativa y la diversidad en el arte, se impuso una estética uniforme y restrictiva para
15
37
garantizar la seguridad del régimen. El realismo socialista, que pretendía representar la realidad de manera
objetiva y fiel, se convirtió en una forma de manipular la realidad para servir a los intereses del régimen.
Por su parte, el régimen franquista utilizó la propaganda para establecer una imagen positiva de la
dictadura en el imaginario colectivo y justificar su papel en la historia de España.
ALEKSANDR RÓDCHENKO
Aleksandr Mijáilovich Rodchenko fue un artista polifacético de la Rusia de los años 20 y 30, un momento de
experimentación creativa sin límites gracias a la joven revolución. De estos experimentos nació el
constructivismo, una mezcla de arte, ingeniería, diseño, publicidad y política al servicio de la revolución.
Ródchenko empezó su carrera fascinado por las vanguardias y las influencias de Malevich y Tatlin marcaron
su carrera. Con la revolución se alineó con los bolcheviques y fue nombrado Director de la Oficina del
Museo y del Fondo de compras en 1920, donde descubrió la propaganda como forma de arte al servicio de la
revolución.
Al principio cultivó un arte puramente formal, pero después se llenaría de objetivos y mensajes sin
abandonar su vanguardismo. Siempre experimentó y trabajó con la fotografía, creando novedosos
fotomontajes de los que se convirtió en maestro. Su uso desconcertante de la foto, siempre buscando el
compromiso social, saldría de Rusia para extenderse por el mundo.
Con Stalin, se acabó la creatividad y se pasó al Realismo Socialista, pero la influencia de Rodchenko en la
fotografía y la propaganda persiste. A pesar de las restricciones, Rodchenko siempre buscó nuevas formas
de expresión artística y su legado continúa inspirando a los artistas actuales.
.
Rechevik, 1929
Poster for the State Airline Dobrolet. (1891-1956)
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REFLEXIÓN
Desde pequeña me hacía la pregunta sobre el por qué mis padres decidieron emigrar a otro país y no volver
o quedarse en China siendo su país natal. Siempre veía que admiraban al país, que si decías algo no tan
bueno del país de donde provenían se enojaban o lo defendían y creo que de alguna manera ellos eran, y
siguen siendo, muy patriotas de su país.
Si investigamos sobre la historia, China no era una potencia mundial como lo es hoy en día. Mis abuelos y
mis padres cuando eran jóvenes vivieron en el comunismo chino y cada vez que me comentaban sobre
cómo vivían era muy difícil para ellos, ya que al ser gente del campo eran los que lo pasaban peor hasta el
punto de no poder obtener algo de comer, es por ello que decidieron irse del país para poder tener una vida
mejor, y gracias al esfuerzo que hicieron podemos, hoy en día, vivir bien sin preocupaciones. Pero a pesar
de todo lo que sufrieron en un principio, siguen creyendo en el gobierno y lo defienden.
Cuando viajé a China, especialmente a la capital de Pekín, se observaba en casi todas partes la imagen de
Mao Tse-Tung, de un tamaño grande y además propagandas del gobierno. Lo impresionante era que el
pueblo lo admiraba a pesar de todo lo que sufrió el país. También, pude observar que cada vez que ven
noticias o programas en los canales chinos, siempre hablan bien de su propio país, pero en muchas
ocasiones mal de otros países (esto dependiendo de la situación). Con esto me parece que es una muestra de
que aunque la sociedad china de ahora está tratando de liberarse y criticar al gobierno, el gobierno hace
todo lo posible para evitar esto y controlarlos aún más.
En mi opinión, nunca voy a poder entender el nivel de patriotismo que tiene la mayoría de la gente de allá.
Me parece muy difícil pensar que gran parte de la sociedad controlada vive feliz con los engaños del Estado,
pero de todo esto agradezco haber nacido en otro lugar y poder ser de alguna manera “libre” de todo lo que
ocurre en China.
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CIENCIA
Desde los orígenes del diseño como disciplina académica en la primera mitad del siglo XX, el diseño
y la ciencia han estado relacionados de diversas maneras. Sin embargo, en la actualidad, la
interconexión entre estas dos áreas se ha vuelto aún más importante, ya que la fusión de estas
disciplinas puede llevar a importantes avances y descubrimientos en ambos campos.
La profesora Neri Oxman ha propuesto un ciclo de creatividad de Krebs para visualizar la relación
entre estas dos disciplinas. En este ciclo, el diseño y la ciencia se sitúan en puntos opuestos del
círculo, y la fusión de estas dos disciplinas puede llevar a un avance fundamental en ambas. Esta
conexión incluye tanto la ciencia del diseño como el diseño de la ciencia, así como la relación
dinámica entre estas dos actividades.
El mundo es complejo y variado, y las necesidades humanas son igualmente diversas. Por esta razón,
los ingenieros, filólogos, antropólogos, guionistas, filósofos, psicólogos, economistas y muchos otros
perfiles pueden tener un papel importante en el diseño de soluciones adecuadas a estas
necesidades. A veces, incluso la tarea más difícil puede ser identificar correctamente la necesidad
que debe ser abordada.
Tanto la ciencia como el diseño tienen la capacidad de responder a necesidades y definir nuevas
necesidades. Sin embargo, la sutileza reside en la naturaleza de estas necesidades y preguntas. La
ciencia se ocupa de responder preguntas que surgen de la observación del entorno natural, desde la
comprensión del átomo que nos forma hasta la observación de la galaxia que nos rodea. En
contraste, el diseño se ocupa de identificar necesidades que surgen de criterios sociológicos,
económicos, políticos y tecnológicos.
En la obra de Herbert Simon, "Las ciencias de lo artificial", se distingue entre preguntas y
necesidades, y se argumenta que estas últimas pueden ser consideradas "artificiales" ya que están
influenciadas por los factores antes mencionados. La ciencia, por otro lado, se preocupa por
responder preguntas que surgen naturalmente.
Aunque el diseño a menudo se asocia con la estética y la creatividad, en realidad es una disciplina
que utiliza metodologías específicas para la resolución de problemas, con un toque humano al
entrar en escena el criterio personal y la experiencia. El diseño tiene propiedades cualitativas más
que cuantitativas y pertenece a las ciencias sociales.
A diferencia del arte, el diseño no es una expresión personal que satisface un capricho, sino que
responde a una problemática de un contexto específico, cuya solución debe cumplir con ciertas
características para que sea funcional y relevante. Ninguna solución es igual a otra ya que las
problemáticas y contextos son únicos en cada proyecto.
Para llegar a una solución de diseño funcional y relevante, se utiliza un método probado, repetible y
medible que tiene bases científicas. Hay factores económicos, sociológicos, semióticos, psicológicos y
hasta filosóficos que intervienen en el proceso de diseño y que pretenden responder ciertas
interrogantes como lo hace el método científico.
La conexión entre diseño y ciencia se vuelve aún más relevante en el contexto actual, donde la
tecnología está cambiando rápidamente el mundo en el que vivimos. La innovación tecnológica
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está impulsando la aparición de nuevas necesidades y problemas, y el diseño se encuentra en una posición
privilegiada para abordar estos desafíos a través de la aplicación de enfoques científicos y metodologías
probadas. Por ejemplo, la biotecnología y la nanotecnología están abriendo nuevas posibilidades en áreas
como la medicina y la energía, y el diseño puede ayudar a traducir estos avances científicos en soluciones
prácticas y accesibles para el público en general.
La sostenibilidad es otra área en la que el diseño y la ciencia pueden trabajar juntos para abordar los
desafíos ambientales y crear soluciones más eficientes y responsables.
KM3
El procesador de alimentos KM 3, diseñado por Gerd Alfred Müller, fue un producto revolucionario en su
época, ya que se diferenciaba radicalmente de los mezcladores americanos que dominaban el mercado en
aquel momento. Estos mezcladores solían seguir el estilo ágil y cromo-pesado típico de los productos
estadounidenses, a menudo parecían fabricados por Chevrolet. En contraposición, el KM 3 presentaba un
diseño elegante y sencillo que recordaba a las maquinillas de afeitar eléctricas de Braun de la época.
Sin embargo, este diseño no se basó en intentar injertar el estilo de un producto en otra categoría, sino en
la necesidad de crear una forma suave y sin rasgos que fuera fácil de limpiar. La eficacia del diseño del KM
3 se puede comprobar en su larga producción, ya que ha estado en el mercado durante más de treinta años
con ligeras modificaciones. En resumen, el procesador de alimentos KM 3 fue un excelente ejemplo de cómo
un diseño innovador y bien pensado puede transformar un producto y establecerlo como un éxito duradero
en el mercado.
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CYLINDRIC T2
El encendedor cilíndrico T2 de Braun es una obra maestra del diseño industrial y fue fabricado entre 1968 y
1970 por la empresa alemana Braun AG, en Frankfurt, Alemania e Irlanda. Este impresionante encendedor
fue diseñado por el famoso diseñador alemán Dieter Rams, quien se inspiró en el desarrollo de la tecnología
de encendido magnético para crear una pieza de arte funcional.
Rams quería diseñar un encendedor que fuera más que una herramienta para fumar, sino que fuera un
pequeño objeto escultórico que fuera un placer de mirar y usar. Con esto en mente, creó un encendedor de
escritorio que no estaba diseñado para ser guardado en el bolsillo, sino para ser parte de los artículos
imprescindibles del escritorio de un ejecutivo, otorgándole un status al acto de encender un cigarrillo.
El reto principal de Rams con el T2 fue identificar el lugar preciso en el lado del cilindro donde el pulgar
podría aplicar la mayor presión a la almohadilla de encendido magnético. La versión 6822/730 plexiglass es
un encendedor con la cubierta exterior transparente, lo que permite ver el mecanismo interior de
encendido.
El T2 Braun cilíndrico forma parte de la colección permanente de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte
Moderno (MoMA) en Nueva York. Este encendedor es parte de la serie de encendedores T1, T2 y T3 de
Braun, siendo el T2 el favorito de Dieter Rams y quizás por eso se convirtió en el más destacado de los tres
modelos.
El encendedor T2 de Braun no era un producto destinado para el público en general, sino para altos
ejecutivos en los años 70. Este encendedor ofrecía un toque de elegancia y sofisticación al escritorio,
haciendo que el acto de encender un cigarrillo fuera algo más que una simple acción de fumar. A finales de
los años 60 y 70, la aerolínea escandinava SAS (Scandinavian Airlines System) utilizó los modelos T1 y T2 de
Braun, así como otros encendedores como el "Hamilton", o los encendedores japoneses "IM Corona" y
"Zenith" con el logo de la aerolínea grabado como presentes para sus clientes especiales.
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en Ulm, Alemania, que adoptó el legado conceptual de la escuela Bauhaus y creó su propio proyecto
pedagógico que ha influenciado el diseño industrial en todo el mundo. Los fundadores de la escuela,
Max Bill, Inge Aicher-Scholl y Otl Aicher, desarrollaron un enfoque metodológico integrado con la
industria que generó productos y sistemas incluidos en el proceso industrial, en lugar de objetos
simples enfocados en su belleza.
La escuela se dividió en cinco departamentos: Diseño de producto, Comunicación visual,
Construcción, Informática y Cinematografía, y fue dirigida al principio por Max Bill, un exalumno de
la Bauhaus que buscaba fusionar el mundo del arte con las artes aplicadas y el diseño. En 1956,
Tomás Maldonado, un pintor, diseñador industrial y teórico del diseño argentino, se convirtió en
rector y cambió la orientación de la educación hacia procesos científicos y tecnologías para la
producción en masa, aboliendo los talleres artesanales.
La escuela enfatizó la estrecha relación entre diseño y tecnología mediante la inclusión de
asignaturas científicas, como la ergonomía, y las ciencias sociales, como forma de comprender el
ESCUELA ULM
La Escuela de Ulm, establecida en 1953 y cerrada en 1968, fue una institución universitaria con sede
entorno para los diseñadores. Sus diseños han seguido siendo referentes en el diseño industrial,
como la vajilla apilable TC100, diseñada por Hans "Nick" Roericht, versátil y económica, que en la
actualidad sigue siendo muy popular y ha sido copiada en numerosas ocasiones.
La escuela de Ulm fue probablemente el proyecto pedagógico más influyente en el sector del diseño
industrial, en sus efímeros 15 años de vida, Ulm pasaría de asumir el legado conceptual de la
Bauhaus a renegar de sus planteamientos. De abordar el diseño de objetos a desarrollar productos y
sistemas. De entender al diseñador como un artista a plantear su trabajo como una herramienta al
servicio de la industria.
Uno de los principales legados académicos de la Escuela fue la vinculación del proyecto pedagógico
con la industria; un modelo actualmente ampliamente aceptado en la práctica totalidad de las
escuelas de diseño de todo el mundo. La propia Braun de Dieter Rams, estuvo fuertemente vinculada
con Ulm, hasta el punto que uno de los proyectos de la escuela, del estudiante Herbert Lindinger y
tutorizado por Hans Gugelot, supondría para el fabricante alemán el inicio de su popular serie de
transistores durante los años sesenta, lo que se convirtió en un gran éxito para la empresa y en un
hito en la historia del diseño industrial. La influencia de la Escuela de Ulm en el diseño industrial se
puede ver en muchas marcas y productos populares de hoy en día, como los productos de Apple,
Muji y Braun. La escuela enfatizó la importancia de la relación entre el diseño y la tecnología, y
cómo ambos podrían trabajar juntos para crear productos útiles y estéticamente atractivos para el
consumidor.
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REFLEXIÓN
En la actualidad podemos observar que con el avance de la tecnología, el diseño y la ciencia está mucho más
presente. Si analizamos muy bien los objetos, podemos darnos cuenta que para crearlos se tuvo que aplicar
métodos y conocimientos científicos en los procesos del diseño de cada uno; creando una importancia
mucho más alta en el tema de las necesidades.
Me parece interesante que desde los años 60s el diseño se haya fusionado con la ciencia, creando objetos
que además de ser muy funcionales y que cumplen con lo que se necesita, tengan una estética muy marcada
por el minimalismo y lo moderno, haciendo que visiblemente parezca de un alto valor económico.
Además de la importancia que le dan a su creación, y también, que la sostenibilidad pueda estar presente en
la creación de estos objetos o estructuras que existan este tipo de diseño, ya que al ser partidaria de lo
sostenible y el cuidado de la naturaleza, no solo es importante para mí, sino que también lo es para muchas
personas que se preocupan por el medio ambiente y lo que ocurre hoy en día.
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CULTURA POP
El término "cultura popular" se refiere a la variedad de manifestaciones culturales que son
consumidas por un público amplio, incluyendo la música, la literatura, el arte, la moda, el baile, el
cine, la cibercultura, la radio, la televisión, entre otras. A diferencia de la cultura académica o
letrada, la cultura popular no requiere de una formación académica o formal para su disfrute y
acceso.
Este concepto surgió en el siglo XIX para referirse a las formas de cultura asociadas a las clases
sociales desfavorecidas, en contraposición a la cultura de las élites, también conocida como "cultura
oficial". En este contexto se hablaba de "alta cultura" y "baja cultura". Hoy en día, la noción de cultura
popular se vincula más con el folklore y las tradiciones locales, en contraposición a la cultura global
o internacional que es característica de las redes digitales y el mundo 2.0, o de las emisiones
masivas de televisión; por esta razón, se prefiere utilizar el término "cultura de masas" o
"mainstream" en lugar de "cultura popular".
La cultura pop, por otro lado, es un término más reciente que se utiliza para definir los fenómenos
sociales propios de una época, los cuales pueden ser representativos de la moda, los slangs, las
costumbres, la comida y los productos culturales de consumo masivo, como las películas y las series.
Debido a esto, la cultura pop está en constante evolución y cambio. Los medios masivos de
comunicación han jugado un papel fundamental en el desarrollo de este concepto, ya que las
personas obtienen influencia directa del entorno mediático para adoptar ciertas modas o
costumbres.
A través de la cultura popular y la cultura pop, los individuos establecen ideales de comportamiento
y adquieren una identidad común. De acuerdo con el sociólogo estadounidense Tim Delaney,
actualmente los deportes y la televisión son dos de los elementos de la cultura popular que tienen un
mayor consumo y poder de permanencia.
Delaney también menciona que muchas veces la fuente de la cultura popular es la individualidad, lo
cual puede resultar en la creación de estilos únicos que inspiran a otras personas y se convierten en
algo popular. A pesar de las nuevas tendencias que surgen constantemente, cada persona tiene la
libertad de adoptarlas de acuerdo con sus preferencias y personalidad, lo que permite la diversidad
y la creatividad.
En la actualidad, las tendencias son impulsadas por la originalidad y la búsqueda del bien común. La
tecnología ha acelerado la manera en que surgen las tendencias y los nuevos estilos, y ahora
cualquiera puede convertirse en un icono de la época e influir en la sociedad con sus ideas. Romper
con los esquemas establecidos es visto como algo positivo, y gracias al internet, cualquier estilo de
vida, opinión o forma de actuar puede volverse viral. Las celebridades, influencers y personajes
ficticios son algunos ejemplos de lo que se ha adoptado como cultura pop.
La clave está en utilizar el poder que nos brindan las nuevas tecnologías para canalizar ideas
positivas que tengan un impacto beneficioso en la sociedad. En resumen, la cultura pop ha
evolucionado y nos brinda una oportunidad para promover el cambio positivo en la sociedad.
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¿QUIÉNES FUERON SUS REPRESENTANTES EN UN INICIO?
El Pop Art es una manifestación artística que surgió a finales de los años 50 y principios de los 60, como
una crítica a la sociedad de consumo y la cultura popular. Los objetos cotidianos, la publicidad y los
artículos de consumo comercial se convirtieron en los principales temas de este estilo artístico.
Los años 60 fueron una década revolucionaria y caracterizada por la rebeldía y los cambios sociales.
Durante este período surgieron grandes iconos de la moda que adoptaron distintos estilos de vestir que
incluían los pantalones acampanados, los estampados, los colores vibrantes y las minifaldas
controversiales. Jackie Kennedy, ex primera dama de los Estados Unidos, fue una de las mujeres que no
tuvo problemas en lucir estos estilos y, por lo tanto, inspiró a muchas otras a seguir sus pasos.
Asimismo, la actriz Marilyn Monroe, quien murió en los años 60, es hasta el día de hoy un símbolo de
belleza y liberación femenina y ha sido musa de inspiración de grandes artistas como Andy Warhol.
Audrey Hepburn es un ícono de la cultura pop debido a su estilo único y elegante, que sigue siendo una
fuente de inspiración para muchas personas en la actualidad. Además de ser una talentosa actriz y
bailarina, fue reconocida por su activismo humanitario y su trabajo como embajadora de UNICEF. Su
imagen ha sido utilizada en numerosas ocasiones en la moda, el arte y la publicidad, lo que demuestra
su impacto en la cultura popular. Desde su famoso vestido negro en "Desayuno en Tiffany's" hasta su
peinado y maquillaje icónicos, Audrey Hepburn sigue siendo una influencia en la moda y la cultura pop
décadas después de su muerte.
En la década de los años 80, Michael Jackson y Madonna se convirtieron en iconos de la moda y la
música. Jackson era famoso por su chaqueta de Thriller, su guante blanco de lentejuelas y sus pasos de
baile icónicos, mientras que Madonna se destacaba por su estilo feminista y liberal. Ambos artistas
ayudaron a popularizar el género pop, que sigue siendo uno de los preferidos por el público en la
actualidad.
En los años 90, Britney Spears se convirtió en la princesa del pop y cautivó a su audiencia con su estilo
de colegiala y bailes seductores. Este look se ha convertido en uno de los más icónicos de la década y ha
sido recreado en diversos productos de entretenimiento. Además, la moda de colegiala sigue siendo
popular en la actualidad y ha sido utilizada por celebridades como Ariana Grande.
La nueva era del nuevo milenio se caracteriza por la comunicación de masas y la tecnología, con el
cambio de milenio llegaron nuevas eras marcadas por la controversia y la comunicación de masas.
Britney Spears cambió su look de colegiala por una cabeza rapada y las canciones románticas fueron
desplazadas por la Era Emo, que marcó los inicios de la primera década de los años 2000. Este nuevo
estilo se caracterizó por el uso del color negro, el flequillo de lado, los tenis Vans, las perforaciones en
la cara y el maquillaje oscuro tanto en mujeres como en hombres.
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Aunque muchos conozcan las obras de Warhol y los brillantes colores y onomatopeyas del Pop Art, no
todos conocen realmente el movimiento y lo que sus artistas buscaban con sus obras. Nació como una
reacción al Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista, cambiando las raíces
surrealistas por las dadaístas. El Pop Art utilizó la comunicación de masas y la sociedad consumista
como fuente de inspiración, creando obras que reflejaban la sociedad en la que vivían.
LA MODA DE COCO CHANEL
Gabrielle Bonheur Chanel nació en Saumur, una pequeña ciudad de la región francesa del Loira, el 19 de
agosto de 1883. A pesar de provenir de una familia humilde, Gabrielle se convirtió en un ejemplo de mujer
que triunfa gracias a su talento y carisma. Era la segunda de cinco hermanos, y cuando su madre murió de
tuberculosis, ella y sus hermanas fueron enviadas a un orfanato.
Durante su estancia en el orfanato-convento de Aubazine, Gabrielle aprendió habilidades como la costura, el
bordado y el planchado. La austeridad del lugar tuvo un gran impacto en su pensamiento y forma de ver la
vida. Después de salir del orfanato, Gabrielle consiguió trabajo como costurera en la ciudad de Moulins,
pero aspiraba a algo más grande y se propuso alcanzarlo a cualquier costo.
En 1905, en plena Belle Époque parisina, Gabrielle actuó como cantante en un cabaret llamado La Rotonde
frecuentado por oficiales de caballería. Fue allí donde adoptó el nombre artístico por el que se la conoce
mundialmente: Coco Chanel. Su nombre artístico hacía referencia a una de las canciones que interpretaba,
llamada "Qui qu'a vu Coco?" (¿Quién ha visto a Coco?). En esa época, Coco conoció a un joven heredero de
una empresa textil llamado Étienne Balsan, quien le ayudó a inaugurar una tienda de sombreros en la rue
Cambon de París en 1909. Gracias a los contactos de Étienne, Coco empezó a introducirse en el exclusivo
mundo de la moda parisina que, de otra manera, le habría resultado inaccesible. La tienda fue un éxito casi
instantáneo y el nombre de Coco se hizo popular rápidamente. En 1913, Coco abrió una segunda tienda de
ropa femenina en Deauville.
Gracias al éxito de sus tiendas, Coco se propuso modernizar la moda femenina, eliminando el corsé y
fomentando el uso del pantalón entre las mujeres. En palabras de la propia diseñadora, "La moda es
efímera, pero el estilo permanece. Todo mi arte consistió en cortar lo que los demás añadían". Con un look
más cómodo y un corte masculino, Coco abrió su tercera tienda de ropa en la localidad de Biarritz.
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial y las mujeres obligadas a trabajar en las fábricas, Coco se
reinventó y amplió su negocio a nuevas facetas, como la perfumería. En 1921, triunfó con el lanzamiento del
perfume Chanel nº5, creado por el perfumista de origen ruso Ernest Beaux.
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También diseñó joyería, destacando en el diseño de collares de perlas y broches, elementos que han jugado
un papel importante en la moda hasta el día de hoy. Entre sus creaciones más icónicas se encuentran los
collares de perlas, los cuales se convirtieron en un símbolo del estilo de Coco Chanel. Además, también creó
diseños innovadores en la forma y el uso de las telas, introduciendo nuevos materiales y técnicas en la
industria de la moda. Por ejemplo, Chanel fue una de las primeras diseñadoras en utilizar tejidos como la
lana de punto y el jersey en la confección de prendas de alta costura.
Otro de los aspectos innovadores de Chanel fue su enfoque en la comodidad y la funcionalidad en la ropa
femenina, algo que no se veía en la moda de la época. Introdujo prendas como pantalones para mujer,
chaquetas de corte recto y faldas cortas que permitían una mayor movilidad y libertad de movimiento.
Además, sus diseños de vestidos con corte imperio y línea A permitían ocultar las curvas y disimular la
figura, algo que rompía con la tradicional moda ajustada y ceñida al cuerpo.
COCO CHANEL VS ELSA SCHIAPARELLI
En la primera mitad del siglo XX, Coco Chanel y Elsa Schiaparelli eran dos diseñadoras de referencia en el
mundo de la moda. Chanel ya había revolucionado el mundo de la moda femenina casi tres décadas antes,
gracias a un estilo simplificado que combinaba la practicidad y la elegancia. Por otro lado, Schiaparelli era
una figura emergente en el mundo de la moda gracias a sus diseños influenciados por el surrealismo, un
movimiento cultural que estaba ganando terreno en las altas esferas de la capital francesa.
Sin embargo, la rivalidad entre Chanel y Schiaparelli era legendaria; continuó durante muchos años, y a
pesar de que Chanel fue la clara vencedora después de la Segunda Guerra Mundial, nunca tuvo una buena
relación con Schiaparelli. Esta última se había convertido en su gran rival en la década de 1920 y se había
coronado como la nueva reina del punto, algo que no le había hecho mucha gracia a Chanel. En una fiesta
de disfraces, Chanel sorprendió a los presentes invitando a bailar a Schiaparelli, lo cual resultó
sorprendente debido a la enemistad entre ambas diseñadoras. A medida que avanzaba la danza, Chanel
condujo a su rival hacia un candelabro con velas encendidas que prendieron fuego al disfraz de
Schiaparelli. Varios invitados tuvieron que intervenir para apagar las llamas, lo cual puso fin al incidente.
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de Munich para hacer referencia al material artístico barato. La palabra se originó en la jerga
alemana y algunos autores creen que deriva de la palabra inglesa "sketch", mal pronunciada por los
artistas de Munich, y aplicada a las imágenes baratas compradas como souvenirs por los turistas
angloamericanos.
Otra interpretación sostiene que su origen se encuentra en el verbo alemán "verkitschen", que
significa "fabricar barato". También se lo asocia con el verbo "kitschen" que, en el sudoeste de
Alemania, significa "recoger basura de la calle y hacer muebles nuevos a partir de los viejos".
KITSCH
El término "kitsch" comenzó a ser utilizado entre los años 1860 y 1870 por pintores y comerciantes
En la primera década del siglo XX, "kitsch" se convierte en un término internacional que implica la
noción de inadecuación estética, sentimentalismo y consumo masivo. Este tipo de arte busca la
aceptación comercial y estética de un público amplio, razón por la que, hasta fechas recientes, ha
sido intensamente cuestionado.
En su obra "El kitsch", el crítico de arte Clement Greenberg establece que el kitsch se caracteriza por
su falta de calidad, tanto en términos técnicos como artísticos. Sin embargo, para el filósofo y crítico
de arte Mario Perniola, el kitsch es un fenómeno complejo que se basa en la manipulación de los
códigos estéticos y la cultura popular para crear objetos y producciones artísticas que puedan ser
comprendidos y disfrutados por un amplio espectro de público.
A.Moles cita cinco principios de los objetos kitsch: el de inadecuación, es decir, un distanciamiento
con la funcionalidad de ese producto: el objeto se encuentra al mismo tiempo bien y mal ejecutado,
bien porque está bien acabado y mal porque la concepción original del producto se encuentra
tergiversada; el de acumulación, contrario a la idea de pureza del clasicismo; el de percepción
sinestésica (múltiples lecturas), el de mediocridad (nace como arte de masas) y el principio del
confort: los objetos kitsch no plantean al espectador conflicto alguno.
En última instancia, el kitsch es un término que hace referencia a las cosas falsas o de mala calidad.
No se trata simplemente de un "mal gusto" subjetivo y arbitrario. Existen cualidades objetivas en el
arte que nos permiten determinar si algo es kitsch o de calidad. Si algo es valioso o es vulgar,
"barato" o intrascendente. La belleza, la verdad y la emoción son elementos esenciales en la
búsqueda de la autenticidad y la calidad en el arte. La visión poética nos ayuda a encontrar
significado en la vida y a luchar contra la angustia existencial. La alimentamos a través del arte y,
aunque dedicamos nuestra vida a perseguir la belleza, también es importante estudiar lo que es todo
lo contrario. Así, podemos llegar a definir el kitsch como "lo no auténtico" o "aquello que busca de
manera artificial y grosera satisfacción emocional de la mayoría".
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REFLEXIÓN
Hablar sobre cultura pop hoy en día es muy amplio, ya que podemos observar distintos personajes ya sean
en la televisión, en la música, en redes sociales, entre otros., que influyen en la sociedad.
Desde que era adolescente, y se puede decir que hasta hoy en día, siempre me ha interesado acerca de la
vida de los artistas y que de alguna manera ha influido mucho en mi vida y en la manera de como soy
ahora. Era una especie de gusto y distracción al enterarme de los dramas que ocurrían y siguen ocurriendo,
pero que actualmente aunque me guste, trato de que ciertos elementos no influyan en mi vida, ya que con el
tiempo me he dado cuento que la mayoría de veces son cosas muy banales y que solo sirven para entretener
el momento.
Si hablamos de la cultura basura, es casi lo mismo, debo decir que aunque en ocasiones me parece
interesante, llegan a un punto en donde generan estrés y si lo analizamos bien, nos damos cuenta que son
cosas que arruinan la mente de los demás volviendolos mas ignorantes o “tontos”. Lamentablemente es algo
que no podemos cambiar, ya que hay muchas personas, principalmente personas mayores, que lo
consumen y no hay que negar que todo esto es una forma muy fácil de vender.
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LO EFÍMERO
Algo efímero se refiere a algo que tiene una duración breve, ya sea una sensación, una forma de
vida, un fenómeno de la realidad o cualquier otro referente. Lo efímero es transitorio, fugaz e
impermanente, lo que significa que, con el tiempo, siempre desaparecerá o se transformará en algo
diferente.
El término efímero se deriva del griego bizantino ephêmeros, que significa "de un solo día" o
"alrededor de un solo día". Originalmente, se usaba para referirse a fiebres pasajeras según el
médico griego Hipócrates en la antigüedad; este término ingresó al idioma latino a través de la
literatura médica.
En nuestra cultura, lo efímero a menudo tiene una connotación negativa, ya que tendemos a valorar
las cosas que perduran en el tiempo. El término se utiliza comúnmente para describir publicaciones
que pierden valor después de ser leídas o con el transcurso del día, como los periódicos y otros
materiales desechables o de poco valor. También se aplica a aquello que es cambiante y, por lo tanto,
poco predecible y poco confiable. Sin embargo, lo efímero también puede ser apreciado por su
propia naturaleza. Los filósofos explican que la conciencia de la muerte es lo que nos permite
percibir y disfrutar nuestra existencia, sabiendo que no durará para siempre. En última instancia,
nosotros mismos somos efímeros, y este conocimiento nos permite no solo apreciar la belleza de la
vida, sino también planificar para un futuro en el que ya no estaremos presentes, pero otros sí lo
estarán.
DISEÑO EFÍMERO
El diseño efímero se refiere a la creación de objetos y espacios que tienen una duración limitada. Es
utilizado en situaciones en las que el diseñador o artista necesita plasmar una idea o concepto de
manera clara y precisa en un espacio determinado. Ejemplos de diseño efímero incluyen
exposiciones en vidrieras, eventos y escenografías, así como objetos de moda que cambian con las
temporadas. En el diseño industrial, el diseño de productos de usar y tirar y la obsolescencia
programada también son ejemplos de diseño efímero.
Los espacios de diseño efímero son normalmente temporales, flexibles, de bajo coste y en algunos
casos innovadores. Estos pueden incluir stands, escaparates, escenografías y decoraciones para
teatro, cine o televisión, así como instalaciones artísticas para eventos y congresos. Cada uno de
estos espacios tiene su propia especialización y objetivos únicos.
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ARQUITECTURA EFÍMERA
La arquitectura efímera ha estado presente en la historia desde la época antigua, centrándose en grandes
ceremonias públicas y celebraciones. Durante el Barroco, se le dio gran importancia debido al concepto de
la fugacidad de la vida y a una mayor atención a los actos lúdicos y ceremoniales. En los siglos XIX y XX, las
Exposiciones Universales fueron un campo de prueba para nuevos materiales y tipologías constructivas, y
muchos edificios y stands efímeros se conservaron como estructuras definitivas. La arquitectura efímera es
una forma de diseño en constante evolución, que abarca una amplia gama de objetos y espacios, y que sigue
siendo una herramienta importante para la expresión artística y la innovación en la arquitectura y el diseño
en general.
Existen arquitecturas habitables efímeras, como las arquitecturas nómadas, obsolescentes y de emergencia.
La arquitectura nómada se desarrolló originalmente en los pueblos nómadas, pero también se han creado
proyectos de ciudades no sedentarias desde la década de 1940. La arquitectura obsolescente utiliza edificios
prefabricados y elementos reutilizables, mientras que la arquitectura de emergencia busca la economía de
recursos mediante la construcción inmediata y rápida para momentos de catástrofes naturales, guerras o
para mejorar la residencia de grupos desfavorecidos.
La arquitectura efímera tiene características distintivas respecto a otros trabajos de arquitectura. Por
ejemplo, se encarga del desarrollo de estructuras de coste bajo, para lo cual se utilizan materiales asequibles
y con una relación calidad-precio ajustada. Esto no quiere decir que sean de peor calidad, puesto que la
estructura tiene que soportar bastante peso en muchas ocasiones. Además, las construcciones efímeras
pueden ser extremadamente complejas.
Una construcción de arquitectura efímera se caracteriza también por ser flexible y adaptable a los requisitos
del espacio y del proyecto para el que se levanta. Por eso, tiene que tener un montaje y desmontaje lo más
sencillo posible. Los encargados de diseñar y construir espacios de arquitectura efímera siempre están
investigando nuevas técnicas y tecnologías para que estas construcciones sean innovadoras. En resumen, la
arquitectura efímera sigue siendo una herramienta importante en la arquitectura y el diseño, y está en
constante evolución para seguir satisfaciendo las necesidades del mundo moderno.
POP UP
Las tiendas físicas de pop-up son establecimientos temporales que aparecen de manera rápida y por un
período limitado de tiempo, generalmente semanas o meses. Estas tiendas suelen instalarse en espacios
comerciales vacíos, galerías, mercados, eventos o incluso en lugares no convencionales.
Las tiendas pop-up se caracterizan por su naturaleza efímera y su capacidad para crear una experiencia
única y exclusiva para los clientes. A menudo están asociadas con marcas o diseñadores emergentes que
desean generar atención y generar interés en sus productos de una manera novedosa.
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OBSOLESCENCIA PROGRAMADA
La obsolescencia programada es una práctica común en la industria moderna. Se trata de la planificación
intencional de la vida útil de un producto, lo que implica establecer un momento en el que dejará de
funcionar correctamente. De esta manera, el fabricante puede asegurarse de que el cliente tendrá que
reparar o reemplazar el producto en un plazo determinado.
Un ejemplo clásico de la obsolescencia programada es la bombilla que sigue encendida después de más de
100 años de uso continuo en el Parque de Bomberos de Livermore, California. Esta anécdota ilustra la idea
de que si todas las bombillas duraran tanto tiempo, los fabricantes se quedarían sin compradores y la
industria colapsaría. Por esta razón, los fabricantes programan la vida útil de sus productos para que sean
reemplazados con regularidad, asegurándose así un flujo constante de compradores y un compromiso de
oferta-demanda viable.
La idea de la obsolescencia programada fue planteada por primera vez por Bernard London, un agente
inmobiliario, en 1932 en su informe "Ending the depression through planned obsolescence" (Finalización de
la depresión a través de la obsolescencia programada). El objetivo era evitar una crisis económica como la
del crac del 29.
Está relacionada con el ciclo de vida de un producto, que consta de varias etapas: desarrollo,
introducción/lanzamiento, crecimiento, madurez y declive. En algún momento, los clientes dejarán de
consumir un artículo porque un nuevo producto lo reemplaza. La obsolescencia programada es una forma
en que los fabricantes aseguran que sus productos sean reemplazados con regularidad.
La obsolescencia programada se utiliza en una amplia variedad de productos, incluyendo celulares,
computadoras, tablets, impresoras, lavadoras, secadoras de cabello, microondas, refrigeradores y pantallas.
Estos productos fallan con frecuencia y sin razón aparente, lo que hace que a veces sea demasiado caro
repararlos o que sea imposible encontrar piezas de repuesto. En algunos casos, estos productos están
diseñados para no ser desmontados. Los fabricantes utilizan diferentes tipos de obsolescencia programada
para reducir deliberadamente la utilidad de sus productos. A veces, las fallas son irreparables o
inexplicables, mientras que otras veces sacan al mercado versiones nuevas de los equipos para incitar a
nuevas compras y estar a la moda.
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En definitiva, la obsolescencia programada es una práctica que afecta a los consumidores y al medio
ambiente, ya que genera una gran cantidad de residuos y aumenta la huella de carbono de la industria.
EXISTEN DIFERENTES TIPOS DE OBSOLESCENCIA PROGRAMADA:
Obsolescencia programada: Se programa la vida útil de un producto para que deje de funcionar después
de un determinado número de usos.
Obsolescencia indirecta: El producto dañado no dispone de piezas de recambio para repararlo, por lo
que queda inservible.
Obsolescencia funcional por defecto: Ocurre cuando un componente del dispositivo falla y deja de
funcionar todo el aparato.
Obsolescencia por incompatibilidad: En servicios informáticos, dejan de lanzar actualizaciones para el
correcto funcionamiento del producto y se queda obsoleto.
Obsolescencia psicológica: Aparecen nuevos modelos de una misma categoría, por lo que el producto
queda “pasado de moda”.
Obsolescencia estética: Cuando un producto en buen estado se reemplaza por otro más moderno o con
un diseño más atractivo.
Obsolescencia por caducidad: Se reduce artificialmente la vida de un producto por su fecha de
caducidad o de consumo preferente aunque aún sea consumible.
Obsolescencia ecológica: Se justifica el abandono de un producto en perfecto estado por otro que se
promociona como más eficiente o más respetuoso con el medio ambiente.
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tendencias en cualquier ámbito, ya sea en el mercado o en la moda de un producto, que se pueden
reflejar y visualizar en plataformas digitales como YouTube. El objetivo de este mecanismo es
destacar y dejar una marca a través del tiempo, ya sea a largo, mediano o corto plazo. La diferencia
entre una tendencia alcista y una tendencia bajista es un aspecto crucial que se tiene en cuenta en el
mercado en general.
Este patrón social es el resultado del comportamiento y estilo de las personas para mantenerse en el
tiempo con el producto a comercializar, así como de las estrategias de marketing que se pueden
aplicar en el trending en general. Aunque no existe una definición exacta, se puede afirmar que una
tendencia de moda no nace ni desaparece por sí sola, sino que es la repetición de un patrón en un
período corto de tiempo lo que se considera una tendencia.
TENDENCIAS
En la actualidad, existe un mecanismo social que implica la identificación y análisis técnico de las
El término "tendencia" es el resultado de profundos estudios sobre el comportamiento de las
personas y de los acontecimientos sociales que originaron el uso de ciertas cosas. Las tendencias no
solo se limitan a la moda, sino que abarcan una variedad de aspectos que afectan la vida cotidiana.
De hecho, existen agencias de renombre como WGSN o Trendo.mx en México que se dedican a
pronosticar tendencias. Estas agencias realizan un estudio profundo del comportamiento humano,
así como de los problemas sociales y acontecimientos importantes que pueden afectar a la
población. También se toman en cuenta factores históricos, políticos, económicos y estéticos; no
obstante, no solo las grandes agencias proponen tendencias, sino que también diseñadores de visión
futurista o personas en la calle pueden proponer nuevas tendencias.
En el proceso de crear una tendencia, las grandes firmas exponen sus creaciones para el mundo, y
estas se filtran a tiendas de ropa más accesibles. Las personas influyentes en el ámbito se encargan
de reafirmar lo que se presenta por las marcas, y luego las personas que siguen a estos personajes
comienzan a replicar lo que ven, siempre desde su perspectiva y poder adquisitivo; es así como una
tendencia toma fuerza.
Este proceso se puede dividir en tres grupos de personas. El primer grupo es el arriesgado, que
utiliza la tendencia al momento de salir tal cual y como se presenta. El segundo grupo es más
amplio que el anterior y adopta las tendencias fijándose en el primer grupo. Por último, la tendencia
queda asentada y llega a las masas. En ese momento, el primer grupo desecha esa tendencia por
considerarla masificada y se suma a otra nueva al proceso.
Es común que una tendencia se presente tiempo antes de ser utilizada, y al ser creada, se califica de
arriesgada. Veinte años después de ser utilizada, se considera ridícula por estar pasada de moda, y
cincuenta años más tarde es el tiempo suficiente para que sea retomada. Siempre que una
tendencia regresa, se modifica y se adapta al tiempo actual, pero sin perder la esencia de lo que fue,
por eso es común escuchar que todo vuelve o que la moda es cíclica.
55
REFLEXIÓN
Me parece muy innovador el crear diseños que sean efímeros, pero lo que más me llama la atención son los
diseños que se observan en la naturaleza, que luego con el tiempo desaparecen como si nunca hubieran
existido. Si hablamos del diseño efímero sobre objetos y prendas; vivimos en una época en donde el
consumismo está muy presente en la vida de todos. Podemos observar distintas tendencias en la moda, en la
tecnología, entre otros., que surgen todos los años y que son efímeras, ya que son fenómenos temporales
que van surgiendo y cambiando constantemente.
En la actualidad podemos encontrarnos con una infinidad de cosas que posiblemente, no todas ellas, tienen
una duración muy baja y en ocasiones esto es debido al material o la decisión de las empresas de crear
objetos que no duren mucho para que en el futuro las personas sigan y sigan consumiendo. Lo triste de esto
esto es que mientras más generamos productos que tengan un duración muy efímera, más contaminamos
al medio ambiente y no todo el mundo es consciente de ello.
En mi opinión, es fascinante estar presente en un mundo tan cambiante, pero que lamentablemente al ser
muy consumista se genera ciertos problemas como lo medioambiental.
56
ARTE CONCEPTUAL
LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
El impresionismo es un movimiento artístico del siglo XIX que buscaba plasmar la luz con
pinceladas cortas y rápidas en tonos puros, obteniendo colores vibrantes. Sin embargo, esta
corriente se centraba más en la belleza y el romanticismo de lo expuesto que en la idea detrás de la
obra. A partir del siglo XIX, surgieron corrientes artísticas que renunciaron a la idea y se centraron
en lo expresivo o lo formal, lo que llevó a que gran parte del arte posterior fuera muy formalista.
Incluso en el siglo XX, un movimiento como el expresionismo abstracto se centró únicamente en la
forma, sin contenido.
Fue entonces cuando jóvenes artistas de los años 60 decidieron superar la idea de que el arte debía
ser un objeto, y comenzaron a centrarse en el concepto o idea como el aspecto más importante de la
obra. Aparecieron así los artistas del arte conceptual en Estados Unidos, Asia, Sudamérica y Europa.
El Arte Conceptual como movimiento artístico se caracteriza por eliminar toda referencia al objeto,
centrándose únicamente en el concepto. La ejecución es algo superficial, y lo realmente importante
es la planificación y las decisiones que se toman de antemano. A veces, la obra final es solo un
boceto, y lo que importa es la idea que transmite.
Los artistas pueden valerse de muchas cosas para transmitir su idea, desde técnicas tradicionales
hasta el texto, la fotografía, el video o la performance. A veces, la obra es un telegrama, un manual
de instrucciones, una conversación o incluso una lata de mierda.
El arte conceptual requiere una mayor atención por parte del espectador, e incluso su participación
activa. Gracias a este movimiento, se ha colado mucha "mierda" en museos y galerías, como en el
caso de "La fuente" de Marcel Duchamp, el ejemplo más conocido de arte conceptual. Este
movimiento ha abierto la puerta a una corriente artística sin precedentes, en la que el significado
que el artista le quiera dar es lo más importante, más allá de la belleza, técnica, paleta o materiales
utilizados en la obra.
SILLA CUBIERTA DE GRASA
La
vida
de
Joseph
Beuys
cambió
repentinamente, cuando pilotando su Stuka, un
bombardero alemán en plena Segunda Guerra
Mundial, una tormenta de nieve lo hizo
estrellarse en una aldea de Crimea, donde fue
rescatado por un grupo de nómadas tártaros,
que utilizando grasa animal y fieltro para
calentarlo, le salvaron la vida.
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sencillos, efímeros y alejados de los que estaban de moda en el mercado del arte y la tradición
académica.
Aunque no fueron los primeros artistas en utilizar materiales humildes, los artistas del Arte Povera
fueron quizás los primeros en utilizarlos intencionadamente después de la crisis económica que
sufrió Italia tras el fugaz boom que siguió a la II Guerra Mundial. El empleo de materiales pobres
surge como un rechazo al consumismo de la civilización moderna y una forma de prever el efecto
que la industrialización y la mercantilización tendrían sobre el arte.
Los artistas unieron su tradición milenaria con el consumo de masas y fusionaron técnicas y
soportes, considerando pintura, escultura, collage, instalación y performance como la misma cosa.
Arte y vida se dieron la mano, como en la mayoría de los movimientos artísticos contemporáneos.
El material es fundamental para los artistas povera, desde su fabricación y manipulación hasta su
relación con el entorno. Es común que materiales industriales dialoguen con otros naturales, y la
jerarquía de los materiales deja de existir. El término "pobre" no se refiere al aspecto económico de
los artistas, sino a su actitud de desafiar el sistema comercial de las galerías de arte mediante el uso
de materiales empobrecedores.
El espíritu contracorriente y antiartístico que unió a los artistas del Arte Povera fue también el
resultado de la atmósfera de cambio político revolucionario que caracterizó el final de la década de
1960 en Italia. La actitud subversiva y libertaria de los artistas del movimiento se subrayó en el
artículo de Germano Celant, "Arte Povera. Appunti per una guerriglia" (Arte Pobre. Notas para una
guerra de guerrillas), que definió el movimiento y fue esencial para establecer la identidad colectiva
del grupo.
Mario Merz, "Sin Título", Serie Iglús 1968-2003. P A Black.
LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
finales de la década de 1960 y 1970. Este movimiento se caracterizó por el uso de materiales
ARTE POVERA
El Arte Povera, o Arte Pobre, es un movimiento de arte contemporáneo que se desarrolló en Italia a
58
CONTINGENTE - ESCULTURA ORGÁNICA
EEn 1969, Eva Hesse creó la obra Contingent utilizando fibra de vidrio y resina de poliéster. Esta pieza
consiste en ocho bandas paralelas colgando del techo y perpendiculares a la pared, ocupando el espacio de
manera tridimensional. Al permitir el acceso a través de diferentes ángulos, el espectador puede recorrerla
en su totalidad. La obra evoca tanto la delicadeza como la organicidad, dando la sensación de haber sido
desgarrada.
Aunque Contingent se asocia con el minimalismo debido al contexto en que surgió y al uso de la repetición
como estructura formal, Hesse no buscaba la imagen única. Cada parte de la obra es diferente, lo que se
aleja de la idea de serialidad y nos hace pensar en algo vivo. Con esta obra, Hesse modificó los gestos del
arte y cuestionó cualquier discurso estético vigente. La pieza no es pintura, escultura ni representación, sino
materia impregnada de gesto que justifica tanto la metodología como el contenido. Hesse unió y resignificó
diferentes códigos, alejándose de las convenciones estéticas conocidas hasta el momento.
Contingent, que fue portada de la revista Artforum al año siguiente, produce un impacto brutal en el
espectador, generando una sensación de identificación con las tiras gigantes que cuelgan del techo.
La palabra "contingencia" se refiere a un suceso que puede o no ocurrir, especialmente en referencia a un
problema que surge de forma imprevista. Hesse falleció un año después de crear esta obra debido a su
enfermedad, lo que condicionó su capacidad de crear. Ella misma consideraba absurdo separar la artista de
su obra.
En comparación con los proyectos minimalistas, las obras de Hesse son piezas vivas que hablan de la
muerte que alguna vez fue vida. La obra de Hesse es un desgarro en el que las piezas caen y se expanden,
levantándose o pesando demasiado en ocasiones.
59
convencionales y mejores museos de arte del mundo. Su artista pionero fue el americano Robert
Smithson, cuyo trabajo coincidió con el desarrollo de una conciencia ecologista y la crítica al
materialismo y los excesos del capitalismo urbano.
Virginia Dwan, fundadora de la Dwan Gallery de Nueva York, fue la principal mecenas de la
corriente durante los años 60 y patrocinó las monumentales y efímeras esculturas de los artistas
pioneros, como Robert Smithson y Michael Heizer.
El Land Art consiste en crear obras de arte en espacios naturales o urbanos, en los que se explora la
relación del individuo con el espacio. Los artistas que trabajan en este estilo buscan propagar una
conciencia ecológica, planteando el respeto hacia la naturaleza y la necesidad de unión con el ser
humano. Por ello, utilizan elementos naturales para sus creaciones, como piedras, arena, agua e
incluso aprovechan fenómenos naturales como el viento o las mareas.
La importancia del paisaje es fundamental en este tipo de arte, creando un híbrido entre paisaje y
obra de arte. En muchas ocasiones, las obras de este tipo están expuestas a los cambios y la erosión
del entorno natural en el que se encuentran, por lo que algunas han evolucionado o simplemente
desaparecido. Por ello, resulta vital el registro fotográfico y las grabaciones del proceso y de la obra
terminada.
Las características principales del Land Art incluyen la importancia de la locación, ya que las obras
no se pueden trasladar, debido a las condiciones meteorológicas y la posibilidad de diferentes
perspectivas, lo que crea un objeto mutable y abierto a la interpretación. Además, el espectador
pasivo se convierte en un espectador activo al moverse alrededor de la obra para descubrir su
belleza desde distintos ángulos.
OBSERVATORIO
Robert Morris (Estados Unidos, 1931 - 2018) fue uno de los grandes exponentes del arte
LAND ART
ENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
El Land Art es un estilo de arte que surgió en los años sesenta y setenta, alejado de los
minimalista que surgió en la década del 60. También se dedicó a las performances y a explorar las
posibilidades que otorgaba el creciente Land art.
En el marco de la exposición colectiva internacional Sonsbeek 71 que se realizó en Holanda,
presentó un proyecto de observatorio en el que se cruzaban la arquitectura y la escultura. Para
llevar a cabo su obra, buscó un sector en la periferia en Santpoort (Velsen). Construyó dos anillos
concéntricos de tierra con aberturas orientadas hacia la puesta de sol en los solsticios de invierno
y verano. Luego, en 1977, el Museo Stedelijk de Amsterdam lo patrocinó para que pudiera construir
nuevamente su observatorio en Oostelijk.
Hoy, la obra se encuentra cubierta de pasto y está integrada a la llanura.
60
Morris
intentaba
emular
la
sensación
de
movimiento de los observatorios prehistóricos con
un enfoque temporal, centrado en los cuatro
amaneceres que marcan los cambios de estación.
Otro punto importante se encuentra relacionado
con el emplazamiento, pues al estar en "tierra de
nadie" se instala en el límite entre lo salvaje y lo
habitado.
REFLEXIÓN
Todo lo que tenga que ver con la naturaleza es un tema que me da mucho interés, ya lo he mencionado
anteriormente, como es en este caso el Land Art. Desde que entré al mundo del diseño fue uno de los estilos
que más me ha llamado la atención y de alguna manera se podría considerar un arte efímero, ya que a
pesar de que las obras se crean en la naturaleza, es un poco triste que no duren mucho tiempo por los
cambios que se generan constantemente en ella. También, como factor importante e interesante es que es
modo de crear conciencia ecológica y esto me da una sensación de inspiración y esperanza al ver que las
personas apoyan y están comprometidas a proteger los espacios naturales.
Cuando estuve estudiando diseño de modas tuve la oportunidad de hacer para una clase un proyecto sobre
una colección comercial propia, para mujeres, inspirado en las obras de arte de Andy Goldsworthy, en
donde me basaba en las formas ondulantes que componían muchas de sus obras, materiales naturales,
entre otros.
Fue uno de los proyectos en donde más lo disfruté y creo que el resultado fue bueno.
61
como mercancía y se proclamó como el antiarte. George Maciunas (1931-1978) fue el fundador
informal de Fluxus en 1962.
Los artistas de Fluxus han sido pioneros en la utilización de video y los aparatos de TV en sus obras,
dando lugar al videoarte, los videos objetos, las video performances, el happening y las instalaciones.
Entre los artistas más destacados del movimiento se encuentran Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam
June Paik y Yoko Ono.
Fluxus es un movimiento que se dio tanto en Europa como en Estados Unidos y se opone a la
tradición artística. Los límites entre las artes se diluyen y se combinan múltiples disciplinas. Las
acciones artísticas tienen mucho que ver con la performance, donde el artista interactúa con el
público y muchas veces realiza el arte con su participación.
Este movimiento se considera una especie de neo-dadá y sus artistas admiran al movimiento dadá
de la segunda década del siglo XX. Ambos comparten la idea de “refundar el arte” y cuestionan la
sociedad de consumo y el conformismo. También es en el dadá donde se inició la performance.
Fluxus quiere “democratizar” el arte, sacándolo de las élites y acercándolo a todo el mundo. Su
objetivo es hacerlo accesible tanto para el disfrute como para la creación, con la idea de que todos
puedan producir arte todo el tiempo. Joseph Beuys, uno de los referentes del movimiento, dijo que
“todo ser humano es un artista”.
Escrito por uno de sus fundadores, el lituano George Maciunas primero define lo que siempre ha
sido el arte y luego la idea de Fluxus de lo que debería ser:
MANIFIESTO ARTE/FLUXUS - GEORGE MACIUNAS
LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
entre los años sesenta y setenta del siglo XX. El movimiento se opuso al objeto artístico tradicional
FLUXUS
Es un movimiento de las artes visuales, la música y la literatura que tuvo su momento más activo
ARTE
Para justificar el estatus elitista, profesional y parasitario del artista en la sociedad,
debe demostrar la indispensabilidad y exclusividad del artista,
debe demostrar la dependencia del público con respecto a él,
debe demostrar que nadie más que el artista puede hacer arte.
Por lo tanto, el arte debe parecer complejo, pretencioso, profundo,
serio, intelectual, inspirado, habilidoso, significativo, teatral,
Debe parecer calculable como una mercancía, de modo que le proporcione
un ingreso al artista.
Para elevar su valor (el ingreso del artista y la ganancia de sus patrocinadores), el arte se hace para
que parezca raro, de cantidad limitada y por lo tanto obtenible y
accesible sólo para la élite social y las instituciones.
62
FLUXUS ARTE-DIVERSIÓN
Para establecer el estatus no profesional del artista en la sociedad,
debe demostrar la dispensabilidad e inclusividad del artista,
debe demostrar la autosuficiencia del público,
debe demostrar que todo puede ser arte y cualquiera puede hacerlo.
Por lo tanto, el arte-diversión debe ser simple, divertido, no pretencioso,
preocupado por las insignificancias, que no requiera habilidades o ensayos
interminables, que no tienen valor ni institucional ni como mercancía.
El valor del arte-diversión debe reducirse haciéndolo ilimitado,
producido en masa, obtenible por todos y eventualmente producido por todos.
El arte-diversión fluxus es la retaguardia sin ninguna pretensión
impulso de participar en la competencia de “llegar a otro nivel” con
la vanguardia. Apela por las cualidades monoestructurales y no teatrales
del evento natural simple, un juego o una broma. Es la fusión del
Vaudeville de Spike Jones, la broma, los juegos de niños y Duchamp.
Manifesto on Art / Fluxus Art Amusement by George Maciunas, 1965.
ME GUSTA AMÉRICA Y A AMÉRICA LE GUSTO YO
Conocida también como “El Coyote”, fue la primera performance realizada por el artista Joseph Beuys en los
Estados Unidos.
Beuys era prácticamente un Dios del arte conceptual en los círculos artísticos europeos, sobre todo por su
promoción del performance, y fue con esta obra como se ganó al arte internacional.
La obra comenzó justo en el momento del viaje desde Düsseldorf a Nueva York. Al llegar al aeropuerto,
Beuys se envolvió en una manta de fieltro, material fetiche del artista, y se apoyó en un gran bastón de
pastor, siendo conducido en una ambulancia hasta una galería donde compartió habitación durante 3 días
con un Coyote salvaje.
Los espectadores observaban a los dos especímenes tras una malla metálica y fueron viendo cómo el artista
hablaba con el animal, le ofrecía diversos objetos e interactuaban juntos. El coyote mordía el fieltro, rodeaba
al artista o se meaba en el Wall Street Journal, todo un símbolo del capitalismo.
Al final de los tres días, Beuys abrazó al coyote. Al parecer se habían hecho amigos y tal como vino, regresó a
Alemania sin haber pisado el suelo neoyorquino en todo el viaje.
¿Qué significaba todo esto? Según Beuys, la acción reflejaba:
63
“la historia de la persecución de los indios norteamericanos, además de la relación completa entre Estados
Unidos y Europa […]. Quería concentrarme sólo en el coyote. Quería incomunicarme, aislarme, no ver de
Estados Unidos más que el coyote […] e intercambiar roles con él.”
PEQUEÑA REFLEXIÓN
Lamentablemente es uno de los movimientos en donde no termino de entender lo que realmente los artistas
buscan transmitir.
64
minimalistas se distinguían por la creación de esculturas y pinturas frías, sólidas, lacónicas y
austeras, hechas con materiales industriales que aparecían en exposiciones y dominaban el espacio
de forma extraña, al estilo del monolito de "2001: Una odisea en el espacio".
El término "minimal" fue utilizado por primera vez por Richard Wollheim en 1965 para referirse a
las pinturas de Ad Reinhardt y otros objetos con un alto contenido intelectual pero de baja
manufactura.
A diferencia de otros movimientos artísticos de la época, el minimalismo se enfoca en la pura
contemplación intelectual y objetiva, dejando fuera toda emoción. Esto resulta interesante si
consideramos el contexto político y social en el que nació el movimiento, marcado por la lucha por
los derechos civiles y el activismo político.
Las obras minimalistas son rigurosas y precisas, así como los materiales industriales que se utilizan
en su creación. El artista minimal no esculpe ni suda, ni le salen callos en las manos de tallar
material; presenta su "propuesta" y es otro quien hace la pieza final, incluso eliminan todo rastro de
su huella, de autoría.
El minimalismo es un intento de poner un poco de orden en un mundo caótico, algo que es común
a todas las formas de arte. Es considerado el último movimiento de la modernidad, dando paso a la
posmodernidad. Los minimalistas trataron de romper las nociones tradicionales de escultura y
borrar las distinciones entre pintura y escultura. En particular, rechazaron el dogma formalista
propuesto por el crítico Clement Greenberg, quien impuso limitaciones al arte de la pintura y a los
artistas que parecían pintar bajo su dirección.
El punto de vista más democrático de los minimalistas se expuso en escritos y exposiciones de sus
líderes Sol LeWitt y Donald Judd, que abogaban por la igualdad de oportunidades para todos los
MINIMALISMO
ENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
El minimalismo es un movimiento artístico que tuvo lugar en Nueva York en los años 60. Los artistas
artistas. En última instancia, el minimalismo ha sido un movimiento revolucionario que ha
cambiado la forma en que pensamos sobre el arte y su relación con la vida cotidiana.
Una de las características más destacadas del arte minimalista es la utilización de formas y patrones
geométricos simples y repetitivos. Estas formas se reducen al mínimo, de tal forma que se consigue
una estética de simplicidad y limpieza visual. Además, se busca la repetición de estas formas y
patrones para crear un ritmo visual y una sensación de orden. Otra característica del minimalismo
es el uso de materiales no convencionales o industriales. Los artistas minimalistas a menudo
utilizan materiales como el acero, el vidrio o el hormigón para crear sus obras, lo que les da un
aspecto frío y despojado de sentimentalismo.
El monocromatismo es otra de las características del arte minimalista. La paleta de colores se
reduce a tonalidades neutras como el blanco, el negro y el gris, lo que refuerza la idea de
simplicidad y austeridad.
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Por último, el arte minimalista se caracteriza por la falta de un significado evidente o una emoción explícita
en las obras. Se busca una expresión libre de cualquier intención o mensaje, lo que provoca una reacción en
el espectador que se enfrenta a una obra que invita a la contemplación y la reflexión sin pretender
comunicar una idea o un sentimiento determinado.
DIBUJO DE PARED #370
Sol LeWitt fue un dibujante muy activo que creó miles de obras a mano hasta que en 1968 trasladó su arte
de papel a las paredes. Un excelente ejemplo de esto es su dibujo mural de 1982, que él tituló como un
"dibujo" en lugar de una "pintura". La obra consta de diez figuras geométricas, cada una construida con
bandas paralelas horizontales o verticales de tres pulgadas (7.62 centímetros).
Otra característica de esta obra es que es temporal y efímera. Son composiciones murales diseñadas para
una duración limitada y para ser destruidas al final, lo cual es bastante conceptual.
Para LeWitt, la idea era lo importante, y la realización de la obra era sólo un placer pasajero, por lo tanto, no
le importaba destruir la obra siempre y cuando se conservara la idea escrita en un papel. En realidad,
LeWitt no hacía la obra final él mismo. Él dejaba las instrucciones para la pieza definitiva en un papel o por
teléfono, y así no ensuciaba sus manos. En ocasiones, los montadores de una de sus obras no entendían
muy bien lo que quería decir el artista, y LeWitt les permitía interpretar la obra a su manera.
Lo mismo sucede en #370: sus ayudantes fueron quienes estamparon esta serie de 10 pinturas en blanco y
negro creando una instalación de varios metros de largo.
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DISEÑO SOCIAL
COMPROMIS
El diseño social es un enfoque interdisciplinario que se aplica a la resolución de problemas sociales
complejos, poniendo en primer lugar los desafíos sociales. Se trata de una disciplina que se dedica a
la creación de proyectos para mejorar la calidad de vida de las personas a través del diseño de
soluciones creativas, tecnológicas y estéticas que tengan un impacto social y ambiental positivo y
sean justas, inclusivas y sostenibles.
A diferencia del diseño convencional, el diseño social se centra en la creación de nuevas
condiciones sociales en ciudades, culturas empresariales, comunidades o equipos con el objetivo de
profundizar la participación cívica o cultural y aumentar la creatividad, resiliencia, equidad, justicia
social y salud humana. Durante este proceso, a menudo se desarrollan productos y servicios, pero
son un medio para un fin; parte de un sistema mayor que incluye dinámicas sociales invisibles, así
como artefactos.
El diseño social implica la incorporación de técnicas emergentes de investigación de usuarios en los
procesos de diseño para comprender verdaderamente a los usuarios y crear soluciones que sean
originales y entrañables. Además, se trabaja en colaboración con comunidades, grupos marginados
y expertos en diversas áreas para asegurar que las soluciones sean inclusivas y sostenibles.
En definitiva, el diseño social es una disciplina que busca mejorar la calidad de vida de las personas
a través del diseño de soluciones innovadoras, éticas y socialmente responsables. Es una forma de
abordar los desafíos sociales de manera creativa, colaborativa y efectiva para lograr un cambio
positivo en la sociedad.
DISEÑO DEMOCRÁTICO
El diseño democrático, también conocido como diseño universal, se enfoca en la accesibilidad no
solo desde una perspectiva funcional, sino en todos los aspectos que abarcan la accesibilidad de uso,
comunicativa, económica y más. Como sugiere su nombre, el diseño democrático busca ser
inclusivo para todas las personas, independientemente de su edad, discapacidad, capacidad
intelectual o estatus económico.
Sin embargo, el diseño democrático no se limita solo a la accesibilidad, sino que también se
preocupa por el compromiso social y ambiental. De hecho, este enfoque incluye el aprovechamiento
de recursos y los principios del diseño sustentable. En resumen, el diseño democrático implica un
compromiso moral con la sociedad y el ambiente.
Para poner en práctica estos ideales, el diseño democrático se basa en cinco pilares fundamentales:
la forma, la función, la calidad, la durabilidad y el precio. La forma se refiere a la calidad estética del
diseño, la función se refiere a la eficacia y facilidad de uso del objeto, la calidad se refiere al control
constante de los materiales y procesos de fabricación, la durabilidad se refiere a la sostenibilidad del
ciclo de vida del producto, y el precio se refiere a la accesibilidad económica y proximidad a los
puntos de venta e instaladores.
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VICTOR PAPANEK
Fue diseñador, autor, activista y uno de los pioneros más influyentes del siglo XX en el enfoque de un diseño
social y ecológico. Desde los años sesenta, Papanek promovió una visión del diseño centrada en la inclusión,
la justicia social y la sostenibilidad, siendo temas de gran relevancia en la actualidad. Su obra más
importante, Diseñar para el mundo real (1971), sigue siendo un referente para el diseño contemporáneo.
Las ideas de Papanek han trascendido al siglo XXI y su impacto se puede encontrar en los proyectos de
diversos diseñadores y artistas internacionales de áreas como el diseño crítico, social y activista. Papanek,
que escapó de la persecución nazi en Austria en 1939 y se estableció en los Estados Unidos, elaboró una
crítica al consumismo que lo hizo famoso en todo el mundo. Sus diseños, a menudo desarrollados en
colaboración con sus estudiantes o colaboradores, incluyen televisores y radios para países africanos,
vehículos eléctricos y la serie Living Cube (1973), muebles que el usuario puede montar y modificar según
sus necesidades.
Además de su obra como diseñador, Papanek impartió conferencias en universidades de todo el mundo,
inspirando a generaciones de estudiantes y promoviendo incansablemente un amplio debate social sobre el
diseño. Por ejemplo, a principios de 1961 fue moderador de un programa de televisión sobre diseño que se
emitió por todo Estados Unidos. Sus libros, como How Things Don’t Work (1977) o Design for Human Scale
(1983), han consolidado su reputación como pionero del diseño alternativo, utilizando un lenguaje incisivo y
el humor para criticar la fe ciega en el consumismo y adaptando las ideas de la generación de 1968 a la
hora de abordar las cuestiones prácticas de la vida.
En definitiva, la retrospectiva de Victor J. Papanek es una oportunidad para conocer la obra de un diseñador
visionario y comprometido con el diseño social y ecológico, cuya influencia se puede percibir en el diseño
contemporáneo y en la forma en que abordamos los retos del mundo actual.
“Estructura de juegos móviles tetradecaédrica” (1973-1975).
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procesos sociales, generar reflexión e influir en acciones. Los diseñadores son agentes políticos, ya
que su trabajo forma parte del metabolismo social en distintas áreas, desde acciones de consumo
hasta procesos educativos, políticas directas o iniciativas culturales. Es importante destacar que
ningún diseño puede ser neutral, ya que la ideología desde la cual se diseña es determinante en los
alcances y en la apreciación del objeto diseñado. Por lo tanto, el diseñador consciente debe asumir
su responsabilidad social.
La militancia en el diseño se refiere a la idea de que los diseñadores tienen la responsabilidad de
utilizar su trabajo para promover una causa o luchar por un movimiento social o político. En lugar
de simplemente crear soluciones estéticas o funcionales, el diseño militante busca influir en
procesos sociales, generar reflexión e influenciar acciones a través de sus diseños.
MILITANCIA
El diseño no solo es una herramienta para resolver problemas, sino también para influir en
El diseño militante se basa en valores sociales y políticos, y busca incentivar la convivencia justa
entre las personas, disminuir la violencia, promover una sociedad incluyente en clase, etnia y
género, respetar los derechos humanos y animales, fomentar la participación ciudadana en la toma
de decisiones, proteger el medio ambiente, y promover prácticas comerciales respetuosas.
La gráfica militante es un ejemplo común de militancia en el diseño. Se trata de piezas gráficas que
se usan en espacios públicos para transmitir mensajes políticos o sociales, promover la
desobediencia civil, o dar voz a grupos marginados o ignorados por la sociedad. Estas piezas pueden
ser carteles, stickers, graffiti, pinturas en el piso, entre otros, y normalmente caminan de la mano
con la ocupación de espacios extra-oficiales o prohibidos.
69
REFLEXIÓN
Me parece increíble como el diseño juega un papel muy importante a la hora de crear conciencia acerca de
diversos temas en el mundo. Sin embargo se puede observar en la sociedad como surgen diferentes
opiniones acerca de ello. Por un lado nos podemos encontrar personas que valoran y apoyan a este tipo de
diseño, ya que piensan que el diseño es como una herramienta para promover el cambio social y generar
conciencia sobre problemas importantes; pero por el otro lado consideran que el diseño solo debería tener
la finalidad y función de ser algo estético y utilitario, y que no debería involucrarse en cuestiones que no le
“competen”, como cuestiones políticas o sociales.
Recuerdo cuando empezó la pandemia por el covid y se creó un gran odio y violencia hacia los asiáticos por
la ignorancia y las falsas noticias que se propagaban en el mundo. Fue un tiempo muy duro y cuando
observe por redes sociales que la gran parte de los diseñadores y artistas apoyaban el Stop Asian Hate por
medio de sus obras, como por ejemplo en pasarelas de moda, fue algo muy solidario y esperanzador y creo
que todo esto ayudó en mucho a la causa. Desde mi perspectiva, es muy importante generar un impacto en
la sociedad y si con el diseño lo podemos lograr es aún mejor; a pesar de que aún exista gente racista o
xenófoba, me alegro de que por medio del diseño se haya podido informar y crear una empatía que, tal vez,
no se hubiera podido hacer en otros medios.
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TRANSGRESIÓN
El arte transgresivo se refiere a obras de arte que tienen la intención de transgredir, es decir, de
violar las normas morales y sensibilidades básicas. El término "transgresivo" se popularizó por el
cineasta estadounidense Nick Zedd y su movimiento "Cinema of Transgression" en 1985, que
exploraba temas tabú y chocantes en el cine underground.
Desde una perspectiva académica, la transgresión ha sido un elemento presente en el arte desde la
época del "Salon des Refusés" francés, el movimiento Dadá y el surrealismo. Filósofos como Mikhail
Bakhtin y Georges Bataille han investigado la naturaleza de la transgresión. Un libro destacado sobre
el movimiento transgresivo temprano es "Deathtripping: The Cinema of Transgression" de Jack
Sargeant.
Las obras transgresoras a menudo tratan temas relacionados con la dislocación psicológica y la
enfermedad mental, y hay una relación entre la transgresión social y la exploración de estados
mentales extremos. Por ejemplo, muchos dadaístas, surrealistas y artistas de Fluxus como Carolee
Schneemann han abordado estos temas. En la literatura, obras como "L'Étranger" de Albert Camus y
"The Catcher in the Rye" de JD Salinger también han sido consideradas transgresoras por su
representación de personajes desviados o antisociales.
En las últimas décadas, ha surgido un nuevo grupo de artistas transgresivos, como el canadiense
Rick Gibson, que ha creado piezas como pendientes con fetos humanos y ha comido un trozo de
testículo humano. En China, varios artistas se han hecho famosos por producir arte transgresivo,
incluyendo a Zhu Yu, quien publicó imágenes de sí mismo comiendo lo que parecía ser un feto
humano.
La música de rock and roll ha sido un género que ha inspirado controversia y ha utilizado la
transgresión como una forma de hacer una declaración o provocar. Bandas como Alice Cooper,
Slayer, Kiss, NWA, Iggy Pop, Misfits, GWAR y GG Allin, entre otros, han ofendido las sensibilidades
modernas con sus letras y actitudes escandalosas.
Entre las obras de arte transgresivo más conocidas están las esculturas, collages y obras de
instalación que han ofendido las sensibilidades religiosas cristianas, como "Piss Christ" de Andrés
Serrano, una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso de orina, y "La Santísima Virgen
María" de Chris Ofili, una pintura multimedia que incorpora estiércol de elefante.
71
PISS CHRIST
En la National Gallery of Victoria de Melbourne, hace 20 años, dos jóvenes entraron a la galería de arte. Uno
de ellos, de 18 años, distrajo a los guardias mientras el otro, de 16 años, sacó un martillo y un destornillador
para destruir una de las obras expuestas. La obra atacada era Piss Christ, una fotografía del artista
norteamericano Andrés Serrano que mostraba un crucifijo de plástico sumergido en la orina del autor.
Piss Christ forma parte de una serie de obras que utilizan fluidos corporales del propio artista, como la
sangre y el semen. Esta obra en particular había generado controversia en Melbourne debido a una petición
del obispo de Melbourne, George Pell, para prohibir su exhibición. El día de la apertura de la exposición, un
hombre también intentó descolgar la obra.
A pesar de la polémica, los atacantes solo recibieron una multa irrisoria y un compromiso de buena
conducta supervisada. Durante el juicio, el joven que había ejecutado el ataque declaró haber tomado la
decisión después de ver a su madre llorar por la obra.
La controversia en torno a Piss Christ no fue un evento aislado. En 1989, la obra fue objeto de debate político
en los Estados Unidos, cuando los republicanos Al D'Amato y Jesse Helms la utilizaron como ejemplo de las
políticas de concesión de subvenciones por parte de la National Endowment for the Arts.
Sin embargo, no todos se opusieron a la obra. La crítica de arte y monja católica, Wendy Beckett, interpretó
la fotografía como una representación de las humillaciones que aún se infligen a Cristo, y no se sintió
ofendida por ella. A pesar de ello, el director de la galería, Timothy Potts, decidió retirar la obra de la
exposición por miedo a futuros actos de vandalismo.
En definitiva, la controversia en torno a Piss Christ muestra cómo el arte puede generar opiniones
divergentes y cómo la libertad de expresión a menudo está en conflicto con los valores religiosos y políticos.
72
El accionismo es un movimiento artístico del siglo XX que se caracterizó por ser corto pero violento.
Fue una parte importante de las luchas independentistas y los esfuerzos por construir el "arte de
acción" en la década de los 60. Sus participantes más conocidos fueron Arnulf Rainer y Hermann
Nitsch, quienes tomaron forma en Viena, la capital austriaca, y reflejaron una tendencia en auge en
el arte moderno para explorar la performance como su principal modo de expresión.
Otros colectivos y movimientos influyentes que compartieron la misma visión son el grupo Fluxus, el
neodadaísmo, Nouveau Realisme y la abstracción gestual. El accionismo fue en esencia el trabajo de
cuatro contribuyentes y colaboradores: Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, Otto Muehl y Günter
Brus. Estos artistas definieron su forma de hacer arte con "acciones" que tenían como objetivo poner
en evidencia la hipocresía de las instituciones sociopolíticas austriacas, convencionales y de clase
media, sobre todo en el contexto de las secuelas de la Segunda Guerra Mundial.
artística de Europa en la década de 1960. Los Accionistas fueron pioneros en la representación de
eventos muy bien escenificados ante una audiencia en condiciones estructuradas. Aunque
comenzaron utilizando la pintura como su técnica principal, rápidamente se dieron cuenta de que
su futuro estaba en otra cosa. Decidieron abandonar los lienzos y el arte figurativo como forma de
expresión e hicieron un giro radical para usar el cuerpo humano como modelo para sus
exploraciones. El cuerpo humano, el suyo propio y el de los performers con los que colaboraban, se
convirtió en el escenario de sus actuaciones que redefinieron como "acciones."
HERMANN NITSCH
humanos de todo tipo, incluyendo piezas abstractas de salpicaduras y arte performance.
Hermann Nitsch es más conocido por su trabajo de performance Theater of Orgies and Mysteries
(1962-1998), que incluyó casi cien presentaciones en escena. Tiene muchas pinturas abstractas que
comparten el título de Splatter Painting y están identificadas con el año de su creación. Estos son en
su mayoría combinaciones de óleo y acrílico sobre lienzo. Cada una tiene una zona predominante
de pintura concentrada y variadas cantidades de derrames y goteos a través del lienzo. Normalmente
pintadas en una gama de colores, como rojo, todas estas pinturas están destinadas a transmitir la
intensidad de las actuaciones que las generó. Son telones de fondo para los eventos en escena de
live action que ocurren durante el espectáculo de Theater of Orgies and Mysteries. Durante los actos
teatrales de Hermann Nitsch, fue conocido por incorporar temas de sacrificio y rituales al
representar brutales escenas de crucifixión simbólica, sacrificio de animales, consumo de sangre, y
una plétora de rituales paganos animados por procesiones en túnicas, desnudez, exceso de bebida y
la adición de vísceras y entrañas a la utilería y actividades.
ACCIONISMO
Era un artista multimedia de Austria. Su trabajo en multimedia implica mostrar los excesos
73
LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
Aunque el movimiento duró poco tiempo, el accionismo contribuyó significativamente a la escena
Fue llamado "el papa del accionismo" en Viena. El movimiento trató de rechazar la pintura y escultura
tradicional ya que eran consideradas ilusiones en lugar de realidad. Al hacerlo, los participantes esperaban
crear arte que existiera en tiempo real, utilizando la violencia y el mundo corpóreo como temas. Hermann
Nitsch y los artistas que abrazaron los ideales del accionismo eran odiados y elogiados por su arte de
performance. Considerado por muchos como parte de un culto, otros artistas en este movimiento incluían a
Rudolf Schwartzkogler, Günter Brus y Otto Muhl.
REFLEXIÓN
Me parece interesante que a pesar de ser un movimiento muy corto, haya podido contribuir al arte,
generando distintas reacciones tanto positivas como negativas. Y que también, pueda ser usado como una
manera de reflexionar y de generar distintas experiencias sensoriales. Es impresionante como en el arte
accionista se puede observar tanta violencia y pasión con una gran participación emocional en ella.
En mi opinión, aunque es un movimiento muy interesante, es un poco fuerte para mi gusto, ya que todo lo
relacionado al odio o a lo violento es un tema que no es muy de mi gusto, y esto es debido a que soy muy
sensible a este tipo de cosas. Además de que al observar cómo usaban el propio cuerpo o la sangre real, me
generaba una sensación de asco. En resumen, el accionismo es, sin duda alguna, uno de los movimientos
artísticos que no han sido de mi agrado.
74
70, y que se opone al racionalismo, otorgando una gran importancia a las necesidades individuales.
Esta corriente fue impulsada por jóvenes diseñadores italianos, muy vinculados a los movimientos
de izquierda que revolucionaron el mundo del diseño. Estos diseñadores reivindicaban el jugar con
la estética, el pop art y sus variantes.
A partir de los años 60, se empezaron a utilizar nuevos materiales que permitieron que el diseño
pudiera llegar más lejos, y que muchos diseños pudieran ser creados en la realidad. Entre estos
materiales, se encontraban todo tipo de plásticos, especialmente el poliéster. Gracias a estos
materiales, el costo de los productos se redujo.
La goma o "rubber" fue otro material que se popularizó en la década de los 60, permitiendo dar una
estética redondeada, de moda en los 70. Surgió el movimiento de la "Rubber", con una voluntad
hedonista y feliz, en el que la tecnología debía adaptarse a las necesidades de las personas y no al
revés. Se empezó a optar por una estética blanda y colores llamativos.
La electricidad también se incorporó en el diseño y el arte, representando una nueva tecnología.
Esto también afectó a la industria musical, donde surgieron nuevos sonidos, aparatos para
manejarlos y nuevos instrumentos. La electricidad pasó a ser algo estético.
DISEÑO RADICAL
También conocido como "antidiseño" o "contradiseño", es una corriente que surgió en los años 60 y
ULTRAFRAGOLA
TEs un icónico diseño de Ettore Sottsass y fue creado en 1970 para la editora italiana Poltronova
como parte de su serie de muebles para el dormitorio y el salón, llamada Mobili Grigi. Este espejolámpara, con sus ondulaciones que recuerdan un cabello femenino, es una de las piezas más
reconocibles de la firma y lleva produciéndose sin interrupción desde entonces. A pesar de que el
resto de los diseños de la serie nunca pasaron de la fase de prototipo, Ultrafragola ha sido objeto de
culto para los amantes del diseño y la decoración desde su creación.
El tamaño generoso de Ultrafragola, casi dos metros de altura, y su elaboración en perspex opalino,
hacen que la pieza sea particularmente atractiva y sugerente. Al encenderse, adquiere un tono rosa
que ha enamorado a muchos decoradores y diseñadores, como Nicolas Ghesquière, quien tiene uno
en su hogar. El diseño preconizaba el gamberrismo y colorido del Grupo Memphis, del que Sottsass
fue piedra angular y autor de sus piezas más fotogénicas y conocidas.
A pesar de que Ultrafragola fue creado en un momento en que el diseñador se encontraba en pleno
proceso de divorcio, la pieza no refleja nada de amargura. Más bien, es una expresión de curvas,
sensualidad y alegría de vivir. El diseñador, un espíritu vanguardista y provocador, creía que el
diseño no debería estar limitado por la funcionalidad, sino que debería ser también sensual y
excitante. El diseño de Ultrafragola es una muestra clara de esa filosofía, en la que la utilidad queda
subordinada a la estética.
75
Para Sottsass, el diseño no resuelve problemas, sino que produce deseo. Como expresó en un decálogo
publicado en 1994 titulado Diseño: ¿Cómo serían las flores funcionales?: "El diseño no resuelve el problema:
produce deseo". Y Ultrafragola es una perfecta manifestación de esa idea, ya que su belleza es innegable y su
presencia, una adición impresionante para cualquier espacio.
76
El punk fue un movimiento cultural y musical que surgió en Inglaterra en la década de 1970, en una
época en la que la juventud se sentía desesperada e incierta acerca de su futuro. En aquel entonces,
surgieron bandas de música que representaban los ideales y el sentir de una generación marginada
y decepcionada del entorno, incluidos los hippies. Sin embargo, estos jóvenes insatisfechos, infelices
y molestos, no querían seguir la fórmula del éxito que seguían las bandas populares en ese
momento. Querían algo diferente, algo que representara lo que sentían y no lo que podría ser.
Así nació el escandaloso punk, que en sus inicios fue llamado así de forma despectiva. Fueron los
críticos y los medios quienes bautizaron a este género, que buscaba regresar al rock a su estilo más
primitivo y expresionista. Los punks no eran más que rockeros que buscaban música que
representara la cruda realidad y no visiones de posibles futuros, porque para la mayoría de ellos, no
había futuro.
Un reducido y audaz grupo de jóvenes comenzaron a hacer música mal hecha por así decirlo,
simple, con apenas tres acordes. Música sencilla, con letras cortas, repetitivas, francas y claras,
música fácil de tocar y que se tocaba muy rápido. No cuidaban la estética musical y no les importaba
en absoluto, muchos de los que después se convertirían en ídolos del punk, comenzaron siendo muy
malos músicos.
El objetivo era diferenciarse de las bandas que predominaban y ganaban popularidad rápidamente,
ellos no seguirían la fórmula del éxito, sino la de la rebeldía llevada a los extremos; querían alejarse
de los grandes medios de comunicación que habían convertido en millonarios a otros grupos y los
habían hecho olvidarse de la situación económica-política y social que atravesaban EUA y Reino
Unido.
El punk se convirtió en un movimiento que trascendió la música y se extendió a la moda, el arte y la
cultura en general. Su influencia se puede ver en diferentes manifestaciones culturales hasta el día
de hoy. A pesar de las críticas y controversias que generó, el punk sobrevivió y se convirtió en uno de
PUNK
los géneros más importantes e influyentes de la música contemporánea.
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VIVIENNE WESTWOOD, EL REFERENTE DEL PUNK Y LA
TRANSGRESIÓN DE LA MODA
Fallecida a los 81 años, fue una diseñadora británica icónica conocida por su actitud rebelde e innovadora.
Su legado en el mundo de la moda es invaluable y se extiende más allá de la ropa que creó. Desde sus
diseños transgresores hasta su activismo medioambiental, Westwood fue una verdadera pionera en su
campo.
Nacida como Vivienne Isabel Swire el 8 de abril de 1941 en Derbyshire, Inglaterra, Westwood tuvo una
carrera inicialmente diversa, trabajando como maestra de escuela y vendiendo joyas en un mercado en
Londres antes de dedicarse a la moda.
En 1971, fundó una boutique junto a Malcolm McLaren, representante de la banda Sex Pistols, que
revolucionó la moda y la cultura popular británica. La tienda, con nombres sugestivos como "Let It Rock",
"Too Fast To Live", "Too Young To Die" y finalmente "SEX", exhibía sus creaciones extravagantes y
transgresoras inspiradas en la estética punk y New Wave.
Tras su separación de McLaren, Vivienne Westwood encontró su verdadera pasión en la moda y comenzó su
carrera profesional en este campo. A pesar de que el movimiento punk ya había llegado a su fin, Westwood
mantuvo su espíritu reivindicativo y combativo a través de la moda, creyendo que esta podía ser utilizada
como una forma de protesta y un medio para cambiar la sociedad. Su estilo original fue adoptado por
grandes diseñadores como Karl Lagerfeld, Jean Paul Gaultier y Lacroix.
La marca de Vivienne Westwood se destacó por su subversión e irreverencia, elementos que han
permanecido presentes en toda su carrera. A medida que avanzaban los años ochenta y noventa, Westwood
añadió un ingrediente más a su estilo: el historicismo. Se adentró en los archivos de la moda para encontrar
prendas de diferentes épocas y adaptarlas a sus propios códigos de deconstrucción y reinterpretación. Desde
sus primeros días en World 's End, el desmontaje y reensamblaje de prendas ha sido su modus operandi.
Además de su carrera en la moda, Westwood también se destacó como activista medioambiental y luchó
contra la técnica de extracción de gas conocida como "fracking". Desde su lucha activa contra el cambio
climático y el consumismo desenfrenado en la industria de la moda, hasta su posición en contra de la
producción irresponsable que daña el medio ambiente y el maltrato animal, Westwood no tiene miedo de
hablar sobre lo que piensa y hacer que su voz se escuche. En 2012, presentó su iniciativa "Climate
Revolution" durante la gala de clausura de los Juegos Paralímpicos de Londres y apoyó a la organización
benéfica "Cool Earth", fundada por el diputado laborista Frank Field para preservar los bosques. Su último
ataque ha sido un "manifiesto" llamado AR (Active Resistance to Propaganda), en el que argumenta que el
arte es la herramienta más poderosa para cambiar el mundo hacia uno más justo y sostenible.
A pesar de que en ocasiones renegaba de la moda por "no ser muy intelectual", Westwood recibió múltiples
reconocimientos a lo largo de su carrera. Desde sus diseños transgresores hasta su activismo
medioambiental, el legado de Vivienne Westwood en el mundo de la moda es invaluable.
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79
REFLEXIÓN
El punk fue un movimiento muy importante en donde le rodeaba la música punk y las personas que son
aficionadas a ella.
Algo muy característico que podemos observar del movimiento es la estética
inconfundible que tienen con el uso de colores oscuros, cuero decorado, chaquetas, prendas rasgadas,
entre otros., y que, gracias a esto, reflejaba la rebeldía y la crítica que hacían contra los problemas sociales y
políticos que habían en el momento.
Actualmente, en cualquier parte del mundo, podemos obersvar que estas ideas todavía siguen muy
presentes, pero si hablamos de la estética punk, hoy en día no es tan frecuente encontrarnos con personas
que sigan con esta estética.
En mi opinión, el movimiento y la estética punk es muy impresionante, ya que a pesar de que varios de los
movimientos que surgieron en esa época tenían ideas muy similares o casi iguales y la estética de cada una
de ellas, era y es muy inconfundible. En temas de gustos, no es una estética que me convence del todo, ya
que me genera una sensación de exageración y mucha rebeldía. Además, siento que con mi personalidad no
iría bien.
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MENOS ES MÁS
El concepto de "Menos es más" es ampliamente conocido en el mundo del diseño y la arquitectura.
Se le atribuye a Mies van der Rohe, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX, pero en
realidad fue el diseñador industrial Peter Behrens quien acuñó la frase. Behrens fue un mentor para
muchos jóvenes arquitectos, incluyendo a Mies, y lo contrató para trabajar en la fábrica de turbinas
AEG en Berlín.
Behrens es considerado el primer diseñador industrial de la historia, y fue responsable de diseñar
toda la identidad corporativa de AEG. También alentó las carreras de varios arquitectos famosos,
como Le Corbusier, Walter Gropius, Adolf Meyer y Jean Kramer. Mies dijo que aprendió mucho de
Behrens, y que él le enseñó a buscar la unificación de todos los modos de expresión cultural.
Fue en la fábrica de turbinas de AEG donde Mies escuchó por primera vez la frase "Menos es más".
Mies trabajaba en el diseño del acristalamiento del oeste y la elevación del patio de la fábrica, y se
encontró con la tarea de hacer un dibujo de una fachada para la fábrica. Después de presentar
varios dibujos, Behrens le dijo: "Menos es más". Mies tomó la frase y la hizo suya, y se convirtió en
un principio fundamental en su trabajo de destilar los edificios y sus componentes en formas
simples y geométricas.
El minimalismo, que se basa en los preceptos de "Menos es más", se ha convertido en una corriente
importante en la arquitectura y el diseño contemporáneos. Los arquitectos minimalistas utilizan
colores puros, formas simples y geométricas, y materiales industriales en formas neutrales y
precisas. La limpieza es un aspecto fundamental de la estética minimalista, y se enfoca en la idea de
que todo es parte de todo. El espacio es también una de las cualidades más importantes de la
arquitectura minimalista, y se busca crear formas puras y simples que se integren perfectamente en
su entorno.
El minimalismo ha evolucionado con el tiempo, y hacia finales de los años sesenta alcanzó su
madurez. En la década de los ochenta, esta corriente ejerció una enorme influencia en la
arquitectura y el diseño, y sigue siendo una corriente relevante en la actualidad. "Menos es más"
sigue siendo un principio fundamental en el diseño minimalista, y se ha convertido en un lema
inspirador para aquellos que buscan crear formas simples y elegantes en su trabajo creativo.
La Neue
Nationalgalerie de
Berlín fue el
último proyecto de
Mies van der Rohe.
Se inauguró en
1968 poco después
de su muerte
81
grabado, entre otros. Tradicionalmente, al hablar de artes plásticas, nos referimos a un conjunto de
técnicas de elaboración de obras de arte en las cuales se emplean materiales que han de ser
modificados por el artista. Las artes visuales suelen dividirse en dos categorías: bellas artes y artes
aplicadas. Las bellas artes son una forma de arte que se considera que tiene un valor intrínseco,
mientras que las artes aplicadas son objetos que tienen una utilidad o función.
La pintura es una forma de arte visual en la que se utilizan los colores para crear un cuadro. La
escultura, por otro lado, es una obra de arte tridimensional que puede realizarse con muchos
materiales diferentes, como la madera, el metal y la arcilla. La orfebrería es el arte de fabricar joyas,
vajillas y otros artículos decorativos de oro, y el dibujo es una representación visual de la
información técnica en dos o tres dimensiones. El grabado, por su parte, es un arte visual que
consiste en tallar o grabar líneas y patrones en una superficie. La cerámica es una obra de arte
hecha con arcilla, que se puede moldear en casi cualquier forma y cocerse en un horno para hacerla
lo suficientemente dura y duradera como para utilizarla con fines funcionales o decorativos.
En las artes plásticas, también encontramos la artesanía, en la que el artista crea una obra que
requiere habilidad y técnica para crearla, utilizando solamente sus manos y herramientas. Con el
paso del tiempo y el desarrollo de nuevas tecnologías, este concepto se ha transformado, y ahora se
mezclan nuevas formas de expresión con diferentes formatos.
Los estudios de diseño en artes plásticas abarcan diferentes sectores, como el diseño de moda,
donde se crean vestidos, zapatos u otras prendas; y el diseño gráfico, que ha incrementado su
importancia en los últimos años debido al desarrollo de páginas webs, creaciones de logos para
marcas y la necesidad de tener una visión y un logo relacionado con la filosofía de una marca.
En el mundo de las artes plásticas, existen muchas subcategorías, cada una con sus propias
exigencias y oportunidades, y algunos artistas se adaptan mejor a los métodos tradicionales de las
bellas artes, mientras que otros prosperan en las artes digitales o gráficas. Algunos artistas se
sienten realizados principalmente como profesores, educadores, comisarios, escritores, productores,
entre otros, mientras que otros prefieren una carrera en puestos administrativos.
LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
vista y comprenden todas las formas de arte como la pintura, la escultura, la fotografía, el dibujo y el
ARTES PLÁSTICAS
También conocidas como artes visuales, se experimentan principalmente a través del sentido de la
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El esencialismo es una corriente filosófica que sostiene que las cosas tienen una esencia, una
naturaleza o un conjunto de propiedades que son intrínsecas a ellas y que las definen como lo que
son. Estas propiedades esenciales son consideradas como necesarias y permanentes, lo que significa
que un objeto perdería su identidad si perdiera alguna de estas propiedades.
Cuando se habla de la esencia o de la naturaleza de algo, se está haciendo referencia a estas
propiedades esenciales. Es un punto de vista metafísico según el cual, detrás de todo lo que es
aparente y accidental está lo esencial y necesario. Por ejemplo, un esencialista diría que el hecho de
que mi ordenador, la carcasa de este, sea negra es accidental o contingente, que mi ordenador sería
el mismo aún cuando le cambiara la carcasa o se la quitara definitivamente. Sin embargo, diría el
esencialista, si cambias sus propiedades esenciales, entonces el ordenador dejará de ser lo que es.
Tal vez lo transformes en una tostadora o quede inservible, pero perderá su naturaleza.
Esta perspectiva filosófica ha sido propuesta desde la antigüedad, siendo Aristóteles uno de sus
principales exponentes. Durante la Edad Media y la Edad Moderna el esencialismo se mantuvo
igualmente vigoroso y así llegó a la Edad Contemporánea, atravesando el siglo XX hasta el XXI.
Sin embargo, en el siglo XX, dos filósofos, W.V. Quine y Ludwig Wittgenstein, plantearon críticas al
esencialismo, argumentando que las propiedades consideradas como esenciales eran seleccionadas
arbitrariamente por los filósofos.
A pesar de esta oposición, el esencialismo ha mantenido su relevancia en la filosofía y ha sido
aplicado en diferentes áreas del conocimiento, incluyendo la psicología y la biología.
En psicología, el esencialismo se refiere a la tendencia a pensar en términos de categorías
esenciales y a atribuir características intrínsecas a los grupos sociales o étnicos. En biología, el
esencialismo se aplica para describir la idea de que cada especie tiene una esencia o un conjunto de
ESENCIALISMO
características esenciales que la definen como única.
ESENCIALISMO EN EL DISEÑO
En el diseño, es una corriente que se enfoca en la creación de objetos y productos con una
apariencia y funcionalidad sencilla y atemporal. Los diseñadores esencialistas buscan expresar la
esencia de un objeto, eliminando cualquier elemento decorativo o funcional que no sea esencial
para su uso o comprensión.
Se originó en los años 90, en respuesta al excesivo uso de elementos ornamentales en la moda y el
diseño gráfico. Los diseñadores esencialistas rechazaron la tendencia de la época, que se enfocaba
en el exceso de adornos y la sobreproducción de objetos innecesarios. En su lugar, promovieron una
estética minimalista y depurada, basada en la simplicidad y la funcionalidad.
El esencialismo del diseño se basa en la filosofía del "menos es más", popularizada por el arquitecto
alemán Mies van der Rohe. Los diseñadores esencialistas eliminan cualquier elemento que no sea
esencial para la funcionalidad y la comprensión del objeto. Esto no significa que los objetos creados
por los esencialistas sean simples o aburridos, sino que se enfocan en la belleza y la elegancia de las
83
formas y las líneas esenciales. También se enfoca en la sostenibilidad y la responsabilidad social. Los
diseñadores esencialistas creen en la importancia de la producción responsable y el uso de materiales de alta
calidad y duraderos, que no generen un impacto negativo en el medio ambiente.
NAOTO FUKASAWA
Naoto Fukasawa es un reconocido diseñador industrial japonés que se ha destacado por su enfoque
esencialista en el diseño. Su trabajo se caracteriza por la simplicidad y la capacidad de capturar la esencia de
los objetos y las experiencias. Fukasawa es conocido por su enfoque de "sin diseño" o "diseño sin diseño", que
busca la eliminación de elementos innecesarios y la creación de diseños que se integren de manera
armoniosa en la vida cotidiana de las personas. Su filosofía se basa en la idea de que el buen diseño no debe
llamar la atención sobre sí mismo, sino que debe ser intuitivo y natural, adaptándose a las necesidades y
deseos de los usuarios de forma invisible.
Uno de los trabajos más reconocidos de Fukasawa es su diseño del teléfono móvil "Infobar" para la compañía
japonesa au/KDDI. Este diseño se caracteriza por su simplicidad y su enfoque en la funcionalidad. Fukasawa
eliminó elementos superfluos y se centró en crear una interfaz intuitiva y fácil de usar, así como en
seleccionar materiales y colores que se integraran de manera armoniosa con la vida diaria de las personas.
Además del diseño de productos, Fukasawa también ha trabajado en el diseño de espacios y ambientes. Ha
colaborado en proyectos arquitectónicos donde ha aplicado su enfoque esencialista para crear espacios
simples y equilibrados que transmiten serenidad y armonía.
El trabajo de Naoto Fukasawa ha sido ampliamente reconocido y premiado a nivel internacional. Su enfoque
esencialista ha influido en el campo del diseño y ha inspirado a otros diseñadores a buscar la simplicidad y la
esencia en sus propios trabajos. Su capacidad para capturar la esencia de los objetos y las experiencias ha
llevado a la creación de diseños atemporales y funcionales que se integran de manera natural en la vida
cotidiana de las personas.
Roundish
Land
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LA POSMODERNIDAD
MENOS ES ABURRID
La posmodernidad es un movimiento cultural, filosófico y artístico que ha influido en el
pensamiento crítico desde los años 60 hasta la actualidad. Surgió como una oposición al
modernismo, aunque carece de una ideología bien definida, y se extendió desde el siglo XVII hasta el
siglo XIX, y que, según los posmodernos, fracasó en la práctica de sus ideas basadas en la formalidad
y en un futuro prometedor.
La modernidad se caracterizaba por la racionalidad, la uniformidad, la organización y la idea de que
existe una única verdad absoluta. En cambio, el posmodernismo promueve la aceptación de un
estado emocional e intuitivo presente en todos los seres humanos. Se opone al racionalismo y a los
ideales del modernismo que apostaban al progreso para alcanzar una vida mejor.
El término posmodernismo apareció por primera vez en el ámbito filosófico en 1979, con la
publicación de La condición posmoderna de Jean-François Lyotard. En dicha obra, el autor concibe
la cultura posmoderna como el final de las metanarrativas o “grandes narrativas” propias de la
modernidad, como el reduccionismo y las interpretaciones teleológicas del marxismo y la
ilustración, entre otras.
El posmodernismo se opone a la idea de una realidad natural, objetiva e independiente del ser
humano y sostiene que esta idea se basa en un realismo ingenuo. En lugar de negar la identidad de
lo conocido hasta el momento, el posmodernismo se basa en el concepto de “diferencia” como
mecanismo productivo y sostiene que el pensamiento es una cuestión de sensibilidad más que de la
razón.
CARACTERÍSTICAS DE LA POSMODERNIDAD
La posmodernidad se caracteriza por representar los siguientes puntos de vista en oposición al
modernismo:
La actitud individualista y desinteresada respecto de lo social.
El rechazo al cumplimiento de las normas tradicionales.
La aseveración de que no existe una única verdad, sino que existen diversos modos del saber.
La crisis del pensamiento metafísico moderno.
La falta de proyección a futuro de los más jóvenes y un estilo de vida de tipo adolescencia tardía.
La negación de que las sociedades futuras serán más humanas, más justas y más prósperas
porque se basan en las ideas ilustradas.
La idea de que la realidad es una construcción conceptual y no existe una realidad objetiva
natural independiente del ser humano y de la vida en sociedad.
La oposición a la razón y a la lógica, que considera como construcciones conceptuales y, por lo
tanto, válidas sólo según el contexto social y las tradiciones intelectuales en las que se practican.
Los aspectos psicológicos de los humanos que están primordialmente determinados por la
sociedad.
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Esta corriente es representada por una mayoría de pensadores postnietzscheanos como Derrida, Lyotard,
Foucault, Baudrillard, Deleuze, Guattari, Nancy, Barthes y Lacan, entre otros.
Los autores posmodernos rechazan o toman distancia de los ideales de la modernidad y trabajan a partir de
enfoques como el existencialismo, la deconstrucción, el posthumanismo y la teoría literaria contemporánea.
De este modo, rompen con la importancia que la modernidad dio al sujeto y la razón.
En la filosofía posmoderna, algunas ideas centrales son el logocentrismo derrideano, la dicotomía binaria y
las relaciones de poder. Obras como "Las palabras y las cosas" de Foucault, "De la gramatología" de Derrida y
"El antiedipo" de Deleuze y Guattari, exploran estas ideas.
ESTÉTICA DE LOS AÑOS 80
LLa década de los 80 fue una época revolucionaria en términos de moda y estilo, que dejó una huella
imborrable en la cultura popular. Esta época se caracterizó por una libertad creativa en la que resurgió el
estilo hippie, dando lugar a una moda muy diferenciada en la que predominaban las texturas, las formas y
los colores vibrantes y atrevidos.
La moda de los años 80 se convirtió en un código de vestimenta por excelencia en todo el mundo, con
prendas y tejidos muy diversos. Las minifaldas, los vestidos de brillo, las hombreras, los cinturones
anchos, los maillots, el denim o los tules eran algunas de las prendas que se pusieron de moda en esta
época. Estos estilos fueron impulsados por la influencia que tuvieron múltiples artistas y celebridades,
quienes se convirtieron en verdaderos iconos de estilo y referentes.
Entre estos iconos de estilo se encuentran Madonna, Olivia Newton John, Jane Fonda, Bianca Jagger o
Cindy Lauper, quienes marcaron tendencia en los años 80 y cuyo estilo sigue perdurando hasta hoy en día.
Su fuerza e influencia han generado un impacto tan positivo que con tan solo recordarlos podemos
trasladarnos a esa década de libertad y creatividad que definió la forma de ser y el estilo de infinidad de
personas.
En cuanto a la estética en general, los años 80 se caracterizaron por un exceso en todo, desde el cabello
voluminoso con permanentes y flequillos, hasta el maquillaje con colores brillantes y llamativos en los
ojos y los labios. La decoración también se vio afectada por esta tendencia, con formas geométricas y
colores vibrantes en los muebles y las paredes.
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MADONNA
Madonna es un nombre que resuena con fuerza en la historia de la música pop; y es que, desde sus inicios
en los años 80, esta artista estadounidense se convirtió en todo un icono, cuya música y estilo marcaron una
época. Su actitud, talento e irreverencia la convirtieron en uno de los personajes más influyentes de las
últimas décadas, y su legado sigue vigente hasta el día de hoy.
En los años 80, Madonna supuso una auténtica revolución en el mundo de la música. Con su estilo punk,
sexy y elegante, y unas canciones y puestas en escena únicas, logró convertirse en la artista más popular del
momento. Su música, su imagen y su actitud no sólo marcaron una época, sino que también influyeron en
la moda y la cultura popular.
A lo largo de la década, Madonna evolucionó en su estilo, pasando del aparente desaliño de los primeros
años a una imagen más sofisticada, donde el rubio platino y las referencias a Marilyn Monroe se
convirtieron en sus señas de identidad. Con canciones como "Like a Prayer", "Material Girl" o "Papa Don't
Preach", Madonna dejó un legado musical que aún hoy en día es considerado como parte de la historia de la
música; pero no solo fue su música lo que la convirtió en una leyenda. Madonna también fue un referente
en moda y estilo, marcando tendencias y siendo un icono de moda en sí misma. La cantante utilizó su
imagen como plataforma para transmitir sus mensajes y su actitud rebelde, y consiguió crear looks que se
convirtieron en verdaderos hits de la moda.
Desde las cruces en pendientes o collares, hasta la tendencia de llevar zapatos masculinos de color negro
combinados con calcetines blancos, Madonna supo marcar la diferencia con su estilo rompedor. Además, la
cantante fue pionera en lucir la ropa interior como parte de su vestuario, haciendo de la lencería más
espectacular, los encajes más sugerentes y los diseños más atrevidos una de las señas de identidad de su
estilo.
Por supuesto, Madonna también se dejó inspirar por
otros iconos de la moda y el cine. En su camino hacia
un estilo sofisticado, como ya se ha mencionado, supo
ver en Marilyn Monroe una fuente de inspiración, y
lució con maestría el pelo platino, los vestidos blancos
con escote y los hombros al aire, en homenaje a la
gran diva del cine.
87
88
Las obras feístas se distinguen porque el artista se enfoca en presentar objetos, animales, personas,
lugares o situaciones repugnantes. Los motivos detrás de esta elección son diversos y pueden incluir
un deseo de denuncia por parte del artista que busca que el público tome conciencia de estos
elementos para provocar un cambio.En este sentido, la poesía satírica o la novela realista suelen
explorar los aspectos más sórdidos de la sociedad con una función similar a la del periodismo de
denuncia.
FEÍSMO
El feísmo es una tendencia artística que valora estéticamente lo que normalmente se considera feo.
Otra razón para elegir el feísmo podría ser una protesta contra lo absurdo e injusto de la existencia
en general desde un punto de vista filosófico o religioso. Por último, algunos artistas utilizan el
feísmo para desafiar la sensibilidad del público, al que consideran demasiado autocomplaciente y
convencional, y cuyo criterio estético desprecian.
Es importante destacar que el feísmo generalmente afecta a los elementos descritos en la obra de
arte, pero no a la técnica utilizada para crearla. De hecho, la obra de arte puede resultar hermosa
aunque lo que se pinte sea repulsivo, en función de sus cualidades puramente formales. Esto se
puede observar en las obras de artistas como Charles Baudelaire y Manuel Machado, que se
caracterizan por un cuidado exquisito de la forma.
Sin embargo, cuando la exhibición de atrocidades se produce sin pretensiones artísticas ni morales,
la obra abandona el territorio del arte propiamente dicho, aunque el espectáculo que se ofrece
puede seguir resultando atractivo para aquellos que hallan en él un placer sádico o buscan
emociones fuertes. Un ejemplo de esto son películas como Freaks de Tod Browning, que se basan en
la exhibición de personas con deformidades físicas y patologías mentales como parte del
espectáculo circense.
En cuanto al macabro, que en autores como Edgar Allan Poe sigue al servicio de una estética
presidida por la búsqueda de lo bello y sublime, se explota más tarde comercialmente en obras
sensacionalistas como La matanza de Texas o el cine gore y de zombis, que carecen en general de
pretensiones artísticas. En resumen, el feísmo es una tendencia artística que puede tener diversas
motivaciones y que puede ser valorada en función de sus cualidades formales, aunque debe ser
diferenciado de la simple exhibición de atrocidades sin propósitos artísticos ni morales.
Estudio del retrato del
Papa Inocencio X de
Velázquez por Francis
Bacon.
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Durante la Transición española, que tuvo lugar entre los años 70 y 80, se produjo un movimiento
contracultural y artístico llamado Movida Madrileña, que se extendió por otras ciudades españolas.
Este movimiento se caracterizó por ser una nueva forma de expresión, tanto verbal como
estéticamente, y se distinguió por su innovación y libertad. Los españoles de esa época rompieron
con las cadenas de la dictadura y salieron a las calles para disfrutar de la vida y encontrar su lugar
en el mundo en disciplinas artísticas como la música, el cine, la literatura y la fotografía.
A partir del principio del siglo XX, los jóvenes comenzaron a mostrar un interés inusual por las
culturas alternativas que habían llegado a España después de la caída de la dictadura. Esto supuso
un cambio y una liberación cultural e ideológica que se abrió a la mayor parte de la sociedad
española. El inicio de la Movida Madrileña se sitúa entre 1977 y 1978, en los grupos musicales de la
Nueva Ola, que imitaban lo que sucedía en las grandes ciudades anglosajonas como Londres, Nueva
York e incluso Los Ángeles. Todos los grupos que surgieron sonaban en los programas musicales de
Onda 2 y así, comenzaron a hacerse oír.
Se dice que en Malasaña, un barrio de Madrid, nació la Movida Madrileña, que se expandió con las
ondas de los conciertos de MM, fiestas, reuniones privadas e inauguraciones de galerías de arte. El
LA MOVIDA MADRILEÑA
llamado "Concierto homenaje a Canito" es reconocido como el pistoletazo de salida de este
movimiento y fue en memoria de José Enrique Cano Leal, difunto batería de Tos (Los Secretos),
quien murió en un accidente de tráfico en la Nochevieja de 1979. En dicho concierto, celebrado el 9
de febrero de 1980 en la Escuela de Caminos de Madrid y organizado desde los micrófonos de Onda
2, actuaron Tos, Mermelada, Nacha Pop, Paraíso, Alaska y los Pegamoides, Trastos, Mario Tenia y los
Solitarios y Los Bólidos.
Sin embargo, quizás el momento cumbre de la Movida Madrileña fue el 23 de mayo de 1981, cuando
los alumnos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid de la Universidad Politécnica
de Madrid organizaron "El Concierto de Primavera". Más de 15.000 personas se dieron cita en dicho
acontecimiento histórico, que duró más de ocho horas y en el que participaron Fahrenheit 451,
Alaska y los Pegamoides, Flash Strato, Los Modelos, Tótem, Rubi y los Casinos, Mamá, Los Secretos y
Nacha Pop.
Aunque la Movida Madrileña tuvo un gran impacto en la cultura española de la época, su influencia
fue efímera y se desvaneció a mediados de la década de 1980. Sin embargo, su legado sigue siendo
muy importante y ha influido en generaciones posteriores de artistas y creadores en España y otros
países.
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EXPRESIONES EN EL ARTE
Uno de los aspectos más destacados de este movimiento fue su rica y diversa escena musical. La Movida dio
lugar a una gran variedad de estilos musicales, desde el glam-pop y el punk hasta el rock. Muchas de las
bandas que surgieron durante este periodo se convirtieron en algunos de los grupos más importantes de la
historia del rock en español, incluyendo a Radio Futura, Mecano, Hombres G, Duncan Dhu y Gabinete
Caligari. La popularidad de estas bandas no se limitó solo a España, sino que se extendió a muchos países de
Latinoamérica.
Pero la música no fue la única forma de expresión que cobró vida en la Movida. También se destacaron los
pintores, quienes jugaron un papel fundamental en la configuración del movimiento. Dos de los artistas
más destacados de esta generación fueron el pintor e ilustrador Carlos Sánchez Pérez, conocido como
Ceesepe, y José Alfonso Morera Ortiz, mejor conocido como el Hortelano. A través de su trabajo, estos
artistas crearon una nueva estética que reflejaba el espíritu rebelde y transgresor de la época.
Otro medio de expresión popular durante la Movida fue el graffiti, que estaba experimentando un
resurgimiento en todo el mundo. En este ámbito, destaca la figura de Juan Carlos Argüello, cuya firma de
Muelle, con su característica terminación en forma de flecha, se convertiría en un clásico del estilo del
graffiti madrileño.
En cuanto al cine, Pedro Almodóvar es uno de los nombres más destacados de la Movida. Este director
manchego logró crear un género cinematográfico propio, a través de sus historias en torno al amor, el sexo,
la religión y la muerte. Conocidas por su naturaleza tragicómica y estética kitsch, las películas de Almodóvar
lo llevaron a convertirse en uno de los cineastas más importantes de la historia del cine español y un
referente a nivel mundial.
Por último, la fotografía también tuvo un papel destacado en la Movida. Alberto García-Alix destacó por sus
retratos de los jóvenes que formaron parte de este movimiento, así como de subculturas como la de los
motociclistas. También es importante destacar el trabajo de Bárbara Allende Gil de Biedma, más conocida
como Ouka Leele, y de Pablo Pérez-Mínguez.
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La Transvanguardia es un término acuñado por el crítico de arte italiano Achille Bonito Oliva en los
años 80 para definir un movimiento artístico italiano que reaccionaba a la corriente predominante
del arte conceptual y minimalista que había dominado las décadas anteriores. La Transvanguardia
buscaba una recuperación de las raíces culturales e iconográficas del país y proponía una nueva
subjetividad y expresividad individualista dentro de la pintura y la escultura.
El grupo de artistas conocidos como la Transvanguardia incluía a nombres como Francesco
Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia, Mimmo Paladino y Nicola De Maria. Estos artistas compartían
una visión artística basada en la creación de una nueva estética en la que se fusionaban elementos
del pasado y del presente, de lo popular y lo culto, y se experimentaba con la forma y el color para
lograr un nuevo lenguaje visual.
valoraba la emoción y la expresión personal. Los artistas de la Transvanguardia se inspiraban en la
historia del arte italiano, en la iconografía religiosa y en la cultura popular, para crear una nueva
forma de expresión que fusionaba la tradición con la contemporaneidad.
Sandro Chia nacido en Florencia en 1946. Estudia en el Instituto de Arte de la misma ciudad de 1962
a 1967 y en la Academia de Bellas Artes de 1967 a 1969. Su vocación artística fue fuertemente
influenciada por las obras maestras de su ciudad natal. Después de viajar por la India y toda Europa
se establece en Roma en 1970. En sus primeros tiempos, su trabajo se enmarca en el arte conceptual
antes de evolucionar hacia un estilo más figurativo, con el fin de desvincularse del Arte Povera o del
Arte minimalista. Junto con Clemente, Cucchi y Paladino pertenece a la generación italiana de
jóvenes artistas que Achille Bonito Oliva denominó Transavanguardia. En sus pinturas predominan
los temas mitológicos, y en ellas desarrolla un estilo gestual libre que evoca repetidamente diversos
elementos de la tradición pictórica. Utiliza colores brillantes, con texturas densas o transparentes.
Su primera exposición individual se celebró en la Galleria La Salita de Roma (1979). Después de
obtener una beca de la ciudad de Mönchengladbach en Alemania, trabaja allí de septiembre de 1980
a agosto de 1981, antes de irse a vivir a Nueva York. En la actualidad, su actividad se divide entre
Nueva York, Roma y Montalcino y sus obras son ampliamente reconocidas en todo el mundo.
TRANSVANGUARDIA
SANDRO CHIA
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LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
La Transvanguardia se caracterizó por un enfoque subjetivo en la creación artística, en el que se
Figura, 1982
La mercante di scacchiere, 1976
The Idleness of Sisyphus, 1981
La bugia, 1979-1980, Sandro Chia
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neoexpresionismo alemán (también conocido como los nuevos salvajes), la transvanguardia en
Italia, la figuración libre en Francia y el bad painting en Estados Unidos. Aunque los grupos y
artistas no tienen un estilo homogéneo, comparten la vuelta a la figuración y al espíritu
expresionista, que se caracteriza por la distorsión de los objetos para transmitir sentimientos y
estados de ánimo.
Las pinturas neoexpresionistas suelen ser agresivas y se enfatiza la pincelada violenta y los
contrastes explosivos de color. Además, a menudo se utilizan materiales como arena, yeso o paja
para darles más cuerpo.
Aunque es un movimiento relativamente reciente, algunos historiadores del arte consideran que el
neoexpresionismo es el comienzo de la posmodernidad, la cual se caracteriza por el fin de la
creencia en el progreso y la evolución espiritual del ser humano, así como el fin de las utopías y las
grandes causas. En esta época, el artista posmoderno es individualista y ya no es parte de un
movimiento que va a cambiar el mundo.
Entre los artistas más representativos del neoexpresionismo se encuentran Baselitz, Kiefer,
Immendorff, Auerbach, Basquiat y Schnabel.
Aunque el movimiento abarcaba una amplia variedad de estilos, la multiplicidad de estilos adoptada
por el término neoexpresionismo significa que no hay un consenso claro sobre qué constituye
exactamente el arte neoexpresionista, o quién es exactamente un pintor neoexpresionista.
El movimiento fue puesto en el mapa por varias exposiciones importantes de pinturas del siglo XX
que tuvieron lugar a principios de la década de 1980, incluyendo "Un nuevo espíritu en la pintura"
en la Royal Academy de Londres, "Zeitgeist" en Martin Gropius Bau en Berlín y Documenta 7, la
muestra de arte contemporáneo en Kassel en Alemania. En Alemania, los artistas intentaron volver a
conectarse con las tradiciones expresionistas anteriores a la Segunda Guerra Mundial, mientras que
en Estados Unidos, el precursor del neoexpresionismo fue el realismo social de Philip Guston.
LENGUAJES CONTEMPORÁNEOS
principios de los 80, e incluye a diversos artistas y movimiento diferentes partes del mundo como el
NEOEXPRESIONISMO
El neoexpresionismo es un movimiento de arte contemporáneo que surgió a finales de los años 70 y
NEOEXPRESIONISMO ALEMÁN
A lo largo del siglo XX, Alemania ha tenido una rica tradición artística en el ámbito expresionista.
Desde los primeros grupos vanguardistas de Die Brücke y Der Blaue Reiter antes de la Primera
Guerra Mundial, hasta la Nueva Objetividad Alemana durante la República de Weimar, el arte
expresionista ha sido un medio importante para la denuncia social y la crítica del contexto sociopolítico alemán.
94
Aunque este arte fue considerado "degenerado" por el régimen nacionalsocialista de Hitler en 1937,
continuó evolucionando en las décadas siguientes. El neoexpresionismo alemán emergió en los años 60 y se
consolidó en los años 80, en un momento en el que Alemania estaba dividida políticamente como resultado
de la Guerra Fría. Los artistas de esta corriente, que incluían a Kiefer, Baselitz y otros, se unieron en su
deseo de llevar al arte alemán de nuevo a la vanguardia después de años de predominio estadounidense.
Los neoexpresionistas abrazaron una estética nietzscheana que conectaba con los primeros expresionistas
alemanes del grupo Die Brücke, y recuperaron la tradición figurativa como un medio para la reafirmación
de la identidad nacional y la expresión del genius loci. Aunque algunos críticos argumentaron que esto fue
una institucionalización exitosa del arte específicamente alemán de la primera mitad del siglo, el
Neoexpresionismo fue una corriente única en su propio derecho, con un espíritu afín al de las vanguardias
históricas y un objetivo compartido de conectar con la tradición artística mientras exploraba nuevos
territorios.
SIGMAR POLKE
Fue un artista alemán cuya carrera se caracterizó por ser larga, impredecible, prolífica e incesantemente
inventiva. A menudo se le consideraba como un cañón suelto del arte alemán debido a su naturaleza
subversiva y su negativa a encajar en una categoría claramente definida. A diferencia de muchos artistas,
que persiguen un estilo constante y se aburren con la repetición, Polke se negó a seguir un camino
predecible. Esto generó sospechas y escepticismo en los británicos durante muchos años, pero finalmente,
en las últimas dos décadas, su verdadera estatura como artista se ha vuelto evidente en el Reino Unido.
Nació en Oels, Silesia (ahora Olesnica, Polonia), en 1941 y escapó con su familia a Turingia, en el este de
Alemania, al final de la guerra. Luego, en 1953, se trasladaron a Düsseldorf a través de Berlín Occidental,
donde Polke comenzó su aprendizaje como pintor de vidrio en 1959. Su ambición lo llevó a estudiar durante
seis años en la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf a partir de 1961. A pesar de que la mayoría de los
artistas sólo tienen un impacto significativo después de dejar la universidad, Polke ya estaba exponiendo su
trabajo en 1963 junto a su amigo y artista Gerhard Richter en una tienda de muebles de Düsseldorf. Esta
exposición tuvo lugar durante la época en que el Pop Art transformó las posibilidades de los artistas
emergentes.
En ese momento, Polke estaba obsesionado con las imágenes de comida, especialmente con embutidos, que
eran muy apreciados, pero no estaban fácilmente disponibles en Alemania durante los primeros años de la
posguerra. Por ello, sus pinturas y dibujos de pasteles, mantequilla, dulces y embutidos parecían
tentadoramente deseables y no meros productos de consumo cotidiano. Esta obsesión fue una característica
clave de la primera exposición individual de Polke en la Galería Rene Block de Berlín en 1966, que le valió el
Premio Alemán de Arte Juvenil.
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Polke inició una larga asociación con la Hochschule für Bildende Kunste en Hamburgo en 1970, donde
enseñó como profesor hasta 1991. Su influencia en la escena artística alemana y mundial es innegable, y se
ha convertido en una figura icónica de la posguerra en Alemania. Su exposición en la Tate Liverpool en 1995
y en la Tate Modern en 2003-04, llamada irónicamente "Historia de todo", demostró la importancia y la
complejidad de su obra.
Dr. Berlin, 1969-1974
Mujer intercambiado
La erección matutina de Kathreiner
1969–79
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En la Inglaterra de finales de los años 70 y principios de los 80, surgieron jóvenes ingleses que se
inspiraron en la estética glam y el new wave británico para crear un movimiento conocido
popularmente como "New Romantics" o "vampiros". Este movimiento se caracterizó por su estilo de
música basada en el uso de sintetizadores, así como por la forma de vestir atrevida y extravagante
adoptada por artistas como Boy George o Adam Ant.
La moda de los New Romantics se convirtió en la más fashionista de Londres en los años 80, y se
basaba en prendas afeminadas inspiradas en la moda del siglo XIX y la estética pirata. Los hombres
y mujeres que adoptaron este estilo se caracterizaban por llevar prendas de encaje, botas, cintas en
el pelo, cadenas, camisas de petimetre, prendas superpuestas, trenzas, sombreros, aros y collares
exagerados. Todo ello combinado con un abundante maquillaje de sombras de color y delineador
negro, y con el cabello teñido o formando peinados imaginarios y únicos.
El look andrógino de los New Romantics buscaba expresarse desde la libertad y la creatividad, y
algunos artistas como David Bowie, Boy George o grupos musicales como Duran Duran, Spandau
Ballet o Ultravox se convirtieron en referentes que siempre serán sinónimos de la cultura de los New
Romantics de los 80.
Este movimiento inspiró a diseñadores de la época como John Galliano, y se convirtió en un hito en
la historia de la moda y la música de Inglaterra. Todo comenzó en el bar de mala muerte llamado
Billy´s, en el sótano del cual se reunían Steve Strange y Rusty Egan, quienes querían restaurar la
moda en los clubs y acabar con el degenerado "punk" de aquellos días. Cada semana, en Billy´s se
llenaba de gente vistiendo como Bowie, al estilo "Alladin sane y Ziggy", o con trajes de Roxy Music
NEW ROMANTICS
con lentejuelas o innovaciones nuevas, creativas y andróginas.
Banda de pop rock británico Duran Duran
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DAVID BOWIE
David Bowie es uno de los artistas más influyentes en la cultura de los New Romantics y es considerado por
muchos como uno de los padres fundadores de este movimiento estético y musical. A finales de los años 70,
Bowie estaba inmerso en una etapa de experimentación y transformación constante de su imagen, lo que lo
llevó a crear personajes extravagantes y a jugar con su androginia.
Bowie fue una gran inspiración para muchos de los músicos y artistas de los New Romantics, ya que su estilo
excéntrico y su actitud desafiante eran una respuesta a la monotonía y el conformismo de la cultura pop de
la época. Sus trajes extravagantes, sus peinados llamativos y su maquillaje excesivo fueron una gran
influencia en la estética de la época.
Además, Bowie también experimentó con la música electrónica, incorporando sintetizadores y sonidos
futuristas en sus canciones, lo que también lo convierte en un precursor de la música electrónica de los
años 80.
Ashes To Ashes
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POSMODERNIDAD
La arquitectura postmoderna es un estilo arquitectónico que surgió como una reacción al
movimiento moderno liderado por Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe, que se caracterizaba
por una austeridad, formalidad y falta de diversidad. En los años 60, el arquitecto y teórico de la
arquitectura Robert Venturi lideró esta reacción con su libro "Complejidad y contradicción en la
arquitectura", proponiendo una arquitectura compleja y contradictoria, que incorporaba elementos
históricos y un uso sutil de materiales inusuales y alusiones históricas.
En Italia, el arquitecto Aldo Rossi lanzó una revuelta similar contra el modernismo estricto,
criticando la reconstrucción de ciudades y edificios italianos destruidos durante la guerra en el
estilo modernista, que no tenía relación con la historia de la arquitectura, planos callejeros
originales o cultura de las ciudades. Rossi insistió en que las ciudades deberían reconstruirse de
manera que preservaran su tejido histórico y sus tradiciones locales.
La arquitectura postmoderna también se caracteriza por la reivindicación del ornamento, es decir,
la decoración de las fachadas que había sido descartada por la arquitectura moderna. Venturi
argumentó que los elementos ornamentales y decorativos "se adaptan a las necesidades existentes
de variedad y comunicación". Este movimiento floreció en los años 80 y 90, con arquitectos como
Philip Johnson, Charles Moore y Michael Graves, que incorporaron elementos históricos y
ornamentales en sus obras.
Sin embargo, a finales de los 90, el movimiento se fragmentó en múltiples tendencias, incluyendo la
arquitectura de alta tecnología, el neoclasicismo y el deconstructivismo. Estas tendencias surgieron
como reacciones al postmodernismo y, en algunos casos, como críticas a su énfasis en la
ornamentación y su falta de atención a la función y la tecnología. A pesar de estas críticas, la
arquitectura postmoderna sigue siendo un estilo influyente y respetado en la actualidad, y sus ideas
continúan inspirando a arquitectos de todo el mundo.
MEMPHIS
El movimiento Memphis fue uno de los más importantes e influyentes del diseño de los años 80. Fue
impulsado y creado por el arquitecto y diseñador Ettore Sottsass, quien ya en los años 60 había
empezado a experimentar con el color y las formas en sus Tótems, unas piezas escultóricas
cubiertas con plástico laminado de colores. En su icónica silla de comedor “Seggiolina da Pranzo”,
editada por el Studio Alchimia en 1978, Sottsass utilizó por primera vez el plástico laminado
estampado que se convertiría en marca registrada de Memphis.
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En diciembre de 1980, Sottsass abandonó Studio Alchimia por considerarlo demasiado restrictivo. Convocó
una reunión en su pequeño apartamento de Milán con otros diseñadores: Barbara Radice, Michele de
Lucchi, Marzo Zanini, Aldo Cibic, Matteo Thun y Martine Bedin, quienes se convirtieron en los primeros
miembros del grupo. Su nombre fue acuñado por Sottsass a raíz de la canción de Bob Dylan “Stuck Inside of
Mobile with the Memphis Blues Again”, que fue la banda sonora de las primeras reuniones de sus
miembros. También hace referencia a la antigua capital egipcia de la cultura y a la ciudad donde nació Elvis
Presley, con un doble sentido.
En la reunión se barajó la posibilidad de iniciar una nueva tendencia y darle un nuevo giro al diseño. Poco
después, se volvieron a reunir y definieron el nuevo movimiento con una colección revolucionaria de
diseños a partir de una enorme serie de bocetos. Así comenzó el grupo Memphis, que causó una gran
expectación en todo el mundo e impregnó muchas facetas de la cultura: el diseño de producto, el arte, la
arquitectura, la gráfica publicitaria o la moda de los 80.
El estilo Memphis se caracterizó por una mezcla de estilos y referencias, que abarcaban desde el pop y el
pop art hasta temas futuristas o estilos decorativos del pasado como el Art Decó o el Kitsch de los años
cincuenta. Se trataba de ignorar y hasta burlarse de las premisas del “buen diseño” frente a una ausencia de
normas. Los miembros de Memphis se inspiraron en tantos estilos del pasado que generaron un nuevo
estilo que se nombró como postmoderno. Se basaba también en el humor y en crear un diseño fresco y
atrevido, y fue una reacción contra el minimalismo del funcionalismo del momento. Al fin y al cabo, era un
diseño radical “antidiseño”.
El movimiento Memphis fue uno de los más prolíficos y que contó con más diseñadores entre sus
miembros. Tras esa primera reunión se unieron al movimiento otros diseñadores internacionales. El 18 de
septiembre de 1981, el grupo expuso por primera vez 55 piezas en la sala de exposiciones Arc’ 74 de Milán,
donde se mostraron muebles, lámparas, relojes y piezas de cerámica de una larga lista de arquitectos y
diseñadores internacionales. Entre ellos Hans Hollein, George Sowden, Shiro Kuramata, Peter Shire,
Masanori Umeda, Terri Jones, Michael Graves, Andrea Branzi…
Desde el principio, el grupo de Memphis reconoció que su estilo era efímero y probablemente no perduraría
más allá de cierto punto. A medida que su popularidad comenzó a decaer a fines de la década de 1980 y el
movimiento se comercializó más, Ettore Sottsass tomó la difícil decisión de disolver el grupo. Sin embargo,
su legado perduró, inspirando a una nueva generación de diseñadores a explorar nuevas fronteras de forma
y función.
Hoy, la empresa Memphis es propiedad y está dirigida por Alberto Bianchi Albrici, quien la adquirió de
Ernesto Gismondi, el fundador de Artemide, en 1996. Los diseños producidos por el grupo Memphis entre
1981 y 1988 continúan siendo reeditados y producidos sin limitaciones. reflejando la creencia del grupo de
que el diseño debe ser accesible para todos y visto como una forma de comunicación en lugar de una forma
de arte elitista.
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En los últimos años, los jóvenes diseñadores industriales han comenzado a revisar el movimiento Memphis
de la década de 1980, dando lugar a una nueva tendencia conocida como "New Memphis". Este estilo
combina el minimalismo con formas juguetonas y exuberantes, creando una apariencia sobria y expresiva.
El movimiento "New Memphis" incorpora formas geométricas, colores llamativos y texturas inesperadas, a
menudo incorporando elementos de humor o sorpresa. Un ejemplo notable de esta tendencia es la lámpara
Cap, diseñada por Kaschkasch y presentada en la Feria del Mueble de Milán 2012. Producida hoy por la
compañía danesa Norman Copenhagen, la lámpara Cap encarna el espíritu del movimiento "New Memphis",
combinando elegancia funcional con un toque de fantasía. Si bien puede verse como una desviación del
grupo original de Memphis, "New Memphis" representa un nuevo y emocionante capítulo en la evolución del
diseño moderno.
Mesa Cristal de Michele de Lucchi (1981)
Aparador Beverly, Ettore Sottsass (1981)
Silla First, Michele de Lucchi (1983)
Lámpara Cap, Kaschkasch (2012)
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POSTINDUSTRIAL
LA SOCIEDAD POSTINDUSTRIAL
Se refiere a la evolución de las economías y sociedades occidentales desde finales del siglo XX, en la
que la producción de bienes manufacturados pierde importancia en favor de los servicios, la
tecnología y el conocimiento. Esto se traduce en que la mayoría de los trabajos en la economía
postindustrial se relacionan con el sector de servicios, como la atención médica, la educación, el
turismo, la informática, la investigación y el desarrollo, entre otros.
En esta nueva forma de sociedad, se producen cambios significativos en los modos de producción,
las formas de trabajo y las relaciones sociales, impulsadas por la creciente importancia de la
tecnología y la información. La cultura del ocio y el entretenimiento aumenta y se producen cambios
en la forma en que las personas consumen y gastan su tiempo libre.
Asimismo, la sociedad postindustrial ha visto cambios significativos en la forma en que las personas
interactúan entre sí, gracias al desarrollo de nuevas tecnologías de comunicación. Las redes sociales
y los dispositivos móviles han cambiado la forma en que las personas se comunican y se relacionan
entre sí, permitiendo nuevas formas de interacción social y nuevas formas de creación y
distribución de contenido.
DISEÑO POSTINDUSTRIAL
El movimiento postindustrial surgió en el Reino Unido tras el fin del "fordismo" y la producción en
línea de los años 60 y 70. En este contexto, los diseñadores comenzaron a crear ediciones limitadas
o piezas únicas, liberadas de las restricciones del proceso industrial. Se enfocaron en una nueva
forma de trabajar y apostaron por la libertad creativa, opuesta al orden del movimiento moderno.
El postindustrialismo se caracteriza por la producción de objetos en lotes cortos para sectores e
individuos determinados, y por diseños únicos sin miedo de homenajear su pasado industrial. Estos
objetos son considerados "arte utilizable", ya que se vuelven piezas de arte con una utilidad.
Dos de los diseñadores más conocidos de este movimiento son Tom Dixon y Ron Arad, que crearon
objetos cotidianos que se salían de los estándares comunes. Según la visión postindustrialista, los
productos industriales están diseñados para ser consumidos y no durar, lo que genera un ciclo
vicioso consumista. En contraposición, los productos postindustriales, al ser piezas únicas, generan
un valor que los convierte en piezas duraderas y no desechables.
En la actualidad, la crisis económica y la concienciación ecologista han llevado a un resurgimiento
del postindustrialismo. Los diseñadores se ven obligados a buscar formas de autoproducirse de
manera más artesanal, lo que resulta más sostenible y beneficioso para el medio ambiente.
102
Sin embargo, el actual movimiento postindustrial puede que carezca de la fuerza conceptual e intelectual del
original, ya que se ha convertido casi en una tendencia. Aún así, podría evolucionar y convertirse en el
principio de una nueva etapa del diseño.
103
El término Brutalismo se publicó por primera vez en Inglaterra en 1953, aunque probablemente ya
se usaba para describir principalmente las obras de Le Corbusier. Los arquitectos Smithson le
dieron un enfoque más conciso, al describir uno de sus proyectos como un edificio donde la
estructura estaría completamente vista, sin acabados interiores donde sea factible. Para ellos, el
Brutalismo era una reivindicación de la honestidad en el uso y la presentación de los materiales
constructivos y la estructura de los edificios.
En 1956, el término Brutalismo ya era de uso común en Europa, como se evidencia en una carta
enviada por Eric de Maré a los editores de The Architectural Review, en la que Hans Asplund afirma
que en 1950 se le ocurrió la palabra "Neo-Brutalist" al ver los dibujos de un proyecto que estaban
realizando unos colegas. Aunque Asplund no agrega ninguna base teórica al concepto, esta anécdota
muestra que el término ya estaba en circulación.
En 1950, la revista sueca Bygg-Mastaren publicó una edición especial dedicada al trabajo de Gunnar
Asplund, en la que aparece el término "Neo-Brutalist" en el sumario en inglés. Esto demuestra que el
término fue acuñado por los suecos antes de hacerse popular en Inglaterra. Aunque Reyner Banham
fue el primer crítico que asumió la tarea de identificar el fenómeno Brutalista más allá de una
estética, la tendencia a considerar el origen del Brutalismo en Inglaterra podría estar relacionada
con una construcción historiográfica británica a partir de los escritos de Banham.
En su texto "The New Brutalism: Ethic or Aesthetic?" de 1966, Banham define el origen y las
características del Brutalismo, situando su origen en la dicotomía entre ética y estética, coincidente
con la crisis de los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM) y la aparición del
Team X en 1953. Para Banham, el objetivo fundamental del nuevo Brutalismo era determinar, por
cada construcción, una concepción necesaria desde el punto de vista de las estructuras, del espacio y
de la organización. El autor identifica tres características fundamentales para diferenciar el
Brutalismo de otros estilos: legibilidad formal de la planta, clara exhibición de la estructura y
BRUTALISMO
valoración de los materiales por sus cualidades intrínsecas.
ARQUITECTURA BRUTALISTA
Se caracteriza por su uso del acero y concreto reforzado funcional, elementos modulares y
sensación utilitaria. Este estilo se utilizó principalmente para edificios institucionales y residenciales
con el fin de abordar la crítica necesidad de vivienda. A menudo se entrelaza con la teoría urbana
del siglo XX que miraba hacia los ideales socialistas, y se extendió por todo el mundo después de la
Segunda Guerra Mundial. El término "brutalismo" proviene del término francés "béton brut", que
significa "hormigón en bruto" y también se utiliza para describir esta estética arquitectónica.
A pesar de que se piensa que muchas de las ideas parecen superponerse con el modernismo, el
brutalismo es en realidad una rama específica de la arquitectura moderna y no un ejemplo de
arquitectura posmoderna. El brutalismo se identifica más por sus cualidades estéticas que por sus
ideales, aunque los primeros abanderados del Brutalismo lo definían más como una crítica al
estancamiento del movimiento moderno que como una estética arquitectónica. Estos prejuicios
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hacia el brutalismo lo han hecho comúnmente ignorado en la historiografía de la arquitectura.
Aunque se piensa que el brutalismo solo se aplica a obras construidas a base de concretos, esto no es cierto.
Sin embargo, el estilo quedó atrapado en el cambio de la historia, entre el moderno y el tardomoderno, lo
que lo ha llevado a ser etiquetado negativamente y poco estudiado. El hecho de que el estilo fuera percibido
como imponente, geométrico y de texturas visiblemente diferentes lo atrajo más la atención (o el rechazo) a
la envolvente que al contenido.
Complejo Cultural
Teresa Carreño de
Caracas
(Venezuela)
Habitat 67 (1967)
en Montreal
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convirtiéndose en un factor indispensable que se tiene en cuenta al elegir productos o
construcciones. La estética ha entrado en todos los aspectos de la vida, desde la arquitectura hasta la
ingeniería, y aunque siguen primando las necesidades básicas, la belleza se ha convertido en un
aspecto crucial. Es necesario tener en cuenta que la estética varía en función del mercado al que se
dirige la construcción o el producto, ya que no es lo mismo construir para viviendas que para
oficinas o naves industriales. Por lo tanto, es importante conocer los gustos y las necesidades de
cada cliente para elaborar estructuras acordes a sus especificaciones.
La estética industrial es un tema complejo debido a que la Revolución Industrial fue un proceso
largo y diverso en cada país, por lo que no se puede hablar de una estética industrial completa. Sin
embargo, se puede observar una tendencia común que engloba ciertos elementos tanto de
construcción como decorativos. En este sentido, se puede analizar la conexión entre la evolución de
la industria y la ciudad, donde se produjo la creación de paisajes industriales que transformaron las
ciudades y los paisajes rurales. En este contexto, se creó una arquitectura industrial propia que
buscaba aunar función y disposición.
En cuanto a la estética de la ciudad, desde finales del siglo XVIII se empezaron a construir edificios
utilitarios, incluso en países que no lideraban el desarrollo industrial. La industria se convirtió en
un mito de progreso y la expresión material del mundo contemporáneo. En este contexto, se
desarrolló una arquitectura industrial propia, que se caracterizó por la utilización del hierro y el
hormigón, lo que permitió unas posibilidades de seguridad y grandiosismo material antes
desconocidas.
ESTÉTICA INDUSTRIAL
A lo largo del tiempo, la estética ha adquirido una gran importancia para las personas,
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El paisajismo regenerativo es una técnica que busca restaurar y regenerar los ecosistemas dañados
o degradados, con el objetivo principal de mejorar la salud del medio ambiente y fomentar la
biodiversidad. A diferencia del paisajismo tradicional, que se enfoca en la estética y diseño de
jardines, el paisajismo regenerativo utiliza principios y técnicas basadas en la ecología para crear
paisajes más saludables y resistentes al cambio climático.
La idea detrás del paisajismo regenerativo es utilizar plantas nativas de una manera que les permita
prosperar como lo harían en su ambiente natural. Con la combinación correcta de plantas, un
paisaje regenerativo puede evitar enfermedades mientras elimina a las malas hierbas invasoras,
reduciendo la necesidad de pesticidas y agua.
Además, los paisajes regenerativos pueden tener beneficios sociales y económicos. Pueden crear
oportunidades de empleo en la industria de la restauración del paisaje y fomentar la participación
Para empezar con el paisajismo regenerativo, es recomendable trabajar con un profesional
experimentado ya que se trata de una técnica que requiere de conocimientos especializados. Es
importante también comunicar las razones de su paisaje regenerativo a los inquilinos o asociación
de propietarios residentes en el lugar, para que conozcan la línea de tiempo, qué esperar y qué
beneficios traerá este paisaje para el entorno.
Otras cosas a considerar son analizar el paisaje nativo existente en su área y utilizar las plantas más
agradables a la vista en su paisaje regenerativo, contrastar colores y texturas, plantaciones en grupo
y cluster para un impacto visual, utilizar plantaciones nativas perennes en zonas altamente
consultadas, uso de bajo crecimiento y bajo fuego de combustibles naturales como el nopal a lo
largo de zonas de alta temperatura combustible, y diseño de riego de cobertura solo para reducir la
escorrentía y promover riego profundo.
Medellín
PAISAJISMO REGENERADOR
comunitaria en la planificación y gestión de paisajes regenerativos.
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Los lofts son un tipo de vivienda que tiene su origen en Nueva York. Se caracterizan por tener un
pasado industrial, un espacio diáfano y encontrarse en suelo urbano. La mayoría de los lofts tienen
techos altos y grandes ventanales, y las paredes divisorias son poco convencionales. La estética de
los lofts suele incluir materiales como ladrillo visto, hierro, maderas, piedras naturales y acero, y el
cemento pulido se utiliza en suelos y paredes. Además, es común encontrar instalaciones vistas en el
techo y columnas o pilares metálicos a la vista.
Los lofts pueden encontrarse en edificios antiguos rehabilitados y en edificios modernos, y se usan
como viviendas, estudios, galerías de arte o locales comerciales. Es importante mencionar que el uso
de materiales reciclados o reutilizados es muy común en los lofts, ya que su origen se remonta a la
adaptación de antiguas fábricas y naves industriales a viviendas, lo que ha llevado a los propietarios
a mantener el carácter y la estética original de estos espacios.
La iluminación es otro factor clave en los lofts, ya que los grandes ventanales permiten la entrada de
luz natural en abundancia. Por esta razón, es importante que la iluminación artificial se adapte a
esta situación, utilizando luces indirectas o focos que no alteren la estética de los espacios abiertos.
En cuanto a la distribución de los espacios, es común encontrar en los lofts una zona de estar, una
cocina abierta al salón, un baño independiente y uno o varios dormitorios. Aunque la distribución
no está definida por tabiques, sino que se realiza mediante mobiliario y elementos decorativos.
Los lofts se han convertido en un referente de la arquitectura y el diseño contemporáneos, y su estilo
ha trascendido más allá de Nueva York para ser aplicado en todo el mundo. Aunque su estilo se
asocia con el industrial y los colores fríos, existen muchas posibilidades decorativas en los lofts y se
LOFT
han convertido en un referente de la arquitectura y el diseño contemporáneos.
Loft Industrial
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ALTA TECNOLOGÍA
La alta tecnología se refiere a una amplia gama de clasificaciones industriales e innovación, donde
se enfatiza la innovación tecnológica. El sector de alta tecnología incluye una alta concentración de
trabajadores en STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) y juega un papel importante en
la economía moderna. Las industrias de alta tecnología a menudo experimentan salarios
significativamente más altos que otras industrias. Aunque la alta tecnología ha experimentado un
crecimiento económico significativo desde la década de 1950, ha sido objeto de varias burbujas
económicas, especialmente desde el advenimiento de la red mundial. En los últimos años, ha habido
un cambio en el empleo de alta tecnología de la manufactura a los servicios.
El estilo high tech en arquitectura es un movimiento que nace en la década de 1970, que basó su
línea en la incorporación de elementos industriales y tecnológicos en la concepción e idea de
cualquier tipo de obra, sean edificios, casas, oficinas, espacios culturales o mismas fábricas. Este
estilo persigue un objetivo final que es el de poder plasmar en todos sus diseños y creaciones una
apariencia industrial. Para ello, utiliza sus recursos principales en todo momento y sobre cada
pared, muro o techo.
El libro "High Tech: The Industrial Style and Source Book for The Home", publicado en 1978 por Joan
Kron y Suzanne Slesin, estableció el nombre del estilo high tech en arquitectura. El libro contenía
ilustraciones y fotografías que demuestran cómo los diseñadores, arquitectos y otras personas
particulares se hicieron con objetos industriales clásicos y los usaron para plantear soluciones de
carácter doméstico y, más tarde, se trasladaron a fachadas y obras arquitectónicas completas. La
arquitectura high tech es la continuación de la arquitectura moderna y se basa en la incorporación
de elementos tecnológicos e industriales a la construcción de todo tipo de oficinas, fábricas,
viviendas, edificios y museos.
Richard Rogers y Renzo Piano son algunos de los arquitectos más reconocidos en el estilo high tech,
junto con Norman Foster, el ingeniero Peter Rice y Michael Hopkins. Las construcciones realizadas
con este estilo son distinguidas por los imponentes diseños de sus estructuras y la implementación
de material de hierro delgado y vidrio, lo que genera un gran impacto en la vista de las personas.
El Ariane 5 expuesto en Le Bourget. La
industria
aeroespacial
suele
ser
demandante de alta tecnología, pese a
que muchas veces utiliza equipos
antiguos, pero certificados.
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EDIFICIO LEADENHALL / ROGERS STIRK HARBOUR +
PARTNERS
El edificio cuenta con una variedad de elementos arquitectónicos que contribuyen a su claridad y cohesión
general. Estos elementos incluyen la estructura primaria, el marco de la escalera, las placas de los pisos de
oficinas, el núcleo de soporte norte, la envoltura exterior y el sector público. La estructura está diseñada
para reforzar la geometría definida por la envolvente y generar la forma cónica distintiva del edificio. La
estructura está compuesta por un perímetro de "tubos" arriostrados que definen la extensión de las placas
de piso, sin la necesidad de columnas verticales secundarias en el perímetro. La estructura de acero
articulado proporciona precisión a todo el conjunto.
El marco de la escalera contribuye al énfasis vertical del edificio y encierra los núcleos de las salidas de
emergencia, que sirven a las plantas de oficinas. Además, ancla visualmente el edificio al predio. Las plantas
de oficina están diseñadas en forma de placas de piso rectangulares que disminuyen progresivamente en
profundidad hacia el ápice. Los niveles de oficina están conectados al "tubo" estructural en cada nivel. El
núcleo de soporte norte se concibe como una torre independiente que contiene todos los ascensores,
montacargas, elevadores de servicio y sectores de asistencia de cada planta.
La envolvente acristalada de gran transparencia permite mostrar los sistemas estructurales y el flujo
interior del edificio, lo que es un aporte importante y dinámico a la ciudad y un espectáculo único para los
transeúntes.
La fachada a las zonas de oficinas requiere los criterios de confort más altos en relación a la pérdida de
calor, luz del día, el deslumbramiento y la ganancia solar. La fachada se complementa con una capa interna
de doble cristal, generando una cavidad que incorpora el marco estructural. El acristalamiento exterior
incorpora los respiraderos a nivel de uniones, para permitir que el aire exterior entre y circule. Persianas
controladas en este vacío, se ajustan automáticamente para limitar la ganancia solar no deseada y el
deslumbramiento.
Los niveles inferiores del edificio generan un
retranqueo diagonal para lograr un gran
espacio público abierto hacia el sur. El espacio
público es totalmente accesible por medio de
una gran superficie, que fluye suavemente
desde la Plaza de St Helen a Leadenhall Street.
La espectacular escalera en el espacio semicerrado estilo catedral es un punto de encuentro
único y generará un importante nuevo destino
en Londres. Además, existen generosas terrazas
con bares y restaurantes que ofrecen una
entretenida vista hacia el espacio público bajo
ellas.
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El término "estética del éxito" se refiere a cómo la apariencia y la imagen influyen en la percepción
del éxito. Se trata de un concepto que se aplica a muchos ámbitos de la vida, desde la moda y el
estilo personal hasta la arquitectura y el diseño de interiores.
En general, la estética del éxito se basa en la idea de que una imagen cuidadosamente diseñada y
presentada puede influir en la percepción que tienen los demás sobre una persona o una empresa.
Por ejemplo, una oficina con una estética moderna y elegante puede ser percibida como más exitosa
y profesional que una oficina desordenada y anticuada, aunque ambas sean igualmente efectivas en
términos de productividad.
En cuanto a la moda y el estilo personal, la estética del éxito puede implicar el uso de ropa y
accesorios de alta calidad y marcas reconocidas, así como el cuidado en la presentación personal y
ESTÈTICA DEL ÉXITO
el mantenimiento de una imagen pulida y profesional.
Wall Street
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Es un movimiento de arquitectura postmoderna que se caracteriza por la ausencia de armonía,
continuidad o simetría, y su nombre proviene de la idea de "Deconstrucción" desarrollada por el
filósofo francés Jacques Derrida. Los arquitectos cuyo trabajo se describe a menudo como
deconstructivismo incluyen a Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel
Libeskind, Bernard Tschumi y Coop Himmelbau. Además de la fragmentación, el deconstructivismo
a menudo manipula la capa superficial de la estructura y crea formas no rectilíneas que parecen
distorsionar y dislocar elementos de la arquitectura.
Aunque el deconstructivismo no es un nuevo estilo arquitectónico, ni es un movimiento de
vanguardia contra la arquitectura o la sociedad, muchos lo malinterpretan debido a su nombre. En
realidad, es la liberación de infinitas posibilidades de jugar con formas y volúmenes. Los
vanguardistas rusos conocidos como constructivistas rusos rompieron las reglas de la arquitectura
clásica durante la Primera Guerra Mundial, lo que abrió los ojos de las personas sobre las infinitas
posibilidades de romper las reglas de la arquitectura. Después de la guerra, el impacto de las
revoluciones sociales en la arquitectura era inevitable. La geometría, ya sea en el arte o la
arquitectura, se volvió irregular.
El deconstructivismo se hizo público con el concurso de diseño arquitectónico del Parc de la Villette
en 1982, en particular la entrada de Jacques Derrida y Peter Eisenman y la obra ganadora de
Bernard Tschumi, así como la exposición "Deconstructivist Architecture" de 1988 del Museum of
Modern Art en Nueva York, organizada por Philip Johnson y Mark Wigley. Tschumi afirmó que
llamar al trabajo de estos arquitectos un "movimiento" o un nuevo "estilo" estaba fuera de contexto y
DECONSTRUCTIVISMO
EN ARQUITECTURA
mostraba una falta de comprensión de sus ideas, y creía que el deconstructivismo era simplemente
un movimiento en contra de la práctica de la postmodernidad.
Otras exposiciones influyentes incluyen la apertura en 1989 del Wexner Center for the Arts en
Columbus, diseñado por Peter Eisenman. Aunque el deconstructivismo ha sido criticado por su falta
de funcionalidad y la complejidad de sus diseños, sigue siendo una forma popular de arquitectura
en la actualidad.
ZAHA HADID
Zaha Hadid fue una destacada arquitecta y la primera mujer arquitecta superestrella con una amplia
producción arquitectónica en diferentes lugares del mundo. Fue reconocida por numerosos
galardones, como el premio Mies van der Rohe, el premio Pritzker, el Praemium Imperiale y el título
de Dame of the British Empire. Su estilo se caracterizó por la fusión con el paisaje y el espacio
circundante, la apuesta por la plasticidad, la arquitectura orgánica, el movimiento, las líneas curvas,
las terminaciones angulosas, la luz lograda a través de grandes fachadas acristaladas, materiales
modernos como fibra de vidrio, poliéster y el color blanco, y por retar la gravedad.
112
Hadid fue una de las principales exponentes de la Arquitectura Deconstructivista, una corriente que se
caracteriza por romper con los principios de la arquitectura tradicional, sin equilibrio estructural, armonía
ni concepto del espacio, y por convertirse en símbolos e iconos publicitarios con gran repercusión
mediática. Los edificios deconstructivistas destacan por la imaginación y creatividad desbordante del
arquitecto, la separación de la forma y la función, la fragmentación y desintegración del edificio y del
espacio, las formas irregulares y la apariencia de irrealizables, y la complejidad constructiva y técnica que
requiere del uso de medios informáticos sofisticados en el diseño. Además, utilizan un lenguaje escultórico
y materiales novedosos que alcanzan gran protagonismo y generan un resultado espectacular y fascinador
en el espectador.
Hadid dejó numerosas obras construidas en diferentes lugares del mundo, como el museo MAXXI en Roma,
el Palacio de la Ópera de Cantón en China, el Centro de Heydar Aliyev en Bakú, Azerbaiyán, el London
Aquatics Center en el Parque Olímpico de Londres 2012, entre otros, y también se dedicó al diseño de
interiores, eventos, mobiliario, zapatos y joyas. En España, tuvo la oportunidad de construir tres obras, el
pabellón puente de Zaragoza, el edificio anexo a las bodegas Viña Tondonia en Haro (La Rioja) y la estación
de Euskotren en Durango (Vizcaya).
Palacio de la Ópera de Guangzhou
Centro Heydar Aliyev
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EN MODA
La moda y el arte están relacionados, ya que la moda puede ser un tipo de ropa que transmite ideas y
sensaciones, y tiene un gran poder simbólico al igual que el arte. Además, la moda tiene una carga
sociológica importante, ya que refleja los cambios sociales, culturales y económicos que están sucediendo en
el mundo.
Dentro de la moda, hay diferentes subgrupos y uno de los más criticados es la moda experimental, que se
define como el diseño de prendas basadas en la creatividad e innovación. En este grupo, se destaca el
deconstructivismo, que enfatiza la naturaleza no terminada de la prenda, el desmontaje y la creación de un
nuevo material con el conjunto, lo que da el resultado de algo no convencional. Este movimiento
deconstructivista es cada vez más frecuente en el mundo de la moda y tiene como objetivo mostrar
elementos de la prenda que generalmente están ocultos, como pinzas, costuras expuestas, forros y otras
características que hacen posible la vestimenta.
El deconstructivismo surge en los años noventa con la influencia japonesa y se relaciona con el término
utilizado por el filósofo postestructuralista, Jacques Derrida. Para él, la deconstrucción es una estrategia para
la descomposición de la metafísica occidental, no es una doctrina, filosofía ni método, sino una manera
nueva de leer un texto o analizar conceptos, instituciones y estructuras socio-políticas.
En la moda, el deconstructivismo surge de la mano de diseñadores japoneses como Issey Miyake, Yohji
Yamamoto, Rei Kawakubo y Junya Watanabe, quienes decidieron iniciar un cambio en la moda occidental y
trabajaron reinterpretando las funcionalidades y las formas, poniendo en un lado crítico a la silueta
utilizada en la moda y creando las primeras prendas asimétricas y desestructuradas.
REI KAWAKUBO
Rei Kawakubo inició su carrera como estilista personal y decidió abrir su propia boutique en Japón en 1975
debido a que no encontraba las piezas que imaginaba. La marca Comme des Garcons se hizo famosa en 1981
al debutar en el Paris Fashion Week.
Junto con Issey Miyake y Yohji Yamamoto, Kawakubo fue uno de los diseñadores japoneses más influyentes en
el mundo de la moda debido a su uso del color negro, las siluetas asimétricas y el uso inusual de los textiles.
En particular, la colección de 1982 fue muy impactante debido a las piezas con hoyos y el uso exclusivo del
color negro en un estilo militar, lo que fue categorizado por la prensa francesa como la venganza de
Hiroshima.
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El proceso creativo de Kawakubo se considera más filosófico, ya que habla con sus diseñadores sobre los
sentimientos que quiere provocar y les da cierta independencia en su trabajo. Algunos de los diseñadores
que han trabajado en Comme des Garcons incluyen a Kei Ninomiya y Junya Watanabe. Aunque a Kawakubo
no le gusta encerrar su estilo en una etiqueta, sus desfiles suelen ser controvertidos debido a su uso inusual
y deconstructivista de las prendas.
En 2012, la colección White Drama de Kawakubo causó una reacción positiva debido al mensaje que
destacaba las etapas de la vida hacia la trascendencia humana. Sin embargo, Kawakubo declaró su
inconformidad con la presentación debido a que fue demasiado fácil de entender.
Rei Kawakubo es impredecible y ha sido un parteaguas en el mundo de la moda. En 2017, el MET le dedicó
una exposición de sus mejores piezas. Actualmente, la diseñadora sigue trabajando en su legado en Comme
des Garcons y deja sus desfiles a libre interpretación.
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ECLECTICISMO
El eclecticismo filosófico es un modelo de pensamiento que surge en la Grecia Antigua alrededor del
siglo II a.C. y se caracteriza por no sujetarse a axiomas ni paradigmas determinados, sino por
sintetizar la potente tradición filosófica clásica. En este sentido, busca conciliar posturas tan
distintas como las de los presocráticos, la de Platón o la de Aristóteles. Los filósofos romanos
heredaron este modelo y nunca tuvieron una doctrina propia, sino que echaron mano
indistintamente del estoicismo, escepticismo y de los peripatéticos.
En la Edad Media, el eclecticismo se puso en práctica a través de la combinación de pensamiento
cristiano e islámico, o cristiano y grecorromano. En la Ilustración, en el siglo XVIII, se desarrolló
como alternativa a la tradición escolástica medieval y en el siglo XIX, el francés Victor Cousin lo
retomó.
En el ámbito artístico, el término ecléctico o eclecticismo se emplea para indicar la combinación
libre de estilos artísticos diferentes. Si bien siempre estuvo presente en el mundo de la creación,
jamás constituyó un movimiento propio. Por vez primera, el crítico e historiador del arte alemán
Johann Joachim Winckelmann habló formalmente de eclecticismo en el arte en el siglo XVIII, al
criticar a la familia de artistas italianos Caracci, quienes combinaban elementos clásicos y
renacentistas.
Por el contrario, el eclecticismo artístico fue defendido por sir Joshua Reynolds en sus Discursos
académicos de 1774, en donde afirmaba que cualquier artista tiene derecho a tomar de la
antigüedad los elementos que mejor le parezcan.
En la arquitectura, el eclecticismo nació en Francia a mediados del siglo XIX como la tendencia a
combinar estilos y elementos arquitectónicos de distintas tradiciones y épocas históricas. Se lo
conoció también como Historicismo y tuvo como referencias principales el gótico, el románico, el
orientalismo y el exotismo. Sin embargo, a menudo se prestaba para el nacionalismo y el deseo de
recuperar “lo propio” en la tradición arquitectónica. El eclecticismo, en cambio, era mucho más
libre y proponía tomar elementos de donde se quisiera, al libre antojo del arquitecto.
ESTILO ECLÉCTICO
Se define como la combinación de distintas corrientes artísticas, de moda, diseño o arquitectura,
que al ser mezcladas de manera inteligente y cuidadosa dan lugar a un estilo vital, alegre y muy
creativo. Este estilo es muy apreciado en decoración por la riqueza de tendencias, colores, texturas y
mobiliario diverso que ofrece, pero exige de una cuidada planificación y un gran conocimiento de
los distintos estilos decorativos para poder elegir lo mejor de cada uno de ellos y saber cómo
combinarlos de forma acertada.
La clave del estilo ecléctico es buscar la armonía en la combinación de estilos, texturas o mobiliario
para que el resultado sea brillante. Una estudiada planificación en la distribución, la elección de las
piezas y los periodos, la combinación o contraste en los colores, así como la creación de un punto
focal y un buen estudio de la iluminación son claves para que el estilo decorativo ecléctico sea un
éxito.
116
La riqueza de telas, objetos decorativos, artículos de arte hacen de este estilo algo verdaderamente
apetecible, cualquier pieza, de cualquier periodo o estilo puede ser la estrella del proyecto, siempre con un
cuidado estudio del resto.
El estilo ecléctico se caracteriza por una paleta de colores muy diversa, que puede ir desde una paleta neutra
en la que destacan las piezas de mobiliario y decoración, hasta paredes muy enriquecidas y dramáticas con
colores potentes o papeles pintados. Añadir puntos de color en contraste es un gran truco o marcar
mediante el color un punto focal en discordancia con el entorno.
Las líneas, acabados y materiales de las piezas de mobiliario son tan variadas como el abanico de
posibilidades. Piezas heredadas, de estilo modernista, otras recicladas, algo pop art, no hay límites. Tan solo
hay que tener en cuenta el mantener el equilibrio entre las piezas y no mezclar más de tres estilos para un
mismo habitáculo, más allá de esto se requiere una destreza y una gran experiencia para lograrlo.
La estética ecléctica se caracteriza por la multitud de telas, con distintos estampados, texturas y colores, en
cortinas, tapizados, cojines, alfombras.
Lo que hace que el ecléctico funcione es un hilo unificador que se puede percibir visualmente en todo el
espacio decorado. Este puede ser un fondo neutro o un acento de color llamativo que se repite por toda la
casa. El contraste se encuentra en el corazón del eclecticismo, y se puede lograr de distintas formas: colores,
estampados y patrones, formas o texturas.
Es importante tener en cuenta que el estilo ecléctico puede ser peligroso si se tiende a recargar los espacios,
llenarlos de objetos que pueden dar un aspecto de desorden y caos. Por ello, lo mejor es realizar un ejercicio
de visualización y ejercer la restricción en la cantidad de elementos. Es mejor partir de un concepto básico e
ir enriqueciéndolo con el tiempo.
Ayuntamiento de La Coruña. 1918.
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El historicismo es un movimiento artístico, literario y cultural que surgió en Europa en el siglo XIX y
se extendió hasta principios del siglo XX. Se caracterizó por su interés en revivir y reutilizar los
estilos, formas y temas del pasado en la creación de obras artísticas y arquitectónicas.
En arquitectura, el historicismo se manifiesta en la construcción de edificios que imitan o hacen
referencia a estilos arquitectónicos del pasado, como el gótico, renacentista o barroco, entre otros.
Estos edificios pueden ser auténticos ejemplos de arquitectura histórica, o pueden ser
construcciones modernas que emplean elementos de diferentes estilos históricos en su diseño.
En otras disciplinas artísticas, como la pintura, escultura o literatura, el historicismo se manifiesta
en la recreación de estilos, temas o técnicas del pasado en obras contemporáneas. Por ejemplo, la
pintura neoclásica del siglo XVIII se inspiró en la antigua Grecia y Roma, mientras que el
HISTORICISMO
romanticismo del siglo XIX se inspiró en la literatura y arte medieval.
La Academia de Caballería
de Valladolid.
Sevilla. Palacio neogótico
del marqués de la Motilla.
118
la combinación de distintos procesos de creación. En la creación artística contemporánea, los
modos de expresar, interpretar y entender el proceso creativo no se encuentran arraigados a una
disciplina o técnica específica, sino que se interrelacionan propiciando el enriquecimiento en el
proceso creativo y ampliando los horizontes creativos.
La hibridación en el arte significa el abandono o la pérdida parcial de las ataduras en la definición
de las artes tradicionales, así como el cruce con otras disciplinas, como las ciencias naturales, la
industria, la tecnología o la literatura. Las formas híbridas en las artes expanden hasta casi el
infinito las posibilidades de experimentación e innovación del arte contemporáneo.
Las "artes híbridas" son el movimiento o la tendencia artística de la postmodernidad en la que
vivimos. En la actualidad, no están claros los límites y todo es cuestionable, lo que ha llevado a la
búsqueda de nuevas teorías, métodos y conceptos que surgen de cualquier resquicio de la mente
HIBRIDACIÓN
La hibridación se refiere a las técnicas como mecanismos preliminares para la creación, mediante
humana.
Los artistas contemporáneos se sienten libres y capaces de "hacer arte" con cualquier material y
técnica imaginable. Esta libertad crea nuevas oportunidades para expresar ideas y conceptos, y abre
un sinfín de retos, oportunidades, elecciones y decisiones para los artistas. La hibridación y la
transdisciplinariedad son herramientas que los artistas pueden utilizar para innovar y ampliar los
límites del arte contemporáneo.
VIKTOR & ROLF
Viktor & Rolf es una reconocida casa de moda fundada
por los diseñadores Viktor Horsting y Rolf Snoeren.
Son conocidos por su enfoque conceptual y su
habilidad para combinar moda y arte en sus
creaciones. Su trabajo se destaca por su estilo
innovador
y
su
capacidad
para
desafiar
las
convenciones de la moda tradicional.
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Las tipologías de intervención son un conjunto de acciones o estrategias que se aplican para abordar
una problemática en un ámbito determinado. Estas pueden ser implementadas en diferentes
ámbitos, como el social, educativo, cultural, económico, entre otros.
En el ámbito social, algunas tipologías de intervención pueden ser la prevención del delito, la
promoción de la salud mental, la atención a poblaciones vulnerables y el fomento de la
participación ciudadana. Por su parte, en el ámbito educativo, se pueden identificar intervenciones
como el desarrollo de programas de formación para docentes, la implementación de estrategias de
inclusión educativa y la mejora de la calidad educativa.
objetivos específicos de cada situación, y pueden involucrar a diferentes actores, como gobiernos,
organizaciones no gubernamentales, empresas, comunidades locales, entre otros. Además, pueden
ser evaluadas y ajustadas en función de los resultados y efectos que se obtengan, con el objetivo de
mejorar su eficacia y eficiencia.
En el diseño, las tipologías de intervención se refieren a las diferentes estrategias o enfoques que se
pueden utilizar para abordar un problema o cumplir con un objetivo de diseño. Estas tipologías se
basan en el conocimiento y la experiencia de los diseñadores y se utilizan para seleccionar la mejor
opción para cada situación de diseño específica.
Para ello, se pueden aplicar diferentes métodos, técnicas y herramientas de diseño, como la
investigación de usuarios, el prototipado, la evaluación de conceptos, la co-creación y la co-diseño,
entre otras. Es importante tener en cuenta que cada tipología de intervención tiene sus ventajas y
desventajas, y puede ser más efectiva para abordar ciertos problemas de diseño que otros. La
elección de la tipología de intervención adecuada dependerá del problema o objetivo de diseño
específico, así como de los recursos y restricciones disponibles para el proyecto. Por ello, es
fundamental que los diseñadores comprendan las diferentes tipologías de intervención y puedan
seleccionar la mejor opción para cada situación de diseño.
TIPOLOGÍAS DE INTERVENCIÓN
Las tipologías de intervención pueden ser diseñadas y adaptadas en función de las necesidades y
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ERA DIGITAL
La historia de la humanidad ha estado marcada por diversas épocas y eras que han sido definidas
por revoluciones tecnológicas, como la Edad de Bronce o la Edad de Piedra. La última era que ha
tenido un impacto significativo en nuestra forma de vida es la Edad Moderna, en la que la
Revolución Industrial desempeñó un papel clave en el desarrollo de la economía y la sociedad.
En la actualidad, la era contemporánea se caracteriza principalmente por la Revolución Digital, que
está transformando profundamente la sociedad a través de las nuevas tecnologías e Internet. Esto ha
llevado a cambios profundos en la forma en que vivimos y trabajamos, y ha dado lugar a una nueva
cultura "la cultura digital".
La aplicación de la tecnología digital se ha extendido a casi todos los sectores de la economía,
incluyendo la educación, la medicina, la ingeniería y el sector bancario, entre otros. Este cambio ha
supuesto una verdadera revolución que nos toca vivir, aunque muchas personas aún no son
conscientes de la magnitud del cambio.
La era digital ha traído consigo una gran demanda de profesionales especializados en ramas
digitales, así como nuevas profesiones que se han creado a partir de esta era. Además, supone un
reto para las personas adaptarse a esta nueva situación y aprovechar todas las ventajas que ofrece
este mundo digital.
Aunque la era digital ofrece muchas ventajas, también tiene algunos inconvenientes, especialmente
cuando se olvida que las personas son más importantes que la tecnología en sí misma. Las
tecnologías no son ni buenas ni malas, sino que dependen de su utilización y requieren mucha
pedagogía social del uso y la producción de nuevos medios.
En definitiva, la nueva era digital nos ofrece un mundo nuevo de oportunidades que podemos y
debemos aprovechar, pero siempre teniendo en cuenta que todo esto habrá valido la pena si
trabajamos para construir un mundo mejor, capaz de ayudar a mejorar la vida de muchas personas
para que puedan llegar a ser más felices y más válidas, y que esto pasa por una mejor educación
para nuestros hijos. Como dijo Albert Einstein, la tecnología sólo aporta felicidad cuando se sabe
usar con tino, y debemos temer el día en que la tecnología sobrepase a la humanidad y se convierta
en una amenaza para nuestra inteligencia y creatividad.
Apple
121
REFLEXIÓN
En la época de nuestros abuelos fue en donde la parte tecnológica estaba empezando a nacer, es por ello
que no era lo común tener algún móvil o hasta un televisor. En mi caso, tuve la suerte de haber nacido en
una época de auge digital, en donde la tecnología empezaba a dar mucha importancia a nivel mundial y esto
reflejaba cómo el mundo estaba cambiando y hoy en día podemos observar que cada día sigue cambiando
por los avances tecnológicos.
En mi opinión, siento que el mundo está cambiando tan rápido que no estaremos preparados para cuando
aparezcan los futuros avances o problemas relacionas con la tecnología, y de alguna manera me genera un
especie de temor. Uno de los ejemplos que me parecen impresionantes, pero que a la vez asusta, es la
inteligencia artificial, que aunque es muy útil para distintas cosas, no sabemos que pasará de aquí a unos
años, en donde tal vez la inteligencia artificial nos quite ciertos trabajos o no sepamos si algo es real o no.
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El personalismo es una corriente filosófica que enfatiza la importancia de la persona como sujeto y
fin de todas las realidades, incluyendo la política, la sociedad y la economía. El personalismo se
centra en la dignidad y libertad de la persona, sosteniendo que la persona es un ser único e
irrepetible que debe ser valorado por sí mismo y no solo por su utilidad o funcionalidad para la
sociedad. Surgió en el siglo XX como reacción a las corrientes filosóficas que enfatizaban el
determinismo y el materialismo.
El personalismo se ha aplicado en distintos campos, como la política, la educación, la economía y la
bioética. En la política, se opone a las ideologías que ven al individuo como un medio para lograr
objetivos colectivos y defiende la importancia de la libertad y la responsabilidad individual. En la
educación, se enfoca en el desarrollo integral de la persona y no solo en la transmisión de
conocimientos técnicos. En la economía, se opone al capitalismo y al comunismo y propone un
enfoque más humano y solidario.
El personismo es una corriente dentro del diseño que se centra en la importancia del individuo y su
experiencia en relación con el diseño. Esta corriente pone énfasis en la conexión emocional entre
las personas y los objetos o espacios diseñados.
El personismo busca crear diseños que tengan en cuenta las necesidades, deseos y preferencias
individuales de las personas. Se enfoca en comprender y responder a las emociones, experiencias y
contextos personales de los usuarios. En lugar de seguir estilos o tendencias preestablecidas, el
personismo se centra en la individualidad y en cómo el diseño puede adaptarse a las
particularidades de cada persona.
ALGUNOS ASPECTOS CLAVE DEL PERSONISMO EN EL DISEÑO SON:
PERSONISMO
1. Experiencia del usuario: Se pone un énfasis particular en la experiencia del usuario y en cómo
el diseño puede mejorarla. Se busca comprender las necesidades emocionales, físicas y
psicológicas de las personas para crear soluciones diseñadas a medida.
2. Personalización: Se valora la capacidad de personalizar los productos o espacios para
adaptarlos a las preferencias individuales. Esto puede implicar la inclusión de opciones de
personalización, la flexibilidad en la configuración de los espacios o la adaptabilidad de los
productos a diferentes usuarios.
3. Empatía y conexión emocional: Se busca establecer una conexión emocional entre el diseño y
los usuarios. Esto implica comprender y responder a las emociones y sentimientos de las
personas, creando diseños que generen una experiencia positiva y significativa.
4. Participación del usuario: Se fomenta la participación activa del usuario en el proceso de
diseño. Se valora su retroalimentación y aportes, buscando incorporarlos en el diseño final para
crear soluciones más alineadas con sus necesidades y preferencias.
123
de productos y servicios accesibles para una amplia audiencia.
Aunque se llama "low cost", esto no significa que el producto o servicio tenga una calidad inferior.
Por el contrario, se busca optimizar el proceso de producción y reducir costos en áreas como
materiales y mano de obra, sin comprometer la calidad y la estética del producto final.
El diseño low cost se aplica a diferentes áreas del diseño, como el diseño de interiores, el diseño de
moda y el diseño de productos. En el diseño de interiores, por ejemplo, se pueden utilizar materiales
más económicos, como el PVC o el cartón, en lugar de materiales más costosos, como la madera
maciza. En el diseño de moda, se pueden utilizar telas sintéticas en lugar de telas naturales, lo que
reduce los costos de producción sin comprometer la calidad del producto final. En el diseño de
productos, se pueden utilizar técnicas de producción más eficientes y materiales más económicos
para crear productos de alta calidad a precios más bajos.
Además, el diseño low cost también se ha popularizado en el mundo digital, especialmente en el
diseño web y la creación de aplicaciones móviles. El uso de plantillas y herramientas en línea
gratuitas o de bajo costo ha hecho que el diseño web sea más accesible para pequeñas empresas y
emprendedores que buscan una presencia en línea efectiva sin gastar grandes sumas de dinero.
Es importante destacar que, aunque se ha abusado del término "diseño" para justificar precios
exorbitantes en algunos productos, muchos productos buenos y exitosos han sido concebidos para
mejorar la vida de la gran mayoría y han sido replicados en serie para abaratar su producción. El
TENDENCIAS DEL DISEÑO
y servicios de alta calidad a precios bajos. Esta corriente surgió para satisfacer la creciente demanda
DISEÑO LOW COST
El diseño low cost es una tendencia en el mundo del diseño que tiene como objetivo crear productos
diseño nórdico, el practicado por ingenieros y arquitectos franceses, y las editoras danesas son
algunos ejemplos de ello. El diseño low cost busca seguir esta tradición de crear productos de alta
calidad y accesibles para todos.
MUJI
es una marca japonesa que se destaca
por
su
diseño
minimalista
y
funcional. Sus productos abarcan
desde artículos para el hogar hasta
ropa y accesorios. Muji ofrece diseños
simples y de calidad a precios
razonables.
124
El neobarroco es un estilo de interiorismo y mobiliario que se ha consolidado como tendencia en
este inicio de siglo XXI. Tiene su origen en el propio estilo barroco y en el neobarroco del siglo XIX,
que se inspiraba en estilos del pasado y utilizaba el barroco, imitándolo a veces miméticamente. El
neobarroco del siglo XXI no solo se centra en interiores y mobiliario, sino que también se extiende a
productos y moda.
Para algunos teóricos, el neobarroco es sinónimo de postmodernidad y lo asimilan a la
deconstrucción y al exceso, caos y distorsión. El interiorismo neobarroco busca principalmente lo
decorativo y utiliza materiales lujosos y de alta calidad, piezas molduradas y doradas, y colores
intensos como rojo, negro y azul. En el caso del mobiliario, los muebles que siguen el estilo
generalmente están realizados en metacrilato, acero, plásticos y utilizan formas básicas y colores
neutros.
Una variante interesante del interiorismo neobarroco es el neobarroco minimalista, que mezcla
interiores minimalistas con mobiliario neobarroco o propiamente barroco para quitar neutralidad y
frialdad al minimalismo y dar fuerza al mueble barroco o neobarroco.
El neobarroco europeo se utilizó principalmente para el diseño de nuevos edificios públicos, como
palacios, sedes de gobierno, tribunales y teatros, pero la moda neobarroca también caló en la
apellido. La arquitectura civil tiende a recrear un barroco acorde con la modernidad y no renuncia a
la efectividad de lo ecléctico entreverado de elementos alegóricos.
Ópera Semper
Dresden, en el estado de Sajonia. La Ópera Semper debe su nombre al arquitecto que lo diseño, a la
vez que también tuvo que ser reconstruido hasta en tres ocasiones, debido a diferentes
circunstancias, algunas de ellas históricas.
NEO BARROCO
La Semperoper es el edificio de la ópera que se encuentra ubicado en la Theaterplatz de la ciudad de
125
TENDENCIAS DEL DISEÑO
burguesía adinerada, que vio en esa exhibición la forma más elegante de dar nobleza y lustre a su
exhibición exagerada de riqueza y estatus social. En su forma más extrema, el marquismo se enfoca
en mostrar símbolos de estatus de manera muy evidente y exagerada, como marcas de lujo, joyas
ostentosas y otros objetos caros.
Esta tendencia cultural del diseño se ha relacionado históricamente con períodos de prosperidad
económica y creciente desigualdad social, donde la clase alta busca diferenciarse y demostrar su
posición social privilegiada a través de símbolos de riqueza y estatus. Sin embargo, en los últimos
años, la tendencia del diseño ha evolucionado hacia un enfoque más minimalista y sostenible, lo
que ha llevado a una reducción en la popularidad del marquismo y una mayor demanda de diseños
más discretos y duraderos.
GUCCI
MARQUISMO
TENDENCIAS DEL DISEÑO
El marquismo, como tendencia cultural del diseño, a menudo se asocia con la ostentación y la
126
REFLEXIÓN
Observar a las personas con objetos o prendas de marca de lujo puede generar diversas reacciones en
muchas personas. Unos pueden llegar a observarlo como una forma de admiración y hay hasta otros que
pueden llegar a sentir envidia.
La tendencia del marquismo, en mi opinión, no es de mi agrado, ya que me parece de muy mal gusto todo lo
referente con la ostentación y la demostración exagerada de la riqueza y estatus social. Cada vez que veo, en
la calle, personas que muestran prendas u objetos con logos de marcas que tienen un alto valor económico,
me da una sensación de que esas personas quieren ser vistas y en muchas ocasiones trato de que me sea
indiferente. Es un tema en donde no logro comprender del todo cómo es posible que las personas que visten
de esta tendencia les encante, pero bueno, todos somos distintos y a pesar que no me guste algo lo único que
puedo hacer es respetarlo.
Por último, desde mi experiencia personal, siempre he llevado productos de ciertas marcas como por
ejemplo apple en donde inevitablemente por el logo o por su diseño he llevado esta tendencia, y lo sigo
haciendo. Es un poco contradictorio comparando al párrafo anterior, pero lo que quiero decir es que a pesar
de que tenga estos productos no me gusta llamar la atención y si tuviera la opción de evitarlo lo haría, pero
no se puede, ya que por ejemplo en un portátil de apple siempre te venden con el logo y no hay manera de
quitarlo.
127
transmitir mensajes morales o sociopolíticos, pero el esteticismo rompió con esta idea y clamó por
la libertad de expresión del artista contra la conformidad restrictiva victoriana.
El esteticismo se centró en la exploración del color, la composición y la forma para buscar ante todo
la belleza, y su corazón era "el arte por el arte". Este movimiento artístico inundó la pintura, la
escultura y la arquitectura, pero también se trasladó a la moda, la cerámica, la decoración de las
casas, los muebles y la literatura. Figuras relevantes del momento, como Oscar Wilde, adoptaron el
esteticismo como forma de vida y vivieron de acuerdo con sus principios de libre expresión de la
belleza. Fue una rebelión contra el materialismo, la fealdad y el industrialismo victoriano. El
esteticismo descartó los productos industriales, con diseños empobrecidos, creados como artículos
de consumo y realizados por máquinas "sin alma".
En lugar de los elementos artísticos victorianos, que eran formas delicadas, curvilíneas y con
abundante ornamentación, el esteticismo apostó por una vuelta a la artesanía en la creación de toda
expresión artística. Tomaron protagonismo los diseños geométricos, las formas lineales simples y
los colores tenues. Esta tendencia se está viendo de nuevo en la actualidad, en la que estamos
pasando de un dominio del minimalismo y del modernismo escandinavo, de formas basadas en la
racionalidad y la funcionalidad, a un predominio de formas más conceptuales en las que los
elementos artísticos tienen una mayor relevancia.
El Movimiento Estético, liderado por el escritor Oscar Wilde, se desarrolló en los campos de la
literatura, arte, diseño gráfico, interiorismo, mobiliario y moda. Fue una reacción al diseño de la
época victoriana y a su moral puritana, y su base fue el concepto del arte por el arte, la búsqueda de
la belleza en el diseño. Se entiende el esteticismo como parte de todo un movimiento reformista que
se desarrolló a partir de la Exposición Universal de Londres en 1851. El Aestetic Movement tuvo
como influencias y antecedentes a la Hermandad Prerrafaelita y a la influencia del arte y diseño
japonés. Siguieron el movimiento esteticista diseñadores como Dresser, Godwin, Eatslaker o McNeill
Whistler. Los interiores esteticistas buscaban ser bellos por sí mismos y tener una funcionalidad
esencial, en contraposición a los interiores recargados y ostentosos de la época victoriana.
TENDENCIAS DEL DISEÑO
normas de la época victoriana. En aquel momento histórico, el arte se consideraba obligado a
ESTETICISMO DE LOS BIENES
El esteticismo fue un movimiento artístico que surgió en oposición a las tradiciones y las rígidas
Esteticismo de
los bienes
Actual
128
El apropiacionismo es una práctica artística que consiste en crear una nueva obra a partir de una
obra de arte ya existente, cuya autoría es de otro artista. Esta práctica no es considerada como
plagio, ya que el artista no pretende hacer pasar la obra como propia, sino transformarla en algo
nuevo y diferente.
Algunos consideran que también se puede aplicar la práctica del apropiacionismo a objetos que no
son arte, como los ready-made, que son objetos cotidianos que se convierten en obras de arte al ser
presentados en una galería o museo.
Las obras apropiacionistas suelen tener un fuerte contenido conceptual, y a menudo transmiten
mensajes o ideas que son más importantes que la obra física en sí misma. La modificación de una
obra de arte existente puede cambiar su significado original, o bien puede ser copiada exactamente
para cuestionar la originalidad, la autoría o el valor de la obra.
Existen diferentes formas de apropiacionismo, como la modificación de una obra de arte existente,
el cambio de contexto para cambiar su significado original, o la copia exacta de la obra original. El
apropiacionismo se ha vuelto una práctica muy importante en las últimas décadas del siglo XX
debido al auge del arte conceptual y a la era posmoderna, que cuestiona la verdad y los valores
tradicionales del arte.
cultura visual artificial, y ha desempeñado un papel muy significativo en la historia de las artes
contemporáneos para cuestionar y desafiar los límites del arte y la autoría.
L.H.O.O.Q. de Manuel
Duchamp (izquierda) como
apropiación de La Mona Lisa
APROPIACIONISMO
visuales, musicales, teatrales y literarias. Es una práctica que continúa siendo utilizada por artistas
de Leonardo Da Vinci.
129
TENDENCIAS DEL DISEÑO
En las artes visuales, el apropiacionismo implica adoptar, probar, reciclar o imitar aspectos de la
Andy Warhol y El grito
El pop refleja el mundo consumista, el mundo de lo fabricado en serie, de lo masivo, de lo impersonal. “Pop”,
justamente, refiere a lo popular, a lo “consumido” (ya sean productos, imágenes o ideas) por las masas en el
día a día.
Con esta serie apropiacionista (el apropiacionismo es la práctica que consiste en tomar una obra de arte de
otro y convertirta en una nueva obra de arte), Warhol toma la obra de uno de sus artistas admirados y la
convierte en una serie, como cualquier producto elaborado para el consumo masivo.
Lo interesante, el desafío conceptual (toda obra apropiacionista tiene una contenido conceptual importante,
una provocación a la razón), es que El grito ya es antes de esta serie un ícono cultural, una imagen pop, una
figura entre las más reconocibles de la historia del arte por todo el mundo. ya es una especie de Gioconda
moderna.
Warhol no convierte a El grito en una imagen pop, sino que "la sincera".
El grito de Munch
130
REFLEXIÓN
El apropiacionismo en general es un tema complicado, ya que existen opiniones muy variadas y amplias
acerca de ello. Unos pueden creer que es una forma de recrear de manera mucho más creativa distintos
elementos; sin embargo, otros piensan que es una forma de apropiación cultural en donde no es nada ético.
Desde mi perspectiva, no es nada malo querer interpretar ciertos elementos de distintas culturas que existen
en el mundo, solo si son respetados y que por lo menos entiendan el trasfondo de ello. Pero hoy en día se
puede observar que a pesar de que no todo el mundo es irrespetuoso, siempre hay esos grupos en donde
toman como objeto de burla, estos elementos, o adueñarse de ellos sin dar ningún beneficio o
reconocimiento a la cultura del que se hayan adueñado.
Un ejemplo puede ser los rasgos asiáticos, exactamente los ojos rasgados, en donde se puso en tendencia
hace unos años y hasta hoy en día se puede observar y está presente en el mundo del maquillaje. Cuando
apareció esta tendencia, hubo todo un revuelo en las redes sociales, ya que la mayoría de las personas
creían que esto era una apropiación cultural el transformar, por medio del maquillaje, los ojos rasgados
asiáticos.
En mi opinión, no me es problema que la gente quiera maquillarse con este tipo de tendencia, pero lo que sí
pienso es que por lo menos haya un respeto y una conciencia sobre ello, porque nosotros los asiáticos
siempre hemos vivido con el racismo y la xenofobia de otras personas, de no muy buena educación, por
medio de burlas por la forma de nuestros ojos hasta en que los chinos, en general, hablan.
131
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